Outro dia comentaram comigo sobre essa entrevista que dei para o Portal A&C e que eu ainda não a tinha visto publicada. Copio-a a seguir para quem também não viu:
“Já estamos cercados por tecnologias com inteligência artificial”
Um papo sobre avanços tecnológicos recentes e seus impactos sobre nossas vidas com o jornalista Alexandre Matias
Já parou para pensar no quanto as novas tecnologias têm mudado nossas vidas nos últimos anos? Internet e softwares, com o suporte dos mais variados tipos de dispositivos, têm modificado comportamentos, modos de produção, os fluxos de informação, influenciado o jeito de fazer arte e produzir cultura, transformado a educação e o ensino. E isso parece ser só o começo.
O jornalista Alexandre Matias tem acompanhado tudo isso de perto profissionalmente. Ao longo de sua carreira, foi editor do “Link”, o caderno de tecnologia do jornal Estado de São Paulo, editor chefe da revista de ciência Galileu, além de ter editado umas das primeiras revistas no Brasil a falar de comportamento digital, a “Play”. É também reconhecido pelo seu blog “Trabalho Sujo”. O Portal AeC conversou com Matias sobre os impactos e transformações propiciados pelas novas tecnologias e o convidou a fazer algumas apostas em relação ao futuro.
Você começou sua carreira cobrindo música, foi editor do caderno de tecnologia no Estadão, editor da Revista Galileu e seu blog Trabalho Sujo é referência para muitas pessoas. Como você enxerga hoje a profissão de jornalista? Qual é o papel dele num mundo onde se fala em excesso de informação e um baixo limiar de atenção?
Acho que a chegada da internet é uma fase de transição que parece que tem demorado para passar porque a estamos atravessando desde os anos 90. Mas quem tem 18 anos hoje não sabe o que é o mundo sem internet, provavelmente nem sequer se refere à internet desta forma – não paga contas “online”, apenas paga contas; não compra ingressos “online”, apenas compra ingressos; não sai com alguém que conheceu “online” e sim com alguém que conheceu. A maioria das profissões e dos profissionais entrou em parafuso e ainda tateia na rede – tem muita gente mais velha que a gente que está começando a acessar a rede em 2014, tendo seu primeiro email, abrindo seu primeiro perfil em uma rede social, acreditando naqueles velhos boatos que caímos em 1997 e clicando sem querer em correntes, vírus ou spywares. Tudo isso pra dizer que o cerne da profissão jornalista não mudou muito e é tão necessário (talvez mais) do que antes. É preciso apurar, editar, filtrar, checar, descobrir coisas novas, fuçar em assuntos que ninguém quer se meter – cada vez mais. Se o Facebook (ou a próxima rede social) é o blog de qualquer um e qualquer um com um blog pode ser um jornalista, somos todos jornalistas – mas isso não quer dizer que somos bons jornalistas. Cabe a esses bons separar o joio do trigo e trazer assuntos apurados, checados e analisados. O problema é que a mudança provocada pela internet vem desnudando uma série de veículos e modus operandi que não têm nada a ver com jornalismo, que fazem propaganda (comercial ou política) disfarçada disso. Então uma série de “pilares” do jornalismo vêm caindo ou se segurando para não cair, enquanto os novos nomes ainda estão surgindo, experimentando formatos, vendo como se pagam as contas. É um momento bem interessante e me sinto muito feliz em poder participar tão ativamente desta mudança. Editei uma revista que falava de comportamento digital em 2001 (a Play), editei um caderno que unificou a produção do online e do impresso pela primeira vez numa grande redação brasileira (o Link) e tenho um site que vai mudando de acordo com a minha vontade e as novidades da época (o Trabalho Sujo). São apenas três experiências pelas quais passei entre muitas outras que mostram como estamos mudando e cada vez mais conscientes desta mudança.
Um pequeno exercício de especulação e futurologia para quem acompanha o mercado tech de perto: assim como o filme Minority Report influenciou interfaces touch quando do seu lançamento, fala-se que Ela, de Spike Jonze, pode ter o mesmo impacto na design da experiência do usuário. Ou seja, interfaces menos visuais e com comandos vocais. Você apostaria nisso? Como você enxerga possíveis futuras interfaces?
Não sei, acho que o futuro está cada vez mais imprevisível – procure a internet na ficção científica do século 20 e ela só começa a ser cogitada a partir de 1984, com Neuromancer, quando a internet já existia para além das universidades e laboratórios de tecnologia. Mesmo as interfaces do Minority Report ainda não chegaram – estamos arrastando coisas na tela com o mouse, por mais que nossos dedos já deslizem os celulares e tablets. E as telas no filme de Spielberg não existiam, eram projetadas no vazio, uma interface que ainda vamos ver surgindo. Sobre Ela – e outros filmes e livros que abordam tais interfaces – vamos ver os robôs do futuro não como androides que fazem as coisas pra gente, mas como assistentes pessoais. Mas creio que eles não se tornarão tão humanos como a personagem do filme de Jonze – já conversamos com aparelhos hoje em dia (fizemos uma matéria em 2007 sobre pessoas que batizavam a voz que saía de seus aparelhos GPS). Acho que a tendência de qualquer interface é emular uma interface anterior – não à toa ainda chamamos a área de trabalho de “desktop” (escrivaninha em inglês) ou usamos termos como “pastas” e “arquivos” para nos referir a locais que não se parecem pastas e bits que não nos lembram em nada arquivos. Qual vamos escolher no futuro? Prefiro dizer que já conectaram o computador ao neurônio e que ativar as coisas com o pensamento deverá ser rotina em 20 anos. Por isso não sei se vamos precisar de uma cara ou de uma personalidade para estas coisas…
Você vê chances da inteligência artificial, num futuro próximo, ser tão fantástica e integrada à rotina do cidadão comum, como é no filme Ela?
Sim. Na verdade, já estamos cercados por inteligência artificial. É ela que nos indica amigos no Facebook, livros na Amazon, filmes no Netflix, os melhores caminhos via Waze e descobre a música que está tocando na festa via Shazam. A tendência é que esses algoritmos vão ficar mais complexos e começar a cruzar informações entre si – a ponto de saber que quando sua mãe estiver querendo falar com você, o volume do som ou da TV irão baixar automaticamente. E esse é um exemplo simples que devemos ver funcionando em poucos anos.
A internet vem alterando significativamente a forma como produzimos e consumimos cultura. Do iPod ao Netflix, passando pelo Kindle e pelo ProTools, qualquer um hoje, em teoria, pode criar o próximo best seller sem sair de casa, além de ter acesso quase imediato a tudo que a humanidade já produziu. Como você analisa este momento?
Acho que isso pode significar uma desglamourização do processo artístico, da produção cultural. Hoje qualquer um pode gravar um disco ou escrever um livro a partir de casa, e muitos já conseguem editar filmes inteiros com pouco auxílio de terceiros. Mas estamos falando de filmes, livros, discos – conceitos forjados e popularizados no século 20. Fico muito mais curioso para saber quais são os itens culturais do século 21. Games, sites e experiências interativas são apenas o rascunho do que veremos no futuro. E, com isso, “ser artista” vai ser corriqueiro e deixa de ser mítico, inalcançável. Claro que ainda vão existir grandes artistas – no que diz respeito a tamanho e qualidade – mas eles vão ser cada vez mais raros e provavelmente se lançarão por conta própria.
A internet, também, por meio de suas redes sociais, está dando voz política a cada vez mais pessoas. É chegada a era de uma democracia 2.0?
A minha dúvida maior é sobre o congresso. Como o jornal de papel que chega toda manhã na sua casa com as notícias de ontem, as assembleias legislativas tiveram uma importância fundamental para a história da humanidade. Afinal, era muito difícil saber o que toda uma cidade, um estado ou um país pensavam e queriam, daí escolher representantes pelo voto. Mas é um formato que parece fadado a morrer, mesmo porque já viciou-se em uma série falhas que pouco dizem respeito à sua função original. Mas vamos ter um plenário formado pelas próprias pessoas? Acho inviável um plebiscito para qualquer assunto. Acho que a principal mudança politica diz mais respeito à política do dia a dia, de aos poucos as pessoas perceberem que a calçada quebrada, o buraco na rua, a avenida que engarrafa e o bairro que inunda são problemas de todos e não apenas ficar esperando soluções de cima. Acho que há uma tendência à municipalização das discussões políticas e à retomada da comunidade como unidade de gerência. O escritor de ficção científica Neal Stephenson cogitou em seu livro Nevasca pequenos condomínios autônomos que conversam entre si. Não acho um futuro impossível, embora vai demorar um tempo para chegar.
Atualmente, educação é um setor que tem sido explorado exaustivamente por empresas de tecnologia: cursos via web, universidades e escolas virtuais etc. Ao seu ver, é uma nova fronteira que se abre e de fato transforma o ensino e o aprendizado ou é apenas mais uma tendência do mercado tech como foram tantas outras?
As duas coisas. A escola também foi afetada pela chegada do digital. E era um modelo idêntico ao criado na era industrial. Analisando friamente, a escola nunca foi um local de aprendizado, e sim onde os pais podem deixar os filhos quando vão ao trabalho. Ao mesmo tempo em que os filhos eram doutrinados para entender o trabalho no futuro. A escola imita a fábrica, a sirene do recreio é a mesma do intervalo, há filas, chamada, horários, etc. Mas se o próprio trabalho está mudando, é inevitável que a escola também mude. A duvida, neste caso, é saber onde vamos deixar nossos filhos quando estivermos fazendo outras coisas. E o que eles deverão aprender quando estiverem neste lugar. É melhor aprender a cozinhar ou trigonometria? É melhor aprender a gerir um negócio ou leis da física? Precisamos de uma sala de aula? O professor já não é mais a autoridade do saber que era, um adolescente com um smartphone pode descobrir uma série de enganos perpetrados por um professor de história mal intencionado, algo impossível há vinte anos.
Tendo em mente a tecnologia existe para melhorar a existência humana, para você, qual foi o maior avanço tecnológico dos últimos 10 anos?
Se fossem dos últimos 20, sem dúvida a world wide web, que tornou a popularização da internet possível. Dos últimos 10, talvez seja a mutação do telefone portátil em computador de bolso. Mas é uma revolução passageira, daqui a dez anos não carregaremos nenhum aparelho no bolso. E acho que o computador de pulso vai ser mais popular que o óculos-computador. Mas vai saber se alguém não inventa o teletransporte ou algo que torne dormir algo obsoleto…
Na minha coluna dessa semana no Brainstorm9 eu segui insistindo no porquê me incomodou tanto a breguice do clipe da BBC, pois esbarrei com uma palestra que o Iggy Pop deu em nome da emissora que tem muito mais a ver com o legado deles do que aquele excesso de fofura do comercial. A transcrição da palestra segue em inglês lá embaixo – se alguém se dispor a traduzi-la eu a publico aqui.
Na minha coluna passada muita gente bateu de frente comigo porque eu desanquei o clipe com a versão de “God Only Knows” dos Beach Boys que a BBC fez para lançar seu novo portal de música, BBC Music. Uns me acusaram de saudosista por comparar com outro clipe, um pouco menos brega, que a emissora estatal britânica fez há 17 anos. Outros simplesmente discordaram porque gostaram do clipe e acharam que eu não podia achar o clipe brega. Uns poucos partiram pro ataque pessoal, essa arrogância agressiva é o que move as ondas das redes sociais.
Vou explicar: o clipe não é ruim. Ele é todo bem produzido, direção de arte caprichada, boa escolha de música e um bom elenco de intérpretes. Mas imagine se a Apple fosse a empresa que lançasse esse comercial? Todo esse panteão rococó destoaria drasticamente da imagem cool e minimalista que é a alma da imagem da empresa de Steve Jobs. Consegue imaginar o Spotify ou o próprio YouTube se vendendo dessa forma, com essa estética? É uma estética que tem mais a ver com a imagem que as grandes gravadoras gostam de passar, essa sensação de que todos os artistas estão juntos cantando uma mesma canção, com efeitos especiais sofisticados e que demonstrem uma certa sensibilidade.
O problema do clipe, na minha opinião, é seu excesso visual. É um apuro visual caro à Hollywood, à direção de arte exagerada dos filmes de Tim Burton, dos filmes que George Lucas fez de Guerra nas Estrelas na virada do milênio, da Asgard dos estúdios Marvel. Reunir vários artistas para cantar um clássico dos Beach Boys não é nada risível quanto ver um tigre saltando sobre o piano de cauda tocado por Brian Wilson, que se apresenta num palco de frente à orquestra que toca entre abajures que piscam. Sério que você não achou brega aqueles diamantes voando ao redor de Stevie Wonder?
Não é essa a imagem que a BBC nos passa. A British Broadcasting Corporation, fundada em 1922, é um ícone britânico tão importante quanto a família real, o ônibus de dois andares, os policiais, a cabine telefônica, o Big Ben, os Beatles e Harry Potter. A estatal é um poço de conhecimento, uma biblioteca multimídia do século 20, que produz jornalismo e entretenimento com uma qualidade tão célebre quanto seu nome. Pouquíssimas empresas têm um nível de exigência tão alto quanto a BBC – e não estou falando apenas de empresas de comunicação.
Essa excelência se traduz esteticamente. Toda uma fleuma, polidez e austeridade típicas do que se reconhece como essências da cultura britânica também são qualidades da emissora, que reforça essa imagem que o Reino Unido quer passar para o resto do mundo. Na BBC isso se traduz com uma paleta de cores contida, um minimalismo nas fontes, a sobriedade e a clareza nas expressões, tudo mínimo e comedido mesmo em seus espasmos de loucura (que não são poucos).
É vasto o legado cultural da emissora, que reúne as célebres BBC Sessions com os maiores nomes da história do pop mundial, os documentários de Adam Curtis e David Attenborough, comédias impagáveis como “Absolutely Fabulous”, “The Young Ones”, “Little Britain”, “Fawlty Towers”, “Coupling”, “Monty Python”, “Spaced”, “The Office” e “The IT Crowd”, programas musicais como o “Old Grey Whistle Test”, “Top of the Pops” e “Later with Jools Holland”, séries clássicas como “Life on Mars”, “The Hour”, “Black Mirror”, “Torchwood”, “Doctor Who”, “Skins” e “Sherlock”. Você não precisa ter visto todos esses programas para saber de sua relevância – e também para ter uma idéia do alto padrão estabelecido pela emissora britânica.
Em se tratando apenas de música, basta falar da importância de um único homem – John Peel. Morto há dez anos, Peel é praticamente um totem à importância da BBC como visionária musical. Por trinta anos DJ da emissora, ele ergueu as bandeiras da psicodelia, do rock progressivo, do rock de garagem, do punk rock, do reggae, do hardcore, da new wave, do pós-punk, da música eletrônica e do indie antes que todo mundo começasse a prestar atenção nos artistas destes gêneros, usando sua prestigiada posição de radialista de uma das principais emissoras de rádio do mundo não para impor regras ou determinar padrões musicais – ele era um farol que buscava o que a contemporaneidade parecia não ver, apontando saudáveis rupturas ao status quo musical.
Suas Peel Sessions reuniram os momentos clássicos de artistas vivendo seus respectivos auges – do Superchunk ao Supertramp, David Bowie e Pixies, Pink Floyd com Syd Barrett e Joy Division, Jimi Hendrix e Nirvana, Peel gravou com todo mundo. Foram 4 mil sessões com mais de dois mil artistas diferentes.
Sua importância é lembrada anualmente pela própria emissora desde 2011, quando a BBC resolveu estender sua participação no evento Radio Festival ao inaugurar a BBC Music John Peel Lecture, uma masterclass em que um nome importante da música lembre de aspectos relacionados à liberdade criativa que Peel tinha na emissora.
O evento acontece todo ano na University of Salford, em Manchester, na Inglaterra, e celebra a cultura do rádio e das transmissões de áudio. A primeira John Peel Lecture, em 2011, foi ministrada pelo fundador do The Who, o guitarrista e vocalista Pete Townshend. A deste ano foi dada por ninguém menos que Iggy Pop, no último dia 13 deste mês.
Foi a primeira palestra que Iggy Pop deu na vida – e o mero convite à palestra é outra amostra do grau de risco que a BBC gosta de correr. Iggy Pop é uma lenda do rock por ter inventado o punk rock bem antes deste ter esse nome, quando numa cidadezinha no subúrbio de Detroit, juntou com uns malucos no final dos anos 60 para tentar imitar o Doors e pariu dois dos discos mais barulhentos da história do rock, The Stooges (nome que também batizava sua banda) e Funhouse.
Desde então seu nome esteve envolvido em bastidores clássicos do rock e situações de perigo extremo sempre envolvendo álcool, sexo, drogas, violência e barulho. Iggy Pop quebrava garrafas no palco e rolava no chão enquanto cantava, saía na porrada com fãs durante os shows, passou algumas décadas – os anos 60, 70 e 80 – sem estar sóbrio. Hoje, quase 50 anos depois daquele tempo, Iggy especializou-se em ser uma lenda viva do rock, fazendo coisas que nunca fez na vida a partir desse novo título. Não por acaso vem apresentando um programa semanal na própria BBC (BBC 6, todo domingo à tarde) e aceitou dar a palestra da semana passada.
Por uma hora Iggy Pop falou sobre o tema escolhido – “Música livre (ou gratuita) em uma sociedade capitalista”, numa palestra que pode ser resumida na importância de se fazer o que se gosta por gostar, nunca por dinheiro. “Se eu quiser fazer música, a esta altura da vida, prefiro fazer o que quero e de graça, que eu faço, ou pelo menos a um preço barato, que eu possa pagar. E banque isso através de outros meios, como um orçamento pra um filme ou um site de moda – já fiz os dois. Isso parece funcionar melhor para mim do que os discos corporativos de empresas de rock’n’roll que eu tenho feito. Desculpa. Se eu quisesse dinheiro, que tal vender seguros de carro?”
Na palestra Iggy falou sobre pequenas gravadoras (citando-as nominalmente como onde encontrar música boa hoje em dia – “XL, Matador, Burger, Anti, Epitaph, Mute, Rough Trade, 4AD, Sub Pop”), sobre Jack Holzman da Elektra e Richard Branson da Virgin, sobre a Vice e o Guardian, critica o U2 e a Apple a aplaude Thom Yorke e o BitTorrent, além de falar sobre o porquê de ouvirmos tanta música ruim no rádio. A palestra dada no Quays Theatre da University of Salford pode ser ouvida em streaming por quatro semanas neste link, baixada neste outro link e a transcrição se encontra neste link e abaixo (se alguém quiser se aventurar à tradução, basta postá-la nos comentários).
Resumo da ópera: a BBC é uma emissora que coloca o maior delinquente da história do rock para dar uma palestra sobre música de graça no sistema capitalista dentro de uma aula magna em homenagem a um ex-funcionário especialista em descobrir músicas que as pessoas iriam ouvir no futuro. E o que se ouve é uma hora de pensamento articulado, claro, bem humorado, mesmo quando quer chocar. Nada a ver com Elton John vestindo um paletó cheio de borboletas vivas.
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“Hi, I’m Iggy Pop. I’ve held a steady job at BBC 6 Music now for almost a year, which is a long time in my game. I always hated radio and the jerks who pushed that shit music into my tender mind, with rare exceptions. When I was a boy, I used to sit for hours suffering through the entire US radio top 40 waiting for that one song by The Beatles and the other one by The Kinks. Had there been anything like John Peel available in my Midwestern town I would have been thrilled. So it’s an honor to be here. I understand that. I appreciate it
Some months ago when the idea of this talk came up I thought it might be okay to talk about free music in a Capitalist society. So that’s what I’m gonna try to talk about. A society in which the Capitalist system dominates all the others, and seeks their destruction when they get in its way. Since then, the shit has really hit the fan on the subject, thanks to U2 and Apple. I worked half of my life for free. I didn’t really think about that one way or the other, until the masters of the record industry kept complaining that I wasn’t making them any money. To tell you the truth, when it comes to art, money is an unimportant detail. It just happens to be a huge one unimportant detail. But, a good LP is a being, it’s not a product. It has a life-force, a personality, and a history, just like you and me. It can be your friend. Try explaining that to a weasel.
As I learned when I hit 30 +, and realized I was penniless, and almost unable to get my music released, music had become an industrial art and it was the people who excelled at the industry who got to make the art. I had to sell most of my future rights to keep making records to keep going. And now, thanks to digital advances, we have a very large industry, which is laughably maybe almost entirely pirate so nobody can collect shit. Well, it was to be expected. Everybody made a lot of money reselling all of recorded musical history in CD form back in the 90s, but now the cat is out of the bag and the new electronic devices which estrange people from their morals also make it easier to steal music than to pay for it. So there’s gonna be a correction.
When I started The Stooges we were organized as a group of Utopian communists. All the money was held communally and we lived together while we shared the pursuit of a radical ideal. We shared all song writing, publishing and royalty credits equally – didn’t matter who wrote it – because we’d seen it on the back of a Doors album and thought it was cool, at least I did. Yeah. I thought songwriting was about the glory, I didn’t know you’d get paid for it. We practiced a total immersion to try to forge a new approach which would be something of our own. Something of lasting value. Something that was going to be revealed and created and was not yet known.
We are now in the age of the schemer and the plan is always big, big, big, but it’s the nature of the technology created in the service of the various schemes that the pond, while wide, is very shallow. Nobody cares about anything too deeply expect money. Running out of it, getting it. I never sincerely wanted to be rich. There is a, in the US, we have this guy “Do you sincerely wanna be rich? You can do it!” I didn’t sincerely want to be rich. I never sincerely felt like making anyone else that way. That made me a kind of a wild card in the 60’s and 70’s. I got into the game because it felt good to play and it felt like being free. I’m still hearing today about how my early works with The Stooges were flops. But they’re still in print and they sell 45 years later, they sell. Okay, it took 20 or 25 years for the first royalties to roll in. So sue me.
Some of us who couldn’t get anywhere for years kept beating our heads against the same wall to no avail. No one did that better than my friends The Ramones. They kept putting out album after album, frustrated that they weren’t getting the hit. They even tried Phil Spector and his handgun. After the first couple of records, which made a big impact, they couldn’t sustain the quality, but I noticed that every album had at least one great song and I thought, wow if these guys would just stop and give it a rest, society would for sure catch up to them. And that’s what’s happening now, but they’re not around to enjoy it. I used to run into Johnny at a little rehearsal joint in New York and he’d be in a big room all alone with a Marshall stack just going “dum, dum, dum, dum, dum” all my himself. I asked him why and he said if he didn’t practice doing that exactly the way he did it live he’d lose it. He was devoted and obsessive, so were Joey and Deedee. I like that. Johnny asked me one day – Iggy don’t you hate Offspring and the way they’re so popular with that crap they play. That should be us, they stole it from us. I told him look, some guys are born and raised to be the captain of the football team and some guys are just gonna be James Dean in Rebel Without a Cause and that’s the way it is. Not everybody is meant to be big. Not everybody big is any good.
I only ever wanted the money because it was symbolic of love and the best thing I ever did was to make a lifetime commitment to continue playing music no matter what, which is what I resolved to do at the age of 18. If who you are is who you are that is really hard to steal, and it can lead you in all sorts of useful directions when the road ahead of you is blocked and it will get blocked. Now I’m older and I need all the dough I can get. So I too am concerned about losing those lovely royalties, now that they’ve finally arrived, in the maze of the Internet. But I’m also diversifying my income, because a stream will dry up. I’m not here to complain about that, I’m here to survive it.
When I was starting out as a full time musician I was walking down the street one bright afternoon in the seedier part of my Midwestern college town. I passed a dive bar and from it emerged a portly balding pallid middle aged musician in a white tux with a drink in one hand and a guitar in the other. He was blinking in the daylight. I had a strong intuition that this was a fate to be avoided. He seemed cut off from society and resigned to an oblivious obscurity. A bar fly. An accessory to booze. So how do you engage society as an artist and get them to pay you? Well, that’s a matter of art. And endurance.
To start with, I cannot stress enough the importance of study. I was lucky to work in a discount record store in Ann Arbor Michigan as a stock boy where I was exposed to a little bit of every form of music imaginable on record at the time. I listened to it all whether I liked it or not. Be curious. And I played in my high school orchestra and I learned the joy of the warm organic instruments working together in the service of a classical piece. That sticks with you forever. If anyone out there can get a chance to put an instrument and some knowledge in some kids hand, you’ve done a great, great thing.
Comparative information is a key to freedom. I found other people who were smarter than me. To teach me. My first pro band was a blues band called The Prime Movers and the leader Michael Erlewine was a very bright hippy beatnik with a beautifully organized record collection in library form of The Blues. I’d never really heard the Blues. That part of our American heritage was kept off the major media. It was system up, people down. No Big Bill Broonzy on BBC for us. Boy I wish! No money in it. But everything I learned from Michael’s beautiful library became the building blocks for anything good I’ve done since. Guys like this are priceless. If you find one, follow him, or her. Get the knowledge.
Once in secondary school in the 60’s some class clowns dressed up the tallest guy in school in a trench coat, shades and a fedora and rushed him in to a school dance with great hubbub proclaiming “Del Shannon is here, Del Shannon is here.” And until they got to the stage we all believed them, because nobody knew what Del Shannon looked like. He was just a voice on some great records. He had no social ID. By the early 60’s that had really changed with the invasion of The Beatles and The Stones. This time TV was added to the mix and print media too. So you knew who they were, or so you thought anyway. I’m mentioning this because the best way to survive the death or change of an industry is to transcend its form. You’re better off with an identity of your own or maybe a few of them. Something special.
It is my own personal view having lived through it that in America The Beatles replaced our assassinated president Kennedy, who represented our hopes for a certain kind of society. Didn’t get there. And The Stones replaced our assassinated folk music which our own leaders suppressed for cultural, racial, and financial reasons. It wasn’t okay with everybody to be Kennedy or Muddy Waters, but those messages could be accepted if they came through white entertainers from the parent culture. That’s why they’re still around.
Years later I had the impression that Apple, the corporation, had successfully co-opted the good feelings that the average American felt about the culture of the Beatles, by kind of stealing the name of their company so I bought a little stock. Good move. 1992. Woo! But look, everybody is subject to the rip off and has to change affiliations from time to time. Even Superman and Barbie were German before America tempted them to come over. Tough luck, Nietzche.
So who owns what anyway. Or as Bob Dylan said “The relationships of ownership.” That’s gates of Eden. Nobody knows for long, especially these days. Apparently when BBC radio was founded, the record companies in England wouldn’t allow the BBC to play their master recordings because they thought no one would buy them for their personal use if they could hear them free on the radio. So they were really confused about what they had. They didn’t get it. And how people feel about music. ‘Cause it’s a feel thing, and it resists logic. It’s not binary code. Later when CD’s came in, the retail merchants in American all panicked because they were just too damn tiny and they thought that Americans want something that looks big, like a vinyl record. Well they had a point but their solution was a kind of Frankenstein called “The Long Box.” It didn’t fool anybody because half of it was empty. It had a little CD in the bottom. You’d open it up and it was empty. Now we have people in the Sahara using GPS to bury huge wads of Euros under sand dunes for safe keeping. But GPS was created for military spying from the high ground, not radical banking so any sophisticated system, along with the bounty it brings, is subject to primitive hijacking.
I wanna talk about a type of entrepreneur who functions as a kind of popular music patron of the arts. It’s good to know a patron. I call him El Padron because his relationship to the artist is essentially feudal, though benign. He or she (La Padrona) if you will, is someone, usually the product of successful, enlightened parents, who owns a record company, but has had benefit of a very good education, and can see a bigger picture than a petty business person. If they like an artists’ style and it suits them, they’ll support you even if you’re not a big money spinner. I can tell you, some of these powerful guys get so bored that if you are fun in the office, you’ll go places. Their ancestors, the old time record crooks just made it their business to make great, great records, but also to rip off the artist 100%, copyright, publishing, royalty splits, agency fees, you name it. If anyone complained the line was “Pay you? We worship you!” God bless Bo Diddley.
By the time I came along there was a new brand of Padron. People like this are still around and some can help you. One was named Jack Holzman. Jack had a beautiful label called Elektra Records, they put out Judy Collins, Tim Buckley, the Doors and Love. He’d started working in his family record store, like Brian Epstein. He dressed mod and he treated us very gently. He was a civilized man. He obviously loved the arts, but what he really wanted to do was build his business – and he did. He had his own concerns, and style, and you had to serve them, and of course when he sold out, as all indies do, you were stranded culturally in the hands of a cold clumsy conglomerate. But he put us in the right studios with the right producers and he tried to get us seen in the right venues and it really helped. This is a good example of the industry.
Another good guy I met is Sir Richard Branson. I ended up serving my full term at Virgin Records having been removed from every other label. And he created a superior culture there. People were happier and nicer than the weasels at some other places. The first time he tried to sign me it didn’t work out, because I had my sights set on A&M, a company I thought would help make me respectable. After all they had Sting! Richard was secretly starting his own company at the time in the US and he phoned me in my tiny flat with no furniture. He said he’d give me a longer term deal with more dough than the other guys and he was very, very polite and soft spoken. But I had just smoked a joint that day and I couldn’t make a decision. So I went with the other guys who soon got sick of me. Virgin picked me up again later on the rebound. And on the cheap. Damn. My own fault.
Another kind of indie legend who is slightly more contemporary is Long Gone John of the label Sympathy for the Record Industry. Good name. John is famous with some artists for his disinterest in paying royalties. He has a very interesting music themed folk art collection – its visible online – which includes my leather jacket. I wish he’d give it back. There are lots of indie people with a gift for organization who just kind of collect freaks and throw them up at the wall to see who sticks. You gotta watch ‘em.
When you go a step down creatively from the Padrons who are actually entrepreneurs you get to the executives. You don’t wanna know these guys. They usually came over from legal or accounting. They have protégés usually called A&R men to do their dirty work. You can become a favorite with them if your fame or image might reflect limelight on their career. They tend to have no personalities to speak of, which is their strength. Strangely they’re never really thinking about the good of their parent company as much as old number one. Avoid them. If you’re an artist, they’ll make you sick or suicidal. The only good thing the conglomerate can do for you – and they’ve done it recently for me – is make you really, really ubiquitous. They do that well. But, when the company is your banker, then you are basically gonna be the Beverly Hill Billies. So it’s best not to take their money. Especially when you’re young. These are very tough people, and they can hurt you.
So who are the good guys?! They asked me when they read this thing at BBC 6 Music. Well there are lots of them. If fact, today there are more than ever and they are just about all indies, but first I want to mention Peter Gabriel and WOMAD for everything they’ve done for what seems like forever to help the greatest musicians in the world, the so called world musicians to gain a foothold and make a living in the modern screwed up cash and carry world. Traditional music was never a for profit enterprise, all the best forms were developed as a kind of you’re job in the community. It was pretty good, it was “Yeah, I’m a musician, I’m gonna skip like doing the dishes or taking the trash out.” It’s not surprising that all the greatest singers and players come from parts of the world where everybody is broke and the old ways are getting paved over. So it’s crucial for everyone that these treasures not be lost. There are other people of means and intelligence who help others in this way like Philip Glass through Tibet House, David Burn with Luaka Bop, Damon Albarn through Honest John Records. Shout out to Hypnotic Brass Ensemble. Almost all the best music is coming out on indies today like XL Mattador, Burger, Anti, Apitaph, Mute, Rough Trade, 4 A D, Sub Pop, etc. etc.
But now YouTube is trying to put the squeeze on these people because it’s just easier for a power nerd to negotiate with a couple big labels who own the kind of music that people listen to when they’re really not that into music, which of course is most people. So they’ve got the numbers. But the indies kind of have the guns. I’ve noticed that indies are showing strength at some of the established streaming services like Spotify and Rhapsody – people are choosing that music. And it’s also great that some people are starting their own outlets, like Pledge Music, Band Camp or Drip. As the commercial trade swings more into general show biz the indies will be the only place to go for new talent, outside the Mickey Mouse Club, so I think they were right to band together and sign the Fair Digital Deals Declaration.
There are just so many ways to screw an artist that it’s unbelievable. In the old vinyl days they would deduct 10% “breakage fees” for records supposedly broken in shipping, whether that happened or not, and now they have unattributed digital revenue, whatever the **** that means. It means money for some guy’s triple bypass. I actually think that what Thom Yorke has done with Bit Torrent is very good. I was gonna say here: “Sure the guy is a pirate at Bit Torrent” but I was warned legally, so I’ll say: “Sure the guy a Bit Torrent is a pirate’s friend” But all pirates want to go legit, just like I wanted to be respectable. It’s normal. After a while people feel like you’re a crook, it’s too hard to do business. So it’s good in this case that Thom Yorke is encouraging a positive change. The music is good. It’s being offered at a low price direct to people who care.
I want to try to define what I am talking about when I say free. For me in the arts or in the media, there are two kinds of free. One kind of free is when the process is something that people just feel for you. You feel a sense of possibility. You feel a lack of constraint. This leads to powerful, energetic, sometimes kind of loony situations.
Vice Media is an interesting case of this because they started as a free handout, using public funds, and they had open, free-wheeling minds. Originally a free handout was called Voice and these kids were like “Just get rid of the old! I don’t wanna be Vice, yeah!” Okay. By taking an immersive approach with no particular preconceptions to their reporting, they’ve become a huge success, also through corporate advertising, at attracting big, big money investment hundreds of millions of dollars now pumped into Fox Media and a couple of others bigger than that in the US. And they get it because they attract lots of little boy eyeballs. So they brought us Dennis Rodman in North Korea. And it’s kind of a travesty, but it’s kind of spunky. It’s interesting that capital investment, for all its posturing, never really leads, it always follows. They follow the action. So if it’s money you’re after, be the yourself in a consistent way and you might get it. You’ll at least end up getting what you are worth and feel better. Just follow your nose.
The second kind of freedom to me that is important in the media is the idea of giving freely. When you feel or sense that someone that someone is giving you something not out of profit, but out of self-respect, Christian charity, whatever it is. That has a very powerful energy. The Guardian, in my understanding, was founded by an endowment by a successful man with a social conscience who wanted to help create a voice for what I would call the little guy. So they have a kind of moral mission or imperative. This has given them the latitude to try to be interesting, thoughtful, helpful. And they bring Edward Snowden to the world stage. Something that is not pleasant for a lot of people to hear about, but we need to know.
These two approaches couldn’t be more different. To justify their new mega bucks Vice will have to expand and expand in capital terms. Presumably they’ll have to titillate a dumb, but energetic audience. Of course all capitalist expansions are subject to the big bang – balloon, bust, poof, and you’re gone. As for the Guardian I would imagine that the task involves gaining the trust and support of a more discerning, less definable reader, without spending the principal. There is usually an antipathy between cultural poles, but these two actually have a lot in common in terms of the energy and nuisance to power that they are willing to generate. I wish red and blue could come together somehow.
Sometimes I’d rather read than listen to music. One of my favourite odd books is Bootleg: The Secret History of the Other Recording Industry by Clinton Heylin. I bought the book in the 90’s because a couple of my bootlegs were mentioned. I loved my bootlegs. They did a lot for me. I never really thought about the dough much. I liked the titles, like Suck on This, Stow Away DOA or Metalic KO. The packaging was always way more creative and edgy than most of my official stuff. So I just liked being seen and heard, like anybody else. These bootleggers were creative. Here are two quotes from the dust jacket by veteran industry stalwarts on the subject of bootlegs in 1994.
“Bootleg is the thoroughly researched and highly entertaining tale of those colorful brigands, hapless amateurs, and true believers who have done wonders for my record collection. Rock and roll doesn’t get more underground than this.” – that was David Fricke, the music editor of Rolling Stone.
“I think that bootlegs keep the flame of the music alive by keeping it out of not only the industry’s conception of the artist, but also the artist’s conception of the artist.” – that was Lenny Kaye from the Patti Smith group, musician, critic and my friend. Wow!! Sounds heroic and vital!
I wonder what these guys feel about all of this now, because things have changed, haven’t they? We are now talking about Megaupload, Kim Dot Com, big money, political power, and varying definitions of theft that are legally way over my head. But I know a con man when I see one. I want to include a rant from an early bootlegger in this discussion because it’s so passionate and I just think it’s funny.
This is Lou Cohan “If anybody thinks that if I have purchased every single Rolling Stones album in existence, and I have bought all the Rolling Stones albums that have been released in England, France, Japan, Italy, and Brazil that if I have an extra $100 in my pocket instead of buying a Rolling Stones bootleg I am going to buy a John Denver album or a Sinead O’Conner album, they are retarded.”
So the guy is trying to say don’t try to force me. And don’t steal my choice. And the people who don’t want the free U2 download are trying to say, don’t try to force me. And they’ve got a point. Part of the process when you buy something from an artist. It’s a kind of anointing, you are giving people love. It’s your choice to give or withhold. You are giving a lot of yourself, besides the money. But in this particular case, without the convention, maybe some people felt like they were robbed of that chance and they have a point. It’s not the only point. These are not bad guys. But now, everybody’s a bootlegger, but not as cute, and there are people out there just stealing the stuff and saying don’t try to force me to pay. And that act of thieving will become a habit and that’s bad for everything. So we are exchanging the corporate rip off for the public one. Aided by power nerds. Kind of computer Putins. They just wanna get rich and powerful. And now the biggest bands are charging insane ticket prices or giving away music before it can flop, in an effort to stay huge. And there’s something in this huge thing that kind of sucks.
Which brings us to Punk. The most punk thing I ever saw in my life was Malcolm McLaren’s cardboard box full of dirty old winkle pinkers. It was the first thing I saw walking in the door of Let It Rock in 1972 which was his shop at Worlds End on the Kings Road. It was a huge ugly cardboard bin full of mismatched unpolished dried out winkle pickers without laces at some crazy price like maybe five pounds each. Another 200 yards up the street was Granny Takes a Trip, where they sold proper Rockstar clothes like scarves, velvet jackets, and snake skin platform boy boots. Malcolm’s obviously worthless box of shit was like a fire bomb against the status quo because it was saying that these violent shoes have the right idea and they are worth more than your fashion, which serves a false value. This is right out of the French enlightenment.
So is the thieving that big a deal? Ethically, yes, and it destroys people because it’s a bad road you take. But I don’t think that’s the biggest problem for the music biz. I think people are just a little bit bored, and more than a little bit broke. No money. Especially simple working people who have been totally left out, screwed and abandoned. If I had to depend on what I actually get from sales I’d be tending bars between sets. I mean honestly it’s become a patronage system. There’s a lot of corps involved and I don’t fault any of them but it’s not as much fun as playing at the Music Machine in Camden Town in 1977. There is a general atmosphere of resentment, pressure, kind of strange perpetual war, dripping on all the time. And I think that prosecuting some college kid because she shared a file is a lot like sending somebody to Australia 200 years ago for poaching his lordship’s rabbit. That’s how it must seem to poor people who just want to watch a crappy movie for free after they’ve been working themselves to death all day at Tesco or whatever, you know.
If I wanna make music, at this point in my life I’d rather do what I want, and do it for free, which I do, or cheap, if I can afford to. I can. And fund through alternative means, like a film budget, or a fashion website, both of which I’ve done. Those seem to be turning out better for me than the official rock n roll company albums I struggle through. Sorry. If I wanna make money, well how about selling car insurance? At least I’m honest. It’s an ad and that’s all it is. Every free media platform I’ve ever known has been a front for advertising or propaganda or both. And it always colors the content. In other words, you hear crap on the commercial radio. The licensing of music by films, corps, and TV has become a flood, because these people know they’re not a hell of a lot of fun so they throw in some music that is. I’m all for that, because that’s the way the door opened for me. I got heard on tv before radio would take a chance. But then I was ok. Good. And others too. I notice there are a lot of people, younger and younger, getting their exposure that way. But it’s a personal choice. I think it’s an aesthetic one, not an ethical one.
Now with the Internet people can choose to hear stuff and investigate it in their own way. If they want to see me jump around the Manchester Apollo with a horse tail instead of trying to be a proper Rockstar, they can look. Good. Personally I don’t worry too much about how much I get paid for any given thing, because I never expected much in the first place and the whole industry has become bloated in its expectations. Look, Howling Wolf would work for a sandwich. This whole thing started in Honky Tonk bars. It’s more important to do something important or just make people feel something and then just trust in God. If you’re an entertainer your God is the public. They’ll take care of you somehow. I want them to hear my music any old which way. Period. There is an unseen hand that turns the pages of existence in ways no one can predict. But while you’re waiting for God to show up and try to find a good entertainment lawyer.
It’s good to remember that this is a dream job, whether you’re performing or working in broadcasting, or writing or the biz. So dream. Dream. Be generous, don’t be stingy. Please. I can’t help but note that it always seems to be the pursuit of the money that coincides with the great art, but not its arrival. It’s just kind of a death agent. It kills everything that fails to reflect its own image, so your home turns into money, your friends turn into money, and your music turns into money. No fun, binary code – zero one, zero one – no risk, no nothing. What you gotta do you gotta do, life’s a hurly-burly, so I would say try hard to diversify your skills and interests. Stay away from drugs and talent judges. Get organized. Big or little, that helps a lot.
I’d like you to do better than I did. Keep your dreams out of the stinky business, or you’ll go crazy, and the money won’t help you. Be careful to maintain a spiritual EXIT. Don’t live by this game because it’s not worth dying for. Hang onto your hopes. You know what they are. They’re private. Because that’s who you really are and if you can hang around long enough you should get paid. I hope it makes you happy. It’s the ending that counts, and the best things in life really are free.”
Escrevi a capa da revista Sãopaulo, da Folha, neste domingo – uma matéria sobre grupos de moradores de São Paulo que utilizam a internet para fazer política com as próprias mãos.
Cidadania digital
Mobilizações conectadas à internet redesenham a política da cidade
Depois de facilitar a vida do paulistano –que pode chamar um táxi, escapar do trânsito ou encontrar rapidinho um restaurante próximo–, a migração da internet para o celular passou a colaborar com a transformação do espaço público da cidade. Com acesso de qualquer lugar, as pessoas estão se mobilizando mais rapidamente e colaborando com mais frequência.
“Estamos nas ruas e vendo a internet, e não vendo as ruas pela internet. Somos o oposto dos ativistas de sofá”, afirma a arquiteta e produtora Laura Sobral, 29.
Com a ajuda da rede para divulgar atividades e criar um fórum de discussão, Laura fundou, em janeiro deste ano, um movimento para ocupar o árido largo da Batata, em Pinheiros, região oeste. Todas as sextas-feiras à noite, membros e simpatizantes do grupo A Batata Precisa de Você, que já beira 4.000 integrantes no Facebook, se reúnem no largo para conversar, ouvir música ao vivo e discutir por quais melhorias a área pode passar.
O movimento Minha Sampa também quer uma cidade mais aprazível. Criado em fevereiro deste ano, o grupo desenvolve ferramentas on-line para incentivar mobilizações e pressionar autoridades diretamente. Um desses instrumentos é o site de reivindicações Panela de Pressão (paneladepressao.nossascidades.org), que reúne propostas de usuários para transformar a cidade, entre elas uma que sugere que a avenida Paulista seja fechada aos domingos, como acontece com o Minhocão. Se concordar com a ideia, o usuário pode enviar na hora um e-mail à CET e ao prefeito Fernando Haddad para engrossar o coro.
Ao navegar no “Panela”, dá para ver as iniciativas consideradas vitoriosas pela plataforma, como o impedimento do vagão exclusivo para mulheres nos trens (vetado pelo governador Alckmin) e a proteção dos teatros pequenos ameaçados pela especulação imobiliária (em andamento na prefeitura).
“Damos suporte às mobilizações iniciadas por cidadãos, da concepção ao acompanhamento de resultados”, afirma Anna Livia Arida, 30, diretora do Minha Sampa. O projeto é irmão mais novo do Meu Rio, movimento criado há dois anos que reúne 130 mil cariocas, a maioria jovens.
Na mesma onda, o Hey! Sampa promove debates, passeios e atividades culturais para “valorizar o patrimônio da cidade e difundir a história dos bairros para seus moradores”. “As ferramentas digitais facilitam tanto para chamar a atenção da comunidade como para cobrar o poder público”, conta Paula Dias, 29, cofundadora da plataforma.
Outra iniciativa é o Wikipraça, movimento que pretende conclamar on-line pessoas para utilizar espaços públicos. O primeiro alvo é o largo do Arouche, na região central, onde um grupo encarou o calorão do sábado retrasado (11/10) para construir bancos de madeira. “Mais do que para se comunicar, a internet é um espaço para se organizar”, conta Bernardo Gutierrez, do Wikipraça.
Veterano se comparado a alguns exemplos citados nesta reportagem, o site SP Honesta virou hit ao mapear restaurantes bons e baratos. A página, criada no auge da discussão sobre os preços abusivos na cidade, no ano passado, é produzida com informações de usuários e deve virar aplicativo para celular.
Na rua, na praça ou no restaurante, o discurso é de união por uma cidade “colaborativa”. “A internet torna mais fácil a reunião de pessoas com interesses em comum. Sozinho é muito difícil fazer política. Mas, quando você tem pessoas ao seu redor, concretizar essas iniciativas fica muito mais fácil e divertido”, afirma Tatiana de Mello Dias, 28, uma das criadoras do SP Honesta.
Para a economista Ana Carla Fonseca, as relações entre público, privado e sociedade civil estão cada vez mais porosas. “É um movimento natural de pessoas, empresas e instituições que unem dois traços: trabalham na fronteira da vanguarda, ou seja, não esperam, e entendem que é preciso ser protagonista ou coprotagonista da mudança que defendem, em vez de passar a lista para os outros”, diz ela, que dirige a Garimpo de Ideias, empresa que gere conteúdos, projetos e iniciativas ligados à economia criativa.
Telefone sem fio
Três em cada quatro celulares vendidos no Brasil são smartphones. Dos quase 18 milhões de aparelhos que deixaram as lojas entre abril e junho de 2014, 4,6 milhões eram celulares simples e 13,3 milhões tinham acesso à internet. Não há dados da cidade de São Paulo. “Embora o brasileiro ainda fale mais ao celular do que utilize a internet no aparelho, esse hábito vem mudando”, diz João Paulo Bruder, gerente de telecom da consultoria IDC Brasil.
Mas cadê a internet sem fio e de graça? Embora ainda tímido se comparado a outras capitais do mundo, o projeto Praças Wi-Fi, da Prefeitura de São Paulo, quer estimular a ocupação de 120 praças públicas da cidade a partir da utilização da internet gratuita (veja lista em wifilivre.sp.gov.br). Atualmente, 65 estão em operação.
Outro projeto, da MobiLab (Laboratório de Mobilidade da SPTrans), fundado em parceria com a USP, quer transformar os 15 mil ônibus da frota da cidade em pontos de acesso à rede sem fio. Por enquanto, apenas 20 deles estão em circulação.
Em setembro de 2013, São Paulo se tornou a primeira cidade na América Latina a abrir integralmente e em tempo real os dados do GPS dos ônibus para desenvolvedores.
“Já são mais de 60 aplicativos utilizando essa informação para melhorar o uso do transporte público”, afirma Ciro Biderman, chefe de gabinete da SPTrans.
Biderman diz que pretende implantar o wi-fi também nos 17 mil pontos de ônibus da capital paulista, mas o projeto ainda não saiu do papel. “Seria ainda mais impactante. Além de serviço mais estável do que nos coletivos em movimento, funcionaria durante 24 horas.”
Minha incansável busca pelo Bloody Mary perfeito via Instagram começou de brincadeira e foi parar na matéria de capa do caderno Comida da Folha de São Paulo de hoje. Segue o texto:
Na busca do drinque perfeito, o que importa é a própria busca
Desceu tão bem que eu tive que registrar. Era véspera do Natal de 2012 em Nova York eu fui com minha mulher comer no bistrô Artisanal, na Park Avenue.
Vinha de um ano embalado em bloody marys feitos em casa, na minha primeira e quase irônica tentativa de voltar a cozinhar —fazendo um drinque.
Mas quando tomei o bloody mary daquele lugar, puxei o celular discretamente para lembrar-me da cara dele. Ao chegar de volta ao hotel, marquei a foto com uma hashtag de brincadeira, que deu origem a uma caça: #embuscadobloodymaryperfeito.
Sabia da contradição. Afinal, ao contrário da maioria dos drinques, o bloody mary não tem receita específica —e até sua origem histórica é uma das mais imprecisas entre as bebidas modernas.
Ele vai ao gosto do barman, que por vezes prefere mais encorpado, outras mais suave, umas vezes mais discreto e outras mais marcante. Não há bloody mary perfeito e sim aquele que cai do jeito certo na hora certa (como os do Sub Astor, do Epice, do Bravin, do Jacarandá, do Mimo, do Ecully, do Ici ou do Spot).
Já desdenhei da mistura como troçava meu mestre da cozinha, o saudoso Fred Leal, que sempre ria ao ver o drinque e pedia para “jogar logo uma carne moída pra agilizar esse bolonhesa!”. Mas o bloody mary bateu naquela hora mágica —a da ressaca.
A mistura embrenha-se nas entranhas e na cabeça com a mesma intensidade, acalentando enquanto arde, despertando e desopilando —e, de repente, o estalo que faz tudo aquilo fazer sentido.
Sigo em busca do cálice inalcançável. Atrás do equilíbrio exato dos sabores do tomate, do álcool e do limão, da espessura densa do suco de tomate feito em casa, do ponto perfeito entre a ardência da pimenta e o salgado do molho inglês, sal de aipo na borda do copo, sem muita frescura na decoração (basta só uma rodela de limão…) e, de preferência, um canudo preto. Sem bacon, sem guarda-solzinho, sem aquela triste cenoura ornamental.
O que importa é a busca, afinal.
Alexandre Matias, 39, é jornalista e busca o bloody mary perfeito em sua conta no Instagram @trabalhosujo
Na minha segunda coluna na Caros Amigos eu falei do projeto Goma Laca, cuja edição de 2014 teve Letieres Leite comandando disco e show com Lucas Santtana, Karina Buhr, Juçara Marçal e outros recuperando pérolas esquecidas da música brasileira registradas em discos de 78 rotações. Fiz uns vídeos desse show:
MP3 em 78 rotações
Projeto Goma Laca resgata canções da primeira metade do século passado nas vozes de novos nomes da música brasileira
Quem chegasse no Centro Cultural São Paulo (CCSP), próximo à Estação Vergueiro do metrô paulistano, no início da noite do dia 23 de agosto poderia achar que a nova música brasileira estivesse celebrando João Donato. Numa banda comandada pelo maestro Letieres Leite, o mago baiano dono da Orkestra Rumpilezz, Lucas Santtana, Duani e Karina Buhr repetiam os versos de “Cala a Boca, Menino” que Donato eternizou em seu clássico Quem é Quem, de 1973.
Mas “Cala a Boca, Menino”, embora tenha sido popularizada por João, não é nem de Dorival Caymmi, cujo crédito estampa o rótulo do velho vinil. Na verdade suas origens remontam à capoeira do início do século passado e o primeiro registro musical desta canção não apareceu sequer em vinil. A faixa foi registrada pelo mítico Almirante em 1938, na mesma época em que o sambista levou pela primeira vez ao rádio um instrumento “rudimentar e bárbaro” (palavras da época) chamado berimbau.
A faixa foi regravada na terceira edição do projeto Goma-Laca, núcleo de pesquisas sobre a música brasileira da primeira metade do século 20 desenvolvido pelo jornalista Ronaldo Evangelista e pela pesquisadora Biancamaria Binazzi. Desde 2009 a dupla fuça velhas bolachas que rodam a 78 RPM e desenterra pérolas para serem regravadas por novos nomes da música nacional.
A pesquisa é feita principalmente na discoteca Oneyda Alvarenga, do próprio CCSP, que conta com um acervo de mais de 44 mil discos brasileiros e uma das maiores coleções de discos em 78 rotações do Brasil. “Chamamos a discoteca de ‘Casa do Goma-Laca’, não só pelo acervo mais por seu conceito”, explica Biancamaria. “Ela foi criada em 1935 pelo Mário de Andrade, quando ele era diretor do departamento de cultura de São Paulo e a ideia dele era criar um espaço para músicos, que permitisse acesso à música ‘estranha aos ouvidos’. Ele queria promover o acesso à música regional do Brasil e à musica de concerto contemporanea, ir muito além do que tocava no rádio, o que de certa forma é o que fazemos com o Goma Laca. Como dizia o próprio Mário: ‘buscar fazer coisa nova, desencavando passados’”.
A edição de 2014 além da gravação e único show também se materializou em disco (as outras edições só foram disponibilizadas em MP3) e focou especificamente no que eles rotulam de “afrobrasilidades”. O disco reuniu Karina Buhr, Lucas Santtana, Russo Passapusso (que não pode comparecer ao show e foi substituído pelo carismático Duani) e Juçara Marçal para que eles pudessem reviver músicas com títulos como “Minervina”, “Babaô Miloquê”, “Guriatã” e “Passarinho Bateu Aza” (com ‘z’ mesmo), tudo sob a batuta – a flauta, no caso – suingada do maestro compenetrado e possuído que é Letieres Leite, que releu as velhas e ingênuas canções com um groove denso e ancestral, mas sem perder o vínculo com a tradição.
O disco pode ser comprado pelo site www.goma-laca.com, que ainda conta com as faixas das edições anteriores em MP3 para quem quiser apenas ouvi-las – além das versões originais imortalizadas em discos prensados numa mistura de cera de carnaúba com pó de goma laca. O núcleo de pesquisas segue à toda: “A ideia é continuar fazendo shows, rodas de escuta, programas de rádio, discos e o que pintar relacionado a esse universo setenteônico”, conclui Biancamaria.
Minha coluna no Brainstorm9 essa semana foi sobre esse clipe brega que a BBC fez pra dizer que agora ela tem um site que permite às pessoas fazerem suas playlists, deixando de lado um legado quase centenário para alinhar-se aos titãs do mundo digital.
Tudo errado
No clipe de lançamento do novo serviço BBC Music, a decana estatal inglesa rebaixa-se ao nível do novo mercado
Todos sabemos da importância da BBC para a história da comunicação, para a Inglaterra e para a história da música gravada. Por isso quando a estatal britânica resolveu reunir todas suas vertentes musicais numa mesma plataforma chamada BBC Music, nos preparamos para o aplauso. Afinal, estamos falando da BBC.
O gesto é uma evidente tentativa de fazer sua grife manter-se atual, reunindo sua produção ao redor do tema “música” num mesmo canal, sejam playlists, programas de rádio, entrevistas ou shows em seus estúdios. A interface do site é voltada para dispositivos móveis e tenta reunir diferentes conteúdos em abas diversas – nomes de programas, gêneros musicais, nomes de artistas, notícias – e oferece um serviço chamado Playlister, que além de disponibilizar sequências de músicas assinadas pelos canais da emissora também permite ao ouvinte fazer suas próprias seleções e descobrir músicas novas. Resumindo, a emissora criou um Spotify próprio para reorganizar seu conteúdo online e assim tenta fazer valer seu nome no atual cenário global de música.
Assistimos, desde o início do século, a uma briga de logotipos de todas as áreas ao redor deste tema e é neste cenário que o novo BBC Music quer brigar, entre velhas gravadoras e novos aplicativos, fabricantes de aparelhos portáteis e empresas de telefonia móvel.
A empresa gaba-se que seu novo projeto é “uma ambiciosa onda de novos programas, parcerias inovadoras e iniciativas pioneiras que afirmam o mais forte compromisso da BBC com a música em 30 anos”, reza o release. Um blablablá corporativo pesado, que parece mais disposto a equivaler-se a um cenário musical mutante do que a impor sua própria importância.
A nova plataforma chega ao mundo acompanhada de um clipe. Uma versão cheia de artistas conhecidos – de diferentes gêneros, épocas e países – para regravar o clássico dos Beach Boys “God Only Knows”. Ok, vamos ver…
O resultado é espetacularmente brega. Aliás, brega é pouco. Transcende os limites do brega. Brega é só o conceito de reunir vários artistas para cantar uma música conhecida por todos. O “We Are the World” era menos brega porque pelo menos lançou uma musica nova. Mas esse clipe, essa versão, esse conceito… Tudo errado.
Não apenas pela escolha dos artistas, que funciona até a página três. Há clássicos de menos (Stevie Wonder, Elton John, Brian May e o próprio Brian Wilson) e pop contemporâneo de mais (Dave Grohl, Lorde, Pharrell, Chris Martin, Florence Welch, Sam Smith, Jake Bugg, Kylie Minogue e Jamie Cullum), um inevitável Jools Holland e um evitável One Direction, além de artistas eruditos (Eliza Carthy e Danielle de Niese) e “do resto do mundo” (Baaba Maal) para dar aquele molho de “pluralidade”, além da BBC Concert Orchestra e um coral com 80 vozes.
Se no quesito música o resultado é mediano, na parte visual é constrangedor. A direção de arte do clipe deixa tudo pior ao colocar asas negras na Lorde, Elton John coberto de borboletas azuis, um tigre pulando sobre o piano de Brian Wilson, Kylie Minogue flutuando em uma bolha, Stevie Wonder cercado de diamantes… Trata artistas não como personagens mais sensíveis que nós, mas como um circo de pessoas estranhas. É um delírio psicodélico careta, uma caricatura musicada da direção de arte de Tim Burton filtrada pelo filme As Aventuras de Pi.
O clipe coroa uma iniciativa que parece tirar a majestade da BBC. Ao descer de seu próprio pedestal, a emissora perde seu tom austero e tenta criar um universo particular clean e higienizado, mais próximo das campanhas publicitárias de marcas de celular ou de serviços de streaming do que de um padrão BBC de qualidade. Basta comparar essa versão com outra, feita pela emissora há dezessete anos, quando ela também reuniu veteranos e novatos para cantar uma música conhecida, no caso “Perfect Day”, de Lou Reed.
Além do próprio Lou Reed (fazendo “air piano”), a versão de 1997 ainda tinha participações de Bono, David Bowie, Suzanne Vega, Elton John, Burning Spear, Emmylou Harris, Tammy Wynette, Shane MacGowan (dos Pogues), Robert Cray, Skye Edwards (do Morcheeba), Dr. John, Emmylou Harris, Brett Anderson (do Suede), Laurie Anderson e Tom Jones – tudo bem, também tiveram os meninos do Boyzone. Mas ao comparar a “Perfect Day” de 1997 e a “God Only Knows” de 2014, percebe-se que até o fim do século passado a BBC ainda mantinha alguma austeridade, mesmo que um filtro visual no clipe quisesse deixá-la com uma cara moderna.
E o lançamento da canção de 1997 não tinha nenhum intuito inovador – era apenas um comercial feito para a TV para reforçar que, com como dizia a mensagem ao final do anúncio, “não importa qual é seu gosto musical, ele é saciado pela BBC Rádio e Televisão. Isso só é possível graças à forma incomparável como a BBC é paga por você. BBC. Você faz o que ela é.” “Você vai colher o que plantar”, como cantava escancaradamente o refrão.
“God Only Knows”, por outro lado, parece uma súplica para não perder ouvintes – “Só Deus sabe o que eu seria sem você”, canta a canção perfeita de Brian Wilson mas também parece cantar a BBC, que perde seu rigor para exibir-se como mero zoológico de personagens exóticos, estes tais artistas que fazem música. Havia uma empolgação para aplaudir, uma antecipação otimista sobre como a emissora marcaria sua entrada no século digital e assistimos a uma campanha de marketing mediana cheia de celebridades e efeitos especiais. O oposto do que se esperaria da BBC.
Tudo errado.
O pessoal do caderno Aliás, do Estadão, me pediu para escrever sobre essa nova rede social, Ello – e o texto vem a seguir. Quem quiser me adicionar lá é só seguir no http://ello.co/matias (o @trabalhosujo ainda está em construção), onde estou postando links e gif animados.
O elo que faltava?
Surge uma nova rede social na semana em que o Orkut sai de cena. Mas é cedo para dizer se o Facebook será superado
Mais uma vez estamos nos perguntando “mas pra que serve isso?” e “agora que estou aqui, o que faço?”. Desta vez quem puxa as questões é uma rede social que começou a fazer barulho na mesma semana em que o Google desligou os aparelhos de sua – e nossa – primeira rede social, o Orkut. A Ello foi lançada em março e só havia sido percebida, como sempre, por alguns poucos tecnófilos, novidadeiros e gente de comunicação. Mas, com o fim de setembro, tornou-se a nova aposta da internet para “derrubar” o Facebook.
Em termos de interface, o Ello não traz particularmente nenhuma novidade. Na verdade, o site diminui uma série de recursos que outras redes sociais criaram e foram apropriados uns pelos outros: o Twitter criou a hashtag que depois foi apropriada pelo Facebook; o conceito de RT (retweet) é praticamente a ideia que dá origem ao Tumblr e também foi incorporado pelo Facebook, com o botão “compartilhar”. A contagem de RTs é decorrente da contagem de likes da rede de Mark Zuckerberg e essas duas redes sociais assumiram o papel de repositório de fotos e vídeos, que já vinha sendo ocupado pelo Flickr e pelo YouTube, sites que assimilaram todos os conceitos das redes sociais e se tornaram, eles mesmos, outras redes desse tipo. A natureza aberta da internet permite esse excesso de clones e apropriações específicas de funções sem que necessariamente isso resulte em processos por plágio.
O Ello não tem nada disso. Sua interface é espartana, quase um rascunho digital do que poderia ser um site mais “aconchegante” ou “arrojado”, dependendo do lado que for a direção de arte. Ello é cru, minimalista, não permite republicações nem hashtags surtem efeito. Divide seus contatos entre “amigos” e “ruído” e permite gif animados (como o Google +), mas seu “salto de fé” vem embutido na última parte de seu slogan, que resume o site como s
“Ello não vende anúncios. Nem vendemos dados sobre você para terceiros”, explica o site em seu manifesto (https://ello.co/wtf/post/about-ello): “Virtualmente todas as redes sociais são geridas por publicitários. Nos bastidores eles empregam exércitos de vendedores de anúncios e mineradores de dados para registrar todo movimento que você faz. Dados sobre você então são leiloados para anunciantes e para corretores de dados. Você é o produto que está sendo vendido e comprado.”
Embora esse não seja o motivo da recente explosão de popularidade da nova rede social, é sem dúvida o seu maior apelo. Muito já foi escrito e investigado sobre a falta de ética ou de pudores das redes sociais em relação à possibilidade de transformar nossas pegadas digitais em fórmulas para personalizar propaganda. O Facebook teve de mudar seus termos de uso diversas vezes após ser acusada de se apropriar de diferentes níveis de privacidade de seus usuários.
A onipresença da rede de Mark Zuckerberg é assustadora e muitos a vêm deixando por causa disso. Embora cada vez mais gente encontre oportunidades, inclusive de negócios, graças ao Facebook, a forma como ele se embrenhou em diferentes camadas de nossas vidas é preocupante. O mesmo ocorre com o Google, outra máquina de invasão da privacidade alheia. Os dois sites estabeleceram-se durante a década passada, cresceram graças a investimentos e publicidade e hoje fazem parte do dia a dia de parte gigantesca da população do planeta. Entretanto, o futuro do Facebook é mais incerto que o do Google justamente por operar em apenas um campo – o da rede social. Por maior que seja sua atuação, ela é pequena se pensarmos no conjunto de operações sob a marca Google – que compra empresas de robótica e engenharia genética, tem todo o mundo (e a Lua!) mapeado digitalmente, tem o sistema operacional (o Android) e o navegador da web (o Chrome) mais populares do planeta, o maior repositório de vídeos existente (o YouTube), o tradutor online mais usado da internet – e a lista poderia continuar, sem exagero, por algumas páginas. Tudo isso converge para a publicidade e compensa o fato de todas tentativas de rede social lançada pelo site – o recém-falecido Orkut, os descontinuados Google Wave e Google Buzz, a enorme cidade fantasma chamada Google Plus – terem dado errado.
As duas empresas antecipam um futuro totalitário em que o Big Brother de George Orwell não é um ditador onisciente, mas um conjunto de distrações mais próximo do Admirável Mundo Novo de Aldous Huxley, descrito magistralmente pelo norte-americano Dave Eggers em um dos melhores livros de 2014, The Circle, que será lançado este mês no Brasil.
O Facebook, no entanto, corre para entrar também no celular, o computador pessoal do início deste século. Melhorou bastante seu aplicativo, comprou hits populares (Instagram e Whatsapp, embora tenha sido esnobado pelo SnapChat), empurrou goela abaixo um outro aplicativo para trocar mensagens e fica pedindo o tempo todo seu número de telefone celular por motivos “de segurança”. Sua onipresença segue firme nos celulares, mas e se a onda dos “computadores vestíveis” pegar? Os óculos do Google, os relógios da Apple e da Samsung já estão nas ruas – e o Facebook vai ter que correr para se adaptar, de novo.
Enquanto isso as pessoas vão ficando fartas de terem todos seus conhecidos numa mesma plataforma, de misturar colegas de trabalho, familiares, amigos íntimos e conhecidos numa mesma caixa de comentários, de tanto post patrocinado. O Facebook também consegue extrair o pior das pessoas e tornou-se, para umas três ou quatro gerações diferentes, uma mistura de blog com caixa de comentários de sites de notícias, todo mundo resmungando seus piores argumentos, remoendo rancores, querendo sair no tapa com desconhecidos, desafazendo amizades até na vida offline.
O sucesso do Ello veio disso, do fato de o Facebook exigir que as pessoas escrevam o próprio nome no campo, como um formulário burocrático em vez de uma reinvenção pessoal. Drag queens de São Francisco, nos EUA, queriam vestir seu personagem em vez de usar a identidade de batismo. E migraram para o Ello como protesto. O resultado foi um efeito dominó – e um novo excesso de pessoas fez muita gente migrar para esse novo lugar digital. São Francisco é a meca do movimento gay e do mundo digital; e o sucesso do Ello entre essas duas comunidades o fez explodir no resto do mundo, inclusive no Brasil (afinal já é conhecida nossa tradição de “invadir geral” no mundo online).
Se o Ello é o novo Facebook só o tempo dirá. Pois já vimos esse filme em vários formatos: o Friendster nos EUA e o Orkut no Brasil foram substituídos pelo MySpace e depois pelo Facebook, com o Twitter entre os dois últimos e o Pinterest, o Instagram e o Tumblr e o… Uns vieram e ficaram, outros sumiram, alguns são usados por grupos menores para finalidades específicas… Só vamos saber se vão dar certo se houver gente suficiente. Afinal, as perguntas do início de qualquer rede social (“mas pra que serve isso?” e “agora que estou aqui, o que faço?”) são as perguntas que fizemos ao entrar na internet pela primeira vez e, em última instância, dizem respeito à vida, afinal.
E só tem um jeito de descobrir o que vai acontecer depois…
Inevitável falar do disco novo de Thom Yorke na minha coluna no Brainstorm9, afinal, mais uma vez voltamos a questionar o sentido de cobrar por algo que todo mundo pode ter de graça?
A natureza da rede
O Radiohead expande seus experimentos ao lançar um disco solo de Thom Yorke via torrent pago
Falei pra ficar de olho no Radiohead.
No início de setembro o grupo lançou a atualização do aplicativo PolyFauna, que comentei numa coluna anterior. Há três semanas, o vocalista da banda Thom Yorke twittou uma imagem de um vinil branco, causando furor na enorme base de fãs do Radiohead sobre a possibilidade do grupo estar realmente voltando – e de já ter um disco prontinho e prensado.
Na semana seguinte ele twittou que estava no segundo dia de gravação do próximo disco da banda, ao mesmo tempo em que causou dúvidas sobre qual seria aquele vinil branco que havia publicado anteriormente.
Eis que na sexta passada ele anunciou a novidade – que estaria lançando seu novo disco solo, o segundo produzido por Nigel Godrich, seu parceiro tanto como produtor do Radiohead quanto na banda Atoms for Peace, que ainda conta com Flea, o baixista dos Red Hot Chili Peppers, na formação.
Tomorrow’s Modern Boxes, no entanto, não é só um disco. Foi anunciado abruptamente não só como uma continuação do trabalho solo de Thom Yorke, mas, principalmente, como um experimento. No site do Radiohead um texto explica que o lançamento não é apenas um novo disco. É um experimento.
“Como um experimento estamos usando uma nova versão do BitTorrent para distribuir o novo disco de Thom Yorke.
Os arquivos Torrent devem ser pagos para se ter acesso a alguns arquivos.
Os arquivos podem ser qualquer coisa, mas neste caso eles são um “álbum”.
É um experimento para ver se as mecânicas do sistema são algo que o público em geral pode se envolver.
Se funcionar bem pode ser uma forma eficaz de permitir o controle do comércio via internet de volta às pessoas que criam o trabalho.
Permitindo que elas possam fazer tanto música, vídeo ou qualquer tipo de conteúdo digital para elas mesmos colocar à venda.
Ultrapassando os autodenominados seguranças na porta de entrada.
Se funcionar qualquer um pode fazer como nós fizemos.
O mecanismo torrent não requer nenhum servidor para fazer upload ou custos de hospedagem ou esse papo-furado de “nuvem”.
É uma vitrine de loja embutível e autocontinda…
A rede não apenas carrega o tráfico de dados, ela também hospeda os arquivos. Os arquivos estão na / são a rede.”
Em outras palavras, Thom Yorke lançou o primeiro torrent pago da história da música. Embora atualizações via torrent sejam comuns no mundo dos games, esta é a primeira vez que um artista de tal grandeza utiliza um formato amplamente difundido mas pouco comercializado.
O torrent, para quem não conhece, é a continuação da horizontalização da distribuição de conteúdo digital que começou com o Napster, em 1999. Naquela época, o programa permitia que qualquer computador pudesse funcionar como servidor e qualquer um poderia baixar músicas – ou qualquer outro tipo de arquivo – direto do computador de outras pessoas, seja um vizinho de porta ou alguém do outro lado do planeta.
Essa mudança de lógica subverteu completamente o parâmetro dos downloads digitais na última década do século passado. Antes era preciso encontrar um servidor em que você pudesse hospedar os arquivos que queria distribuir para o público – e naquele tempo pré-Dropbox, pré-Google Drive, pré-”nuvem” e pré-banda larga isso não era fácil de se fazer. Se criar um site para publicar conteúdo em texto ainda era uma tarefa complicada (que veio ser simplificada quando a PyraLabs de Evan Williams inventou o Blogger e popularizou o conceito de blogs), fazer o mesmo com arquivos em áudio era trabalho para poucos nerds que manjavam de internet e programação de computadores (atividades que ainda não haviam se misturado).
O Napster permitiu que todo mundo pudesse baixar conteúdo de todo mundo, sem que fosse preciso se pendurar num servidor principal – traduziu para os downloads o próprio conceito da internet. Mas ainda era preciso esperar um download acabar para o próximo começar e a solução para isso foi a criação da tecnologia torrent – um tipo de arquivo que picota em milhares de pedaços o conteúdo digital e distribui esses pedaços entre as pessoas que estão o compartilhando.
Isso quer dizer que você não precisa esperar todo um arquivo baixar para começar a permitir que ele seja baixado por outra pessoa, a partir da sua máquina. Se um pedacinho de um disco ou filme já está em seu HD, ele já pode ser baixado. O programa de torrent avisa quando todos os pedaços forem baixados e o download estiver completo.
O formato torrent é o motor do Pirate Bay, o maior site de downloads ilegais do mundo. Sua brecha jurídica é que ele não está permitindo o download dos filmes em si – apenas de um arquivo que permite que várias pessoas baixem um arquivo de outra pessoa. Quanto mais gente baixando, melhor a qualidade da conexão e mais rápido chega o download – ao mesmo tempo que torna-se mais difícil descobrir quem é o pirata original.
Filmes, séries, softwares, discos, livros e videogames são baixados às toneladas diariamente por milhões de pessoas no mundo inteiro – de graça. O desafio lançado por Thom Yorke é meio parecido com quando a banda perguntou ao público quanto ele queria pagar pelo disco In Rainbows, de 2007. A evolução vem em duas partes: a primeira permite o download gratuito de algumas faixas do disco, que funcionam como um aperitivo, e a segunda vem com a utilização do formato torrent.
Essa é a mudança interessante de paradigma. Por mais que os torrents sejam populares, o Radiohead acredita que eles podem ser populares inclusive para conseguir que o público pague por conteúdo digital – e não apenas música. Se o experimento do segundo disco de Thom Yorke der certo, tudo indica que o Radiohead tentará utilizar esse mesmo formato para seu próximo disco (e seus próximos clipes? Seus próximos aplicativos?) e abrirá, mais uma vez, uma nova trilha para artistas de toda sorte tentar buscar novo contato com seu público. A banda sabe que está falando também com gente que nunca baixou um torrent na vida e fez questão de explicar o passo a passo no site do BitTorrent.
Em uma semana de lançamento, o disco foi baixado um milhão de vezes, entre as versões paga e gratuita. Quem vende um milhão de discos em 2014?
Mas há um conceito bem mais interessante do que simplesmente como comercializar conteúdo na internet escondido no final do manifesto, na parte em que diz que os arquivos “são/estão na rede”. É uma reflexão interessante que não diz respeito apenas à natureza da internet para além das simples conexões estruturais (afinal, para que serviria a rede se não existissem pessoas?) como também sobre o futuro da rede, que pode misturar forma e conteúdo cada vez mais, mudando, inclusive, os rumos da arte, do comportamento e da cultura. E, portanto, do que é ser humano.
Na minha coluna para o Brainstorm9 dessa semana, eu falei da inusitada forma como o U2 lançou seu novo disco, Songs of Innocence.
Satisfação Instantânea?
A Apple e o disco do U2 que apareceu no seu computador
Todos rimos quando, no início do mês, a Apple anunciou que daria para todos seus clientes o novo disco do U2 de graça. A princípio o riso era mais um desabafo mau humorado em relação à transformação destas duas marcas – Apple e U2. As duas começaram desbravando novas fronteiras em seus territórios e décadas depois se tornaram o contrário do pregavam antes.
A Apple de Tim Cook é o U2 do século 21: previsível, insosso, preocupado com os tempos modernos mas completamente convencional. Seu novo relógio de pulso não conseguiu instigar nossa curiosidade como Steve Jobs bem temperava qualquer mudancinha em sua linha linha de produtos, todos saudados como o Próximo Passo em Direção à Melhor Perfeição Possível. Sem Jobs, o Apple Watch parece o comunicador de pulso do Dick Tracy, um pequeno trambolho quadrado no pulso.
Já o fulgor carismático de Steve Jobs morreu no U2 lá pelo fim do século passado, quando saíram de um limão prateado na turnê do disco Pop. Na turnê deste disco, de 1997, a banda se autoironizava ao decorar seu palco com um único arco dourado do McDonald’s, assumindo de vez uma versão corporativa de si mesma que no início daquela década (entre suas obras-primas Achtung Baby, de 1991, e Zooropa, de 1993) era só mais uma persona da banda de Bono.
É exatamente neste período em que Bono começa a se descolar do U2, misturando-se entre políticos internacionais como uma espécie de aval artístico que qualquer projeto social ou ambiental – governamental ou não – precisava para ajudar no marketing. Se o U2 virou uma caricatura sonora de si mesmo, Bono encarnou um estereótipo deformado do terceiro setor, investidor de startups e defensor dos animais, presente em qualquer encontro cívico ou esportivo como “o cara da música”.
Nos anos Bush, Bono representava a visão neocon daquilo que deveria ser a esquerda, uma chatice conveniente, mas facilmente descartável. Sua chatice politicamente correta atingiu níveis monumentais e ofuscou qualquer tentativa de sua banda de sair do mesmo lugar (não foram muitas, convenhamos).
Aí os dois se juntam para lançar dar, de graça, o novo disco do U2, Songs of Innocence, para quem quer que já tenha comprado qualquer tipo de conteúdo através da loja online da Apple.
Mas, espera aí, música de graça? Vamos (re)ver o momento em que Bono e Tim Cook conversam sobre o novo anúncio
Bono: Há rumores que o U2 não fez nenhum disco nos últimos cinco anos, mas isso é não é verdade. Nós fizemos alguns discos, só não os lançamos. Estamos fazendo isso o tempo todo. É o que fazemos. Assim, queríamos esperar até que tivéssemos um que fosse tão bom quanto nossos melhores trabalhos – tão bom quanto o melhor que já fizemos.
Tim Cook: Você sabe que nós nos sentimos da mesma forma sobre nossos produtos.
Bono: Nós somos o sangue em suas máquinas oh mestre zen do hardware e software Tim Cook. Olha, na semana passada nós terminamos nosso disco, chama-se Songs of Innocence. Estamos bem animados. A questão agora, mestre zen, é como nós conseguimos atingir o maior público possível ,pois é isso que nossa banda faz?
Tim Cook: Nós somos os primeiros no mundo a ver isso?
Bono: Sim.
Tim Cook: É um white label?
Bono: É isso aí um white label. E a dúvida é que acho que você pode nos ajudar – como conseguimos chegar ao maior número de pessoas possível?
Tim Cook: Bem, temos o iTunes.
Bono: Acho que você tem mais de meio bilhão de usuários no iTunes. Você pode fazer isso chegar neles?
Tim Cook: Claro que sim.
Bono: Você conseguiria, em cinco segundos, apenas apertando um botão “send” mágico da Apple, fazer isso?
Tim Cook: Se dermos o disco de graça…
Bono: Mas antes você vai ter que pagar. Porque nós não estamos nessa de música de graça por aqui.
Tim Cook: Já ouvi dizer que sou um bom negociador.
Bono: Você consideraria dar Songs of Innocence de graça para mais de meio bilhão de pessoas em cinco segundos a partir de agora?
Tim Cook: Sim, podemos. Apertamos um botão e demorará um pouco mais para ir para toda a internet. Mas isso pode começar em cinco segundos.
Bono: Deixa eu ver se entendi, o novo disco do U2 Songs of Innocence irá chegar de graça para meio bilhão de pessoas nos próximos cinco segundos. 5, 4, 3, 2, 1. Uau! Isso é que satisfação instantânea.
Bono parece estar sendo irônico, mas não está. Ele não está dando música de graça para os clientes da Apple. Depois do anúncio soubemos que a música não veio assim de graça – a Apple havia comprado os MP3 da banda para colocá-los no software loja iTunes para seus mais de 500 milhões de clientes em 119 países. Quanto custou? Cem milhões de dólares. Motivos de sobra para o U2 rir sozinho.
Mesmo que, logo em seguida ao anúncio, continuassem rindo deles. Jovens querendo saber quem hackeou seus aparelhos e enfiou músicas de um tal U2 em seu sistema operacional. Na outra ponta, velhos fãs da Apple que não suportam a banda irlandesa devido ao excesso de Bono das últimas décadas que se viram, de repente, com aquela banda chata no meio de sua seleção de artistas cuidadosamente escolhida. A reação foi tamanha que a própria Apple criou um site que permitia deletar o disco de seu sistema operacional.
Sobravam motivos para considerar o anúncio do U2 com a Apple um erro de marketing, como alguns disseram. Até que as vendas começaram.
Vendas? Mas o disco não veio de graça?
Sim, mas os inúmeros fãs da Apple ou do U2 que não sairam reclamando dos dois nas redes sociais não acharam má ideia aquele novo disco da banda de surpresa em seus sistemas operacionais. Uns não conheciam a banda, outros nem lembravam dela. Bastou Songs of Innocence aparecer de graça para que muitos começassem a fuçar o catálogo passado do grupo.
E na primeira semana após o anúncio, nada menos que 24 títulos da banda voltaram ao Top 200 do próprio iTunes – estes foram comprados em vez de baixados de graça. Os discos The Joshua Tree (1987), Achtung Baby (1991), War (1983) e duas coletâneas de singles, Uma delas, U218, chegou ao top 10 no iTunes em 46 países.
Apple e U2 podem não ser mais os líderes de inovação e contestação que já foram no passado, mas a convergência das duas marcas abriu um mercado de ressurreição de catálogo que já vem sendo explorado em box-sets de CD, reedições em vinil, playlists de programa de streaming. A banda irlandesa e a empresa norte-americana deram um passo a mais nesse mercado – e talvez começaremos a receber mais “discos de graça” sem que queiramos em nossos aparelhos.
Será que estamos vendo o nascimento de um novo tipo de spam?
Um dos melhores discos brasileiros do ano está vindo aí. Rasura é quarto disco da banda curitibana Ruído/mm (lê-se “Ruído por milímetro”) e os consagra não apenas como principal representante de uma cena de música experimental instrumental dentro do rock independente brasileiro como também como uma banda estabelecida no cenário nacional, mesmo que desconhecida do grande público. Menos introspectivo e mais guitarreiro que o disco anterior (o incrível Introdução à Cortina do Sótão, de 2011), Rasura ainda flutua no éter da pressão da microfonia, contrapondo calma e barulho como elementos não necessariamente opostos. O grupo está soltando o disco aos poucos, já liberou a faixa “Cromaqui” e agora descola “Transibéria” aqui pro Trabalho Sujo, ouça:
O novo disco será lançado no próximo sábado, dia 27, num show no Sesc da Esquina de Curitiba, nos formatos digital (download gratuito pelo selo paulistano Sinewave ou pelo Bandcamp, em que o ouvinte pode pagar pelo download – e ganhar bônus por isso), CD e, mais pra frente, em vinil, o que garantirá toda a glória desta colagem feita pelo designer Mario de Alencar, que assina essa capa incrível:
A banda é formada pelos guitarristas André Ramiro e Ricardo Pill, o baterista Giovani Farina, o pianista Alexandre Liblik e pelo novato mulltiinstrumentista Felipe Ayres, além do baixista Rafael Panke, que conversou comigo por email.
Fale mais sobre esse amadurecimento do Ruído. Vocês já têm um próprio som definido ou é algo em mutação constante?
O Ruído é uma entidade com vontade própria. Não importa quem a esteja incorporando no momento, sempre será conduzido por uma intuição estranha, como que guiado por vozes. Cada desertor deixa um pouco de sua essência e leva um pouco do zumbido com ele. Percebemos para onde estamos sendo levados, mas não há nada que possamos fazer quanto a isso: escolhas, discussões, livre arbítrio, definições… O grande espírito ri. Às vezes, depois de muito tempo buscando determinado resultado, acabamos chegando lá por caminhos não antecipados. Outras, quando achamos que finalmente compreendemos a mecânica da construção… puf! O absurdo se revela e nos vemos às voltas com o imponderável outra vez. Aceitar isso foi o pulo do gato preto.
Uma vez ouvi que “o artista que sabe o que está fazendo é medíocre”. Não sei se concordo totalmente com isso, mas é uma grande frase de efeito. Se formos nos pautar por essa máxima, o ruído está fazendo do jeito certo.
O que vocês mais ouviram durante a gravação e composição desse disco? O que foi referência em termos de composição e de produção?
Usamos a coqueteleira de sempre, apenas dosando os ingredientes de forma diferente. Um pouquinho menos de Satie, um pouco mais de Yo La Tengo. O bom e velho Morricone continua lá, mas apertando forte a mão do Kevin Shields e do Lee Ranaldo. O piano não está tão proeminente nas composições quanto estava no nosso trabalho anterior, e essa opção permitiu ao Liblik explorar toda sua versatilidade com outros timbres, dos clássicos Wurlitzer e Hammond aos sintetizadores mais fritos. Temos muito mais camadas de guitarras desta vez, também.
Em questão de produção, eu tinha uma intenção vaga de aquecer o som; eu queria que o disco soasse honesto, mais parecido com a gente ao vivo: guitarras garageiras gritando, o piano e os synths bem quentes, a batera com muito som de sala e a coisa toda com bastante ambiência. Transportar o ouvinte praquele mesmo lugar/lugar nenhum, praquele momento fora dos momentos. As coisas foram feitas com muita minúcia e atenção, mas como eu disse anteriormente, a pajelança ruidosa incorpórea não nos permite tomar as rédeas da coisa totalmente. O disco foi se moldando a si mesmo diante de nós, observadores aparvalhados, e chegou a esse resultado como que por vontade própria.
Como anda a cena de rock experimental brasileira? Vocês se encaixam em alguma cena? Se sim, ao lado de que outros artistas?
Temos muita afinidade com o pessoal do Constantina, do Herod, do Labirinto, do Kalouv… mas apesar de curtirmos e nos identificarmos, é raro conseguirmos tocar juntos ou interagir fora da internet. Isso sim constituiria uma “cena” da forma tradicional, certo? Mas as grandes distâncias e a pouca grana para promover eventos impedem isso.
Por outro lado, há um sentimento de pertencimento, sim, e a Sinewave é o vetor disso. Eles têm feito um trabalho incrível de curadoria, descobrindo, reunindo e lançando bandas experimentais de todo o Brasil. No fim, estamos todos juntos numa grande hive mind.
Como Curitiba se reflete no som da banda?
Na dicotomia complementar entre a introspecção caseira e o boteco inferninho, creio eu. Na nossa casa, no vento frio na janela; nas quatro estações num mesmo dia; no bafo dum porão lotado ou num conhaque queimando o peito.
O Petit Pavé da Rua XV e os bêbados da Trajano Reis estão tatuados em nossas vesículas.
Vendo de fora, percebo a cidade está passando por uma nova transformação, incluindo culturalmente. O que você acha?
Não sei… de dentro, é difícil dizer; não dá pra dar um passo atrás e ver o quadro maior. O que pode ser dito é que, no que diz respeito à produção da música dita alternativa, Curitiba está está sempre borbulhando. A coisa se transmuta, cresce e encolhe, se estica, solta vapor e não pára de se mexer. Todos sempre atentos, esperando pra ver se não nasce um grande monstro voador dessa gosma inquieta.