7 Estrelas transcendental

Foi como se fosse outro show. Luiza Lian apresentou seu 7 Estrelas | Quem Arrancou o Céu? nessa sexta-feira no Sesc Pinheiros e hipnotizou o público com uma versão formal da apresentação que fez no Sesc Pompeia, quando lançou o disco no ano passado na casa com duas plateias desenhada por Lina Bo Bardi. No palco italiano do Sesc Pinheiros, sua produção deixou o espetáculo mais enxuto e direto, aumentando ainda mais a profundidade da noite, que também teve mudanças consideráveis de roteiro e no arranjo das canções – como a maravilhosa versão ambient para a excelente “Viajante” ou deixar “Homenagem” para a segunda metade da noite. Além do disco do ano passado, Luiza ainda mostrou músicas dos discos Oyá Tempo e Azul Moderno com novas roupagens, sempre acompanhada de seu produtor Charles Tixier, encapuçado em seu set que misturava bateria e apetrechos eletrônicos. Toda a produção é minimalista: além de Luiza e Charlie, só o “minicorpo de baile” (como a própria vocalista as apresentou) formado pelas dançarinas Bruna Maria e Ana Noronha tomava conta do palco, agigantado pelas luzes de Amanda Amaral, o laser de Diogo Terra, as projeções de Bianca Turner e, claro, a voz e o carisma da estrela da noite, visivelmente emocionada. Foi mágico.

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Geraldo Azevedo implacável

Geraldo Azevedo chegou implacável e não quis saber de conversa quando apresentou-se neste domingo no teatro do Sesc Pinheiros emendando, praticamente sem cumprimentar o público, uma sequência de hits inacreditável: “Tanto Querer”, “Canta Coração”, “Príncipe Brilhante”, “Inclinações Musicais”, “O Paraíso Agora”. “O Principio do Prazer”, “Felicidade”, “A Saudade Me Traz”, “Quando Fevereiro Chegar”, “Você se Lembra”, “Bicho de Sete Cabeças” e “Dona da Minha Cabeça” – e pode ficar tranquilo que se você não reconheceu alguma delas a conhece mesmo assim e só não reconheceu o título. E quando o show, que o capricorniano de Petrolina fez sozinho com seu violão elétrico, foi chegando perto de uma hora de duração a audiência já estava completamente entregue ao seu carisma e talento. E além de seu repertório clássico – que ainda teve, claro, “Dia Branco”, “Tudo É Deus”, “Moça Bonita” e, inevitavelmente, “Táxi Lunar”, que fechou a noite -, o velho ourives da canção ainda saudou seus pares ao pinçar pérolas compostas por Chico César (“Pensar em você” e “Deus Me Proteja”), com quem acabou de fechar uma longa turnê em dupla, Jorge de Altinho (“Petrolina e Juazeiro”), Marcelo Jeneci (na já citada “Felicidade”), Zé Ramalho (“Frevo Mulher”), Luiz Gonzaga (“Sabiá”) e Accioly Neto, representado por sua grande canção, a maravilhosa “Espumas ao Vento”. Foi bonito demais.

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Pop brasileiro ímpar

Ao completar três décadas em atividade, o Pato Fu talvez seja o exemplo mais improvável do que é o pop brasileiro. Sem ancorar-se em cânones já estabelecidos, o grupo mineiro traça sua própria linhagem ao enfileirar canções que fogem daquilo que se espera quando falamos do mercado de música para as massas no país ao mesmo tempo em que cria uma sonoridade única, que bebe de diferentes fontes musicais sem parecer derivado deste ou daquele gênero musical ou linha genealógica. Em mais uma bateria de shows celebrando seus três fins de semana abrindo a programação musical do ano do Sesc Pinheiros, o grupo formado por Fernanda Takai, John Ulhoa e Ricardo Koctus lotou três datas no teatro Paulo Autran e enfileirou quase duas horas de hits que, em sua maioria, são tão reconhecíveis e radiofônicos (seja lá o que isso queira dizer hoje em dia) quanto experimentais e ímpares. Amparados pelo baterista Alexandre Tamietti e pelo tecladista Richard Neves, o trio recapitulou o próprio cancioneiro lembrando também de sua história audiovisual, usando um telão para lembrar dos clipes que filmaram em sua trajetória, sincronizando a imagem dos vídeos às canções que estavam sendo tocadas na hora, ao mesmo tempo em que no palco estão em ponto de bala, afiadíssimos tanto no ponto de vista instrumental quanto nas piadas infames trocadas entre os três, exercitando dois pontos específicos da cultura belorizontina (a excelência instrumental e o humor que se finge de bobo). O show foi maravilhoso e desfilou hits inevitáveis (“Sobre o Tempo”, “´Água”, “Antes que Seja Tarde”, “Depois”, “Menti Pra Você”, “Canção Para Você Viver Mais”, “Made in Japan”), versões de sucessos alheios (“Ando Meio Desligado”, “Eu Sei” e “Eu” – esta última com a participação surpresa de BNegão, que saiu da plateia direto para o palco -, canções solitárias na primeira pessoa feitas por artistas tão ímpares quanto o próprio Pato Fu) e clássicos que há tempos o grupo não visitava ao vivo (“Spoc”, “Vida Imbecil”, “Capetão 66.6 FM”, “O Processo de Criação Vai de 10 a 100 Mil”), incluindo uma inacreditável versão ao vivo para a faixa-título do primeiro disco do grupo, Rotomusic de Liquidificapum, que usaram para encerrar a apresentação, exibindo no telão a foto que era a capa da primeira fita demo do grupo (a infame Pato Fu Demo, que guardo até hoje). Um excelente show para começar os trabalhos de 2024. Vida longa ao Pato Fu!

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Mudança de comportamento

Mais uma vez Rodrigo Faour deu uma aula e deu um show em sua participação no curso História Crítica da Música Brasileira neste sábado, no Sesc Pinheiros. Falou sobre as transformações no comportamento brasileiro que pautaram as mudanças em nossa música, citando danças lascivas e impróprias nos séculos 18 e 19, músicas de duplo sentido, a tendência do cancioneiro brasileiro à tragédia e à tristeza, a era de ouro da música brasileira nos anos 30, como a bossa nova tirou o ar rococó de nossas letras, a importância de Maysa e Dolores Duran como compositoras e como gays e lésbicas só começaram a ser mencionados, referidos e assumidos a partir dos anos 70, mostrando trechos de entrevistas com nomes tão diferentes quanto Manhoso, Maria Alcina e Edy Star que fez para seu canal no YouTube, além de reforçar a centralidade de Ney Matogrosso como o nome mais revolucionário de nossa música nesse aspecto. E terminou a aula prestando homenagens ao próprio Ney e à Ângela Ro Rô em performances singulares. No próximo sábado encerro mais uma edição deste curso.

Ney Matogrosso e um piano

Ney Matogrosso acompanhado apenas de um piano. Essa única frase resume todas as sensações que quem esteve no Sesc Pinheiros nessa sexta-feira pode experimentar, afinal de contas se a voz e a presença de Ney é um acontecimento em qualquer situação cênica, colocá-las à luz de um único instrumento reforça o intimismo quase microscópico com um dos maiores nomes de nossa cultura. O show surgiu como parte do último grande esforço promovido pelo saudoso Danilo Miranda, o sujeito que transformou São Paulo usando cultura e, ao fazer isso, repaginou a vida cultural de todo o Brasil ao transformar o Sesc em uma máquina de arte. Antes do apagar das luzes da noite,´fomos recebidos por um retrato do homem Sesc falecido no início da semana com uma frase que agradecia pela “construção de um legado inspirador”, saudação que motivou aplausos espontâneos logo que o público se acomodou, as luzes foram desligadas e apenas o telão iluminava a audiência, que começou a salva de palmas no mesmo instante. Danilo promoveu uma série de eventos com artistas mais velhos em diversas unidades do Sesc para comemorar os 60 anos do programa Trabalho Social com a Pessoa Idosa promovido pela instituição. O primeiro evento desta série que começou em setembro foi um debate que contou com as presenças de Fernanda Montenegro, Ignácio de Loyola Brandão, Zezé Mota, Marika Gidali e o próprio Danilo, finalizando com a tal apresentação de Ney acompanhado apenas de um pianista. O que deveria ser só um show comemorativo para uma ocasião caiu no gosto do intérprete, que resolveu fazer mais destes. Acompanhado do ótimo – virtuoso e discreto – Leandro Braga, Ney passeou por seu próprio repertório, que também é uma amostra do melhor da canção brasileira, em versões deslumbrantes para Marina Lima (“Nada Por Mim”), Noel Rosa (“Último Desejo”), Cartola (“Sim”), Jacob do Bandolim (“Doce de Coco”), Roberto Carlos (“A Distância”), Frejat e Cazuza (“Poema”), Caetano Veloso (“Ela e Eu” e “Sorte”) e Mutantes (“Balada do Louco”), além de relíquias específicas de nossa canção como a provocante “Amendoim Torradinho” de Henrique Beltrão e a sensual “Da Cor do Pecado” de Bororó e duas jóias dos Secos e Molhados (“Fala” e “Rosa de Hiroshima”, ambas de arrepiar). Com figurino preto coberto com um blazer florido, ele quase não falou com o público nem conversou entre as canções e ainda pinçou uma música inédita em seu repertório, a deliciosa “Rua, Na Chuva, Na Fazenda”, de Hyldon, transformando a sequência de faixas em uma tela impressionista sobre nosso cancioneiro, conduzido pelo timbre único de um de nossos maiores intérpretes. Uma apresentação avassaladora, se tiver a oportunidade de vê-la, não pense duas vezes.

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Música brasileira sem mulheres?

Entre Chiquinha Gonzaga e Karina Buhr, as mulheres da música brasileira tiveram que fazer muito para conseguir ter seu espaço e voz, sempre pronto para ser tirado, tolhido ou apagado a qualquer minuto. Esse foi o tema da aula que Pérola Mathias deu neste sábado no Sesc Pinheiros, dentro do curso História Crítica da Música Brasileira que estou ministrando há quatro semanas e segue nos próximos dois sábados. E entre histórias tristes e desanimadoras envolvendo nomes consagrados como Gal Costa, Clara Nunes, Dona Ivone Lara, Céu, Clementina de Jesus, Elza Soares e Elis Regina, ouvimos histórias de mulheres gigantes que até hoje são desconhecidas do público em geral, como Carolina Cardoso de Menezes, Eunice Katunda, Maria D’Apparecida e Tia Ciata e que felizmente, graças ao trabalho de tantas outras pesquisadoras, musicistas e historiadoras, seguem sendo contadas. No próximo sábado, Rodrigo Faour fala das mudanças no comportamento pautaram a música brasileira e quem foram os personagens que ousaram provocar tais transformações.

De olho na engrenagem

Lançado ao vivo em noite de gala com o teatro Paulo Autran do Sesc Pinheiros lotado nesta sexta-feira, o novo disco de Rodrigo Ogi é batizado com um título que nos induz à ilusão de que a realidade que descreve é como um jogo de dados, induzida por um acaso que às vezes joga contra, às vezes a favor. Mas Aleatoriamente, lançado há um mês, pertence à mesma estirpe clássica de seus melhores álbuns, Crônicas da Cidade Cinza, de 2011, e Rá!, de 2015, e da mesma forma mistura jornalismo com crônica e cinema, criando climas musicais pesados que funcionam como trilhas sonoras perfeitas para descrever situações extremas em regiões inóspitas da grande cidade, periféricas ou não. Se tudo parece uma colcha de retalhos de acontecimentos díspares, é na música que Ogi cria a tensão necessária para que todas essas histórias pareçam fazer parte de um mesmo universo – mostrando-se atento observador da engrenagem da realidade. E nesta vez seu parceiro musical foi um Kiko Dinucci recém-saído da produção do Delta Estácio Blues de Juçara Marçal, que conduziu a saga a partir de pedaços de músicas sincopados uns sobre os outros, criando grooves tensos e intrincados com texturas ruidosas, entre o pós-punk, o no wave e o hip hop nova-iorquino dos anos 80. Foi bom ver Kiko como um dos DJs da noite, dividindo com as bases com o DJ Nato PK, em vez de tocar guitarra, deixando o rap fluir apenas entre bases e vocais. E se o instrumental já estava pesado de saída, os vocais foram sendo apresentados pouco a pouco: além da natural destreza lírica do dono da noite, sempre acompanhado por seu compadre Tiagão Red na segunda voz, Vovô recebeu ninguém menos que Juçara Marçal e Don L em participações precisas – Juçara por três músicas (incluindo “Crash”, que Ogi fez para ela como primeiro single de seu Delta Estácio Blues) e Don L apenas em uma, deixando passar a oportunidade de juntar-se aos outros dois numa mesma faixa. As vozes também brilharam para além dos convidados, a começar pela voz fabulosa de Paola Ribeiro, que contrapunha tanto bases como vocais com seu canto forte, até pelo próprio Kiko, que em vez de disparar o sample com a participação que Siba fez no disco, preferiu ele mesmo cantar a parte do pernambucano. Uma apresentação e tanto – e em que as luzes de Lígia Chaim ajudaram a aumentar ainda mais o clima épico da noite.

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De nortista a nordestino

A primeira vez que a palavra “samba” aparece documentada na história do Brasil foi num jornal pernambucano. O primeiro cantor a mudar a forma de cantar antes mesmo da chegada do microfone não foi Mario Reis e sim o alagoano José Luis Rodrigues Calazans, o Jararaca. O grupo Oito Batutas de Pixinguinha e Donga, antes de se vestir de terno e fazer turnês internacionais, fantasiava-se de nordestinos para tocar música regional do Recife e de Salvador, bem como o primeiro grupo de Noel Rosa e Almirante. Estas foram algumas das muitas revelações que Caçapa apresentou na terceira aula do curso História Crítica da Música Brasileira, que estou ministrando aos sábados no Sesc Pinheiros. A aula desta semana foi sobre música nordestina – ou, como se referia no começo do século passado, nortista – e o professor preferiu se debruçar nas três primeiras décadas do século 20 para mostrar como esta sonoridade ajudou a consolidar a música popular como sucesso de massas e a indústria fonográfica como plataforma para esta mesma música – e porque ninguém mais fala sobre isso hoje em dia. No próximo sábado recebo Pérola Mathias para falarmos sobre a mulher na história da música brasileira. Até lá!

Historiador e contador de histórias

A chuva de boas vibrações que um show de Paulinho da Viola emite parece emanar apenas de sua presença serena no palco. A fala suave, o canto manso e o toque macio no cavaquinho ou no violão são o centro gravitacional de toda a noite, não importa se toque sozinho, acompanhado por um músico ou pela banda completa. Mas há outro elemento central em seus shows que é o fato de estarmos quase sempre assistindo a uma aula sobre a história do samba carioca. Ele nasceu entre sambistas e pode conviver com quase todo o panteão do samba carioca, sendo parceiro de muitos deles e gravando versões de outros, protagonizando ou assistindo de perto a momentos únicos dessa história. Por isso suas apresentações, como a deste sábado no Sesc Pinheiros, são sempre temperadas por explicações informais misturadas com causos sobre grandes nomes dessa história e sua relação com Paulinho. Modestamente, como lhe é de praxe, ele põe-se como espectador ou agente involuntário da história e cita passagens durante a apresentação, falando sobre a centralidade da caixinha de fósforo nas antigas rodas de samba antes de mostrar sambas de Zé Kéti e Elton Medeiros, sobre seu encontro com Capinam, sua parceria com Eduardo Gudin ou como Hermínio Bello de Carvalho não gostava de ser referido como o descobridor de Clementina de Jesus, esta citada como uma oração ao final da apresentação. Falou sobre como foi a primeira pessoa a gravar “Acontece” de Cartola ou quando Hermínio o transformou em coautor de um samba sobre a Mangueira que foi defendido num festival da canção por Elza Soares – e o constrangimento que isso causou em sua escola, a Portela. Mas em quase uma hora de show, o mestre octagenário (que parece não ter envelhecido nada desde que surgiu em nossa história) resolve abrir sua parte dessa história e enfileira clássico atrás de clássico numa sequência desconcertante: “Sinal Fechado”, “Roendo as Unhas”, “Dança da Solidão”, “Coração Imprudente”, “Pecado Capital”, “Coração Leviano”, , “Argumento”, “Bebadosamba”, “Timoneiro”, “Prisma Luminoso” e “Foi um Rio que Passou em Minha Vida”. Somos privilegiados de sermos contemporâneos deste mestre.

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Sobre a música preta no Brasil

A aula nem havia começado e Bernardo Oliveira já erguia as sobrancelhas ao olhar para o material que havia preparado enquanto os alunos entravam na sala: “Matias, não vai dar tempo!”, dizia antes de começar as três horas sem intervalo que havia preparado sobre música negra brasileira dentro do curso História Crítica da Música Brasileira, que estou coordenando no Sesc Pinheiros. Não deu, mas deu: Bernardo nos conduziu rumo a jornada que comparava as culturas de diferentes povos africanos e seu impacto em nossa história – e não apenas cultural. Falando sobre ciência, técnica e tecnologia, mostrou tradições que atravessam séculos mesmo vivendo sob violenta opressão e mostrando como elas moldam o próprio conceito de identidade cultural brasileira. E tome doses pesadas de Clementina de Jesus com audições de rituais de celebração de exu por todo o país, citações de José Ramos Tinhorão, o verdadeiro modernismo do Estácio de Sá, o papel político dos terreiros das tias que abrigavam o samba carioca, loas tecida às transformações em Mario de Andrade e como o termo “funk” está sendo descartado para explicitar a raiz africana deste gênero urbano brasileiro, sendo referido atualmente como “macumbinha”. Bernardo poderia falar mais ainda o dobro de tempo porque assunto e eloquência não faltavam, mas conseguiu condensar as principais problemáticas relacionadas à música negra brasileira, principalmente no que diz respeito ao que pode ser considerado brasileiro ou não. “Racionais é música negra brasileira? Eu acho que é, tem gente que acha que não é”, provocou.