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Ava transcendental

Como sempre, um disco de Ava Rocha ganha novas camadas quando vai para o palco e, mais uma vez, ela foi além. Se seu Nektar gravado ao lado de Thiago Nassif e Jonas Sá já é um dos grandes acontecimentos musicais do ano, sua versão ao vivo abre novas janelas sensoriais a partir simplesmente da presença da cantora e compositora. A banda que ela reuniu (Chicão e Vini Furquim nos teclados, Gabriel “Bubu” Mayall no baixo, Charles Tixier na bateria e efeitos e Yandara Pimentel na percussão – uma banda sem guitarra) recriou o disco à risca, deixando-a à vontade para que ela o transcendesse. Ava é uma artista única e tem a capacidade de imantar o público com gestos e movimentos que, feitos por qualquer outro artista, não funcionariam. Ela consegue reunir qualidades do teatro, do cinema, do circo e da performance, colocando tudo a serviço de sua música, transformando gestos mundanos – como jogar papel picado pro alto, brindar cachaça, deixar a saia cair, equilibrar um copo na cabeça, enroscar-se num plástico – em sublimes. Completamente entregue, ela transforma seu corpo em veículo para a oração que é sua música e o néctar de purificação que extraiu de seu disco invadiu o público do Sesc Pinheiros neste domingo, grande parte dele formado por outros tantos artistas contemporâneos de Ava, todos bestificados com sua presença. Ela passeou por todo novo repertório e costurou com seus próprios hits (“Transeunte Coração”, “Você Não Vai Passar” e “Joana Dark”) com outros sucessos gigantescos (a trágica “Todo Mundo Vai Sofrer” de Marília Mendonça e o clássico samba “Conselho” de Almir Guineto, com a qual fechou o show), numa apresentação transcendental.

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A força cultural de uma região

Este fim de semana viu a segunda edição do espetáculo Conjunto Nordeste, idealizado pelo produtor Duda Vieira e pelo maestro Regis Damasceno, no Sesc Pinheiros. Se a primeira, realizada em junho do ano passado, priorizou novos nomes da música nordestina – reunindo um elenco estelar formado por Alessandra Leão, Almério, Flaira Ferro, Getúlio Abelha, Larissa Luz, Luiz Lins, Otto e Potyguara Bardo -, esta segunda preferiu voltar para as raízes e celebrar artistas da região que estão aí há tempos – mas sem tirar o pé da contemporaneidade. Este foi representado por Josyara, que abriu a noite com sua voz e violão estupendos encantando corações que estavam, em sua grande maioria, esperando os veteranos da noite. Depois foi a vez de Ednardo, aos poucos recuperando sua voz depois de um problema de saúde, mas com carisma intacto, fazendo todos cantar “Enquanto Engoma A Calça”, “Pavão Mysteriozo” e “Terral” (e não teve como não dar uma choradinha nessa hora), seguido de Hyldon, que brincou com o fato de ninguém lembrar que ele era baiano (“do polígono da maconha”, riu, reforçando que foi “parceiro do Tim Maia e vizinho de Raul Seixas, sou um sobrevivente!”), e emendar os hits “Dores do Mundo”, “Na Sombra de Uma Árvore” e inevitavelmente “Na Rua, Na Chuva, Na Fazenda”. A estrela da noite foi a gigante Anastácia, eterna alma gêmea de Dominguinhos, que lembrou, no show de domingo, que seu companheiro e parceiro morrera há exatos dez anos, e aproveitou a oportunidade para reforçar que discorda da lógica que brasileiro não tem memória, citando aquele espetáculo como prova disso, antes de passear pelos sucessos “Sanfona Sentida”, “Amor Que Não Presta Não Serve Pra Mim” (bolero eternizado por Angela Maria) e “Tenho Sede”. Os quatro foram acompanhados por uma banda dirigida por Régis, que alternava-se entre a guitarra e o violão de doze cordas, e ainda contava com Danilo Penteado (tocando sanfona, teclado, cavaquinho e violão), Charles Tixier (tocando percussão e sampler), Magno Vito (no contrabaixo) e Alana Ananias (na bateria). Os quatro voltaram tocando “Só Quero um Xodó” e mostrando que este formato tem vida longa. Que venha o próximo!

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Todo o show: Orquestra Imperial toca Serge Gainsbourg com Jane Birkin e Caetano Veloso

Em 2009 Caetano Veloso e Jane Birkin encontraram-se no palco do Sesc Pinheiros em uma celebração da obra de Serge Gainsbourg conduzida pelos cariocas da Orquestra Imperial a partir de uma sugestão de seu percussionista Stephane San Juan. Os diretores da apresentação – Alexandre Kassin e Berna Ceppas – convidaram o maestro de grandes discos de Serge, Jean Claude Vannier, para conduzir a apresentação, que passeou por diferentes fases da carreira do mestre francês, até chegar no auge que foi a participação de sua eterna companheira, Jane, que primeiro cantou “Fuir Le Bonheur de Peur Qu’il Ne Se Sauve” acompanhada do piano de Vannier, para depois convidar Caetano veloso para dividir a eterna “Je Suis Venu Te Dire Que Je M’En Vais”. Caetano ainda cantou Baudelaire sozinho depois do dueto e seguiu no palco quando todos se reuniram para cantar “Couleur Café” – e por todos estou me referindo a uma gama de bambas do naipe de Thalma de Freitas, Nina Becker, Moreno Veloso, Domenico Lancelotti, Nelson Jacobina, Wilson das Neves, Rubinho Jacobina, Pedro Sá, Gabriel Bubu, entre outros. Abaixo, o dueto de Caetano e Jane e a íntegra da apresentação, transmitida pela TV Sesc:  

Colosso brasileiro

Fazia tempo que um show não me emocionava tanto. Ver Edu Lobo às vésperas de completar 80 anos entregando-se a um repertório ao mesmo tempo mágico e intenso, tanto do ponto de vista temático quanto musical, me proporcionou uma sensação que há muito tempo não tinha, quando nostalgia e lembranças pessoais misturam-se à importância de uma obra com mais de 60 anos de idade e algumas canções tatuadas em nosso inconsciente como só hinos e orações conseguem se embrenhar. Com uma banda à sua altura – o maestro Cristóvão Bastos ao piano, o preciso Jurim Moreira na bateria, o gigante Jorge Helder no contrabaixo acústico e o grande Mauro Senise nas flautas e sax -, Edu ainda contou com o vocal e presença de palco deslumbrantes de Vanessa Moreno que, mesmo que caçula ao lado de mestres, estufou o peito e fez-se enorme. E olha que do lado de Edu Lobo isso não é fácil, afinal estamos falando de um compositor que é o ponto de convergência entre Chico Buarque e Tom Jobim, um lugar única na música brasileira – e do mundo. Mas ao contrário de seus compadres, Edu solta-se completamente no palco, deixando a timidez ou o tédio da labuta diária em último plano para encontrar com todos que vieram o reverenciar. E desfilou sua magnitude entre obras-primas de seu lado épico (“Casa Forte”, “Ave Rara”, “Vento Bravo”, “Zanzibar”, “Corrupião”) com suas celebrações à canção popular (“No Cordão da Saideira”, “Frevo Diabo”, “Choro Bandido”, “Gingado Dobrado”), suas deslumbrantes canções de amor (“A Mulher de Cada Porto”, “Noite de Verão”, “Sobre Todas as Coisas”, “Canto Triste” e “Pra Dizer Adeus”, desabei nessas duas últimas) e o cortejo do Circo Místico que ergueu com Chico (“Na Carreira”, “A História de Lily Braun”, “Ciranda da Bailarina” e “Beatriz”, esta acompanhado apenas do piano de Cristóvão), além de seus hits imortais (“Ponteio”, sua versão para “Trenzinho Caipira” de Villa-Lobos e “Corrida de Jangada”, que encerrou o show). Isso tudo completamente à vontade para brincar com sua idade, comemorar a inelegibilidade do “imbroxável”, como zombou, antes de levantar os dedos fazendo o L de Lula (para deleite do público), saudar seus velhos camaradas e elogiar a jovem cantora que o acompanhou nesta noite, além de apresentar uma música inédita, “Silêncio”. Um show para lavar a alma e começar bem a segunda metade de um ano que está sendo incrível.

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Samba noise

Maravilha o show que Cacá Machado fez nesta quarta-feira no auditório do Sesc Pinheiros, dando continuidade ao trabalho que vinha fazendo com a banda formada no ano passado (e que banda! Allen Alencar na guitarra, Marcelo Cabral no baixo e Richard Ribeiro na bateria) ao mesmo tempo em que unia forças à voz da cantora Anaïs Sylla. Equilibrando o repertório de seus dois discos com composições recentes, a apresentação tomou o clássico de Paulinho da Viola “Roendo as Unhas” como ponto de partida, experimentando possibilidades improváveis a partir de uma base tradicional de música brasileira. Ao redor de Cacá, o trio de músicos explorava possibilidades entre o ruído e a melodia, Allen fazendo sua guitarra rugir ou gorjear dependendo da situação, Cabral entre o baixo elétrico, o synth bass e alguns pedais para distorcer bases nada previsíveis e Richard passeando pelas peças da bateria com pulso firme ou mão leve, de acordo com o clima que a música exigia, enquanto Cacá tocava uma guitarra elétrica em vez do sempre presente violão de nylon, deixando boa parte dos vocais a cargo da voz doce e sinuosa de Anaïs. Foi minha estreia na direção artística com o músico e compositor paulistano e um show em que palpitei pouco justamente para valorizar a base que Cacá já vinha armando desde que voltamos à vida nos palcos.

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Cacá Machado: Roendo as Unhas

Enorme satisfação de anunciar que oficializo, a partir desta quarta-feira, o trabalho de direção artística da carreira do compadre Cacá Machado, quando ele apresenta-se no show Roendo as Unhas, no auditório do Sesc Pinheiros a partir das 20h. Músico e compositor estabelecido, ele também é um dos principais intelectuais que falam sobre música brasileira, atuando como coordenador do departamento de cultura da Unicamp, e começa a pensar o que poderá ser seu terceiro disco, depois dos ótimos Eslavosamba (2013) e Sibilina (2018). Para isso, montou uma banda afiadíssima com quem já vem tocando desde o ano passado, que conta com os grandes Allen Alencar nas guitarras, Marcelo Cabral no baixo e Richard Ribeiro na bateria, além de iniciar uma parceria com a maravilhosa cantora franco-senegalesa Anaïs Sylla. “O título do show vem da música que escolhi para abri-lo, o clássico de 1972 de Paulinho da Viola, que talvez seja seu samba mais paulistano por não se restringir ao gênero samba”, explica Cacá. “É uma composição ao mesmo tempo com espírito vanguardista e fincada na tradição e, de certo modo, é uma inspiração para a poética do meu trabalho como compositor.” Os ingressos estão à venda neste link.

Renasce o monstro

Noite histórica. Ao recriar mais uma vez seu clássico de 1980 no palco do Sesc Pinheiros neste sábado, Arrigo Barnabé reforça o papel fundamental de sua obra-prima na história da música brasileira ao sublinhar com a ênfase necessária que ela só aconteceu devido ao contexto em que foi concebida, a cena que surgiu ao redor do mitológico teatro Lira Paulistana, no início dos anos 80. Arrigo arregimentou parte da Banda Sabor de Veneno da gravação original, entre eles o trombonista Ronei Stella, o tecladista Bozo Barretti, os saxes de Manuel Silveira e Chico Guedes, a bateria de seu irmão Paulo Barnabé e as vozes de Suzana Salles e Vânia Bastos, acrescidas das presenças de Ana Amélia e Tetê Espíndola. Acompanhando Tetê ao piano num momento fora do roteiro do disco original, o compositor paranaense passeou por duas de suas composições para celebrar a presença da amiga, “Canção dos Vagalumes” (que resumiu como “canção-manifesto do sertanejo lisérgico” que a vocalista do Mato Grosso do Sul fazia parte naquele período) e “Londrina”, além de visitar, em outros momentos da noite, “Mente Mente”, de Robinson Borba, que gravaria na trilha sonora do filme Cidade Oculta, e improvisar o começo de “Noite Fria”, de Itamar Assumpção, com as vocalistas antes de começar o bis. E ao entrecortar a ópera dodecafônica sobre o monstro mutante surgido a partir de uma experiência a que um office-boy se submete, por falta de dinheiro, nas entranhas de São Paulo com estas composições, Arrigo reverenciou a cena em que surgiu numa apresentação de fôlego para um teatro lotado. “43 anos…”, desabafou, rindo, com sua voz grave no início do espetáculo. “Inacreditável, a gente tocava isso em 1980, por isso que chamavam de vanguarda”.

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Bruxaria pesada

Cátia de França ao vivo, com seus setenta e tantos anos, é ainda mais forte que em disco, quase cinquenta anos mais nova, quando gravou alguns dos álbuns mais subestimados da música brasileira (entre eles o obrigatório 20 Palavras Ao Redor do Sol – se você não conhece esse disco, pare tudo que está fazendo e ouça agora!). Apresentando-se no Sesc Pinheiros neste domingo para celebrar seu cinquentenário nos palcos, ela mostrou que a presença de sua música é equivalente à de outros monstros sagrados que ergueram a bandeira da psicodelia no nordeste brasileiro nos anos 70, com o agravante de ser mulher e ter saído de João Pessoa, na Paraíba, cidade que não tem a tradição de capitais mais populosas da região.

Ela é um dos nomes mais importantes desta cena e embora não seja tão celebrada quanto nomes como Ave Sangria, Zé Ramalho, Robertinho do Recife e Alceu Valença, a paraibana orbitou a cena que circulava ao redor da casa de Lula Côrtes e Kátia Mesel e que viu surgir outros monstros sagrados que também não são mais reconhecidos, como Marconi Notaro, Flaviola e a banda Phetus. Só que Cátia continua viva, na ativa, produzindo, compondo e tocando e a apresentação que fez neste domingo mostrou o tamanho de sua importância.

Acompanhada de Alessandra Leão, pupila confessa e visivelmente emocionada por dividir o palco com sua musa, ela poderia apenas desfilar as canções de seu álbum mais conhecido – como fez, disparando hinos como a faixa-título, “Sustenta a Pisada”, “O Bonde”, “Coito das Araras” e “Estilhaços”, mas não deixou de lado outras fases da carreira, menos festejadas mas igualmente ousada, em músicas como “Avatar” e “Trator/As Águas Que Correram Dos Meus Óio” (que usou para abrir o show acompanhada apenas de Leão), “Não Há Guarda-Chuva”, “Espelho de Oloxá”, “Minha Vida É uma Rede” e “Geração”. Fez questão de celebrar sua espiritualidade, saudando Exu, de quem é filha, e puxando outras saudações ao Caboclo Boiadeiro.

Dividindo-se entre o violão, o pandeiro, o agogô e o triângulo, ela contava com uma banda tinindo, que a acompanhava para onde fosse – e o baixista dirigia a apresentação que equilibrava o duelo entre a viola e a guitarra, achando aquele ponto comum preciso no meio do rock e do baião que abre as possibilidades psicodélicas necessárias. Cátia ainda saudou a aluna ao tocar duas de Alessandra (“Não vou nem fala muito porque eu tô na beira do choro, mas quero dizer que uma parte grande do fato de eu ser artista, de eu escrever, de ser compositora e cantora, se deve à Cátia de França”, disse a compositora pernambucana), “Campo de Batalha” e “Corpo de Lã”, antes de encerrar com a inevitável “Kukukaya”. Uma noite mágica, de bruxaria pesada.

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Energia positiva ao cubo

Se o show do Alto da Maravilha passar perto de você, não pense duas vezes: vá. O acontecimento que é o encontro do segundo disco solo de Russo Passapusso com a triunfal volta da dupla Antonio Carlos e Jocafi já havia causado abalos sísmicos emocionados ao ser capturado em disco num dos registros mais impressionantes do ano passado, mas ganha outra camada no palco. A começar pela banda, que era capitaneada pelo trio de produtores do disco, todos lá: Curumin na bateria, Lucas Martins no baixo e Zé Nigro nos teclados e synths. Ao redor dos três, o ás da guitarra Saulo Duarte, uma dupla de metais de tirar o fôlego – Edy Trombone e Estefane Santos -, a percussionista Loiá Fernandes e o maestro Ubiratan Marques (da Orquestra Afrosinfônica) no teclado elétrico. Só essa banda era o suficiente para fazer qualquer casa cair.

Mas à frente desta vinha esse trio maravilhoso e, não menos importante, alto astral. O encontro de Russo Passapusso com seus mestres Antonio Carlos e Jocafi é uma injeção de otimismo mútua e as três partes são imediatamente contagiadas por essa força conjunta, uma vibração positiva que espalhou-se pelo teatro do Sesc Pinheiros como rastilho de pólvora e antes que a primeira música, “Aperta o Pé”, terminasse o público já estava de pé sacudindo os quadris e batendo palmas sem que nenhum dos três chamasse por isso. O cenário espertamente coloca os três em uma mesa de bar, sublinhando a naturalidade do encontro ao mesmo tempo que funciona como base para a dupla que, só de carreira, tem mais de meio século: Antonio Carlos está com 85 anos e Jocafi com 79. Mas a idade não é um problema para os dois que constantemente levantam-se da mesa para cantar e dançar junto ao público.

À frente dos dois, feliz feito pinto no lixo, está Russo Passapusso. O carisma e empolgação do vocalista do BaianaSystem talvez sejam suas principais características no palco, mas ao lado dos ídolos, elas se potencializam ao cubo. E Russo, completamente extasiado ao colocar suas canções em movimento, transmite essa energia para os outros no palco e para todo o público, funcionando como norte emocional de toda a noite. E não bastassem suas qualidades de showman, ele esmerilha na condução da meteorologia sentimental da noite, regendo todo o Sesc Pinheiros para o lado que lhe interessa – por vezes, deixa todos em ponto de bala, por outras, aciona a melancolia ou deixa a doçura tomar conta, mostrando como, não bastasse tudo isso, ele ainda é um cantor emocionante e um compositor preciso. E ainda estica o tapete vermelho não só para a dupla de veteranos como para cada um dos músicos da banda – todos têm seu momento para brilhar sozinhos. Ele mal cumprimentou formalmente o público, mas estava em constante comunicação, explicando cada detalhe daquele encontro – e frisando a conexão entre o urbano e o sertanejo como duas matrizes baianas importante tanto para sua própria formação musical como a de seus convidados.

E assim passeamos não só pelo acachapante repertório do disco Alto da Maravilha (“Mirê Mirê” composta com Gilberto Gil, “Pitanga”, “Catendê” e minhas favoritas “Vapor de Cachoeira” e “Veneno”) como canções das duas metades desse encontro (“Você Abusou” e “Kabaluerê”, da dupla de baianos, e músicas do primeiro disco de Russo). Entre estas “Paraquedas” foi a escolhida para encerrar a noite, que não teve bis, e estendeu-se por quase quinze minutos, quando Russo guiou a todos por uma versão inacreditável de seu primeiro single, fechando, mentalmente, um ciclo pessoal. Veio, viu e venceu – pra nossa felicidade. Um dos shows mais impactantes que vi nos últimos anos – e que tem que rodar o Brasil inteiro. É a dose de energia positiva que 2023 precisa para seguir seu árduo caminho pela frente.

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Brilha, Anelis!

Anelis Assumpção lançou seu Sal em três noites esgotadas no Sesc Pinheiros – fui na de domingo, quando ela chamou a amiga Thalma de Freitas para dividir vocais em algumas canções. Quase sem conversar com o público, deixando as canções falarem por si, ela subiu um patamar nesse show, ao mostrar que mais do que uma cantora, compositora e intérprete de primeira, ela é uma estrela. Não que não soubéssemos disso, mas nessa nova apresentação ela deixou sua luz brilhar magicamente, contando com uma banda ainda mais azeitada que a que acompanhava nos anos anteriores e com um palco deslumbrante: tudo funcionando para que ela deslizasse sua voz e seu corpo acima de todos nós, tirando o fôlego do público em vários momentos. Quero ver mais!

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