Clipe novo da Tulipa: “Like This” é uma performance da atriz Layla Ruiz, prima da cantora, que originalmente foi pensada para ser projetada durante seus shows, mas ficou tão legal que virou clipe.
Lembro da primeira vez que “Like This” foi tocada ao vivo, em fevereiro do ano passado, Tudo Tanto ainda era só uma idéia de disco e ela apenas participava de um show do Wax Poetics no Sesc Pompéia…
…”Like This” começa aos 4:45 do vídeo acima.
E se você ainda não viu o Blur ao vivo, prepare-se – a banda está em ponto de bala, talvez melhor do que na época em que lançaram seus discos clássicos. Também pudera: Damon Albarn – calejado de showbusiness depois de dez anos entre Gorillaz, projetos paralelos com músicos esporádicos, flertes com a música africana e uma ópera sobre um mago – domina o palco sem dificuldade e sua voz está ótima; Graham Coxon não exige tanto o holofote para si pois aprendeu que esse vem naturalmente quando exibe-se no próprio instrumento; Alex James aprendeu a tocar baixo e Dave Rowntree segue mantendo o pulso firme. A banda está confiante, cúmplice e se reconhece melhor no palco do que nos anos 90. O setlist é composto basicamente por hits e a banda tirou de letra para uma platéia de fãs que sabiam todas as músicas de cor. Não deve ser muito diferente do show no Planeta Terra desse ano…
Abaixo, os vídeos que fiz do show da banda em Barcelona.
Cheguei em cima da hora, peguei uma fila gigantesca (dava até a 23), entrei e o show já tinha começado, nem cogitei ficar embaixo e subi para o mezanino do Jóia. O som tava baixo, mas aumentou logo em seguida e a partir daí… Kevin Parker nos conduziu a um delírio sônico em technicolor que, ao mesmo tempo que apontava para o cânone clássico da psicodelia dos anos 60, abria novos horizontes para a lisergia sonora que conduzia a partir de sua guitarra.
Descalço e muito mais seguro de si do que quando apresentou-se no Brasil há um ano (quando Lonerism ainda nem havia sido lançado e só duas músicas do disco haviam aparecido online, “Apocalypse Dreams” e “Elephant”), Parker tem plena certeza dos rumos que quer levar e conta com músicos tinindo pra isso. Jay “Gumby” Watson (que tocava bateria e foi pra guitarra e sintetizadores) e Dominic Simper (baixista no início da banda e hoje nas guitarras e teclados) funcionam como sombras de Kevin, ecoando solos, riffs e texturas sonoras que o líder da banda joga no ar. Os dois novatos da cozinha, o baixista Cam Avery, que entrou no semestre passado, e o baterista Julien Barbagallo, que entrou no ano passado, fazem tudo funcionar com esmero, forçando os limites de seus instrumentos sem precisar apelar pro virtuosismo – Cam passeia pelas belas linhas de baixo compostas por Parker com tranquilidade enquanto Julien equilibra-se nas viradas lentas como um Ian Paice ou um Ginger Baker.
Mas todos trabalham por Kevin, que mesmo tento espasmos de deus do rock – erguendo a guitarra bem no alto, rodopiando, fazendo poses com o instrumentos – é um moleque que passeia feliz pelo céu de diamantes que resolveu habitar. Sem surpresas no repertório, ele esticou músicas em jam sessions memoráveis, intercalou fraseados com espasmos sonoros que fizeram o público no Jóia ficar de queixo caído. Ele adorou a audiência (que cantarolou riffs e solos), além de elogiar o fato da platéia saber a letra de todas as músicas. Um show memorável, mas que parece ser apenas o começo de uma carreira brilhante.
Fiz uns vídeos abaixo, saca só.
Não gostei de Cavalo. Ouvi a primeira vez com cuidado, a segunda com descrença e na terceira larguei no meio. Tem boas letras (nada excepcional) e bons momentos (três, sendo que “Maná” destoa muito do resto do disco, e pro bem), mas como disco, ele é morno, frouxo, preguiçoso, frágil. Mas vai que é o disco? Vai que funciona ao vivo? E foi com vários desses “vai que” coçando atrás da orelha que encarei o show de Amarante na quinta-feira da semana passada no Sesc Pompéia.
Quase dormi. De tédio. O show é sonolento e esparso – é o disco encarnado no palco. Não é por falta de talento: Amarante é bom músico, compõe bem, tem presença de palco e está com uma boa banda (metade do Do Amor – Gabriel Bubu e Gustavo Benjão -, um hermano, Rodrigo Barba, na bateria e o Lucas Vasconcellos no teclado), mas há uma timidez forçada, uma vontade de não aparecer, que é oposta às suas qualidades. Tanto que o show só foi engrenar lá pelo final, quando emendou uma versão para um clássico de Tom Zé (“Augusta, Angélica, Consolação”, que teve trecho da letra puxado para o século 21 de Steve Jobs, citando iPods e iPads entre as “outras bobagens” de seu extenso refrão) e atingiu a catarse sonora na ótima “Maná” – a primeira música do disco a dar as caras, ainda no semestre passado, e que driblou as expectativas de quem esperava um disco com mais chacundum.
Antes disso, músicas lentas e arrastadas, contemplativas e vazias, convidavam o público – surpreendentemente morno para um show de um ex-Los Hermanos – a entrar em alfa – mas, no meu caso, só me deu sono. A sensação de relaxamento piora quando Amarante deixa o violão, instrumento que já domina, para assumir sozinho os teclados, dando a impressão de que aprendeu a tocar na semana anterior ao show e que estava satisfeito com qualquer balbucio que cantarolasse sobre determinada seqüência de acordes. Há uma espécie de autodeslumbre que nega admitir-se, o que torna plausível as comparações com a fase Londres de Caetano Veloso, embora sem motivo real além do puramente estético. Caetano ao menos tinha saudade de casa…
Cavalo consagra o primeiro disco de um ex-Los Hermanos como fuga de um populismo natural que sempre incomodou a banda. Resolver não tocar “Anna Julia” nos shows, a estética samba-indie do Bloco do Eu Sozinho e radicalizada no indie-MPB do quarto disco do grupo foram passos diferentes desta negação, que pouco aflige seus pares de geração. Sou, o primeiro de Camelo, afirmou-se propositadamente distante, qualidade felizmente esquecida no segundo disco, Toque Dela. Amarante fez um caminho torto: juntou-se a uma trupe de gringos brasilianistas para lançar-se fora da banda dentro de outra, com o ótimo Little Joy. Mas ao aparecer sozinho, repete o nervosismo do primeiro disco de Camelo e refuga logo à saída – é parecido quando ele pede pra quase que tirar a luz do palco, para não aparecer. Atenção Amarante, você é um artista e está no palco, deixe-se iluminar. O disco – e o show, portanto – isola-se demais em si mesmo e perde-se em rascunhos de canções que até poderiam brilhar com menos falsa modéstia.
Entendo, é o primeiro disco solo, há um peso considerável. Mas é preciso assumir a responsa de ser um artista. Se o caso não for esse, melhor voltar a ser aquele cara que, depois de jantares nos apartamentos dos amigos, sempre assume o violão, canta umas versões e outras músicas próprias, que alguns acham fofo e outros acham chato. Estou no segundo time.
Abaixo, alguns vídeos que fiz do show.
O Bixiga 70 lançou seu segundo disco na semana passada no Sesc Pompéia – e pude comparecer à segunda noite (que o tecladista e arranjador Maurício Fleury arriscou dizer que estava melhor do que a primeira). Não há dúvida: a banda é uma das melhores coisas que aconteceram à música instrumental brasileira nesta década e é nítido que já deixaram a primeira fase – em que eram apenas a única banda de afrobeat de São Paulo – para trás. É claro que o caldeirão de grooves temperado pelo Bixiga ainda tem sabor inevitavelmente afro – culpa da percussão e time de metais -, mas agora eles estão rumo aos afluentes do fluxo principal, quando a Mãe África começa a parir a música caribenha, a cúmbia sulamericana, os ritmos jamaicanos, a black music dos EUA e o tapeçaria de referências de nossa música brasileira – há ecos de Tom Jobim, João Donato e Eumir Deodato na mesma medida em que pitadas de carimbó e guitarradas. A proeminência das guitarras chama atenção principalmente quando Maurício deixa os teclados e assume o dueto elétrico com o guitarrista Cris Scabelo, deixando os arpejos highlife conversarem com guitarras caribenhas e dedilhados paraenses. A mobilidade dos metais pelo palco – que ora vêm à frente para solar, ora agem como grupo e cercam determinados integrantes da banda – é contagiante e o público deixa-se levar. O amálgama de gêneros ferve num calor em que até Luiz Gonzaga soa psicodélico sem parecer alheio àquela poção que borbulha no palco. Um show de purificação que funciona como um santo remédio. Veja uns vídeos que fiz aí embaixo:
Assisti ao último dos dois shows do lançamento do novo disco do Emicida no meio desta semana (os vídeos já estão lá na TV Trabalho Sujo) e depois comento com mais sobre aquela noite. Antes disso, queria frisar a importância de seu novo O Glorioso Retorno De Quem Nunca Esteve Aqui, seu principal registro em disco. Em vez de expandir os horizontes do hip hop para outros gêneros musicais, Leandro Roque de Oliveira faz o caminho inverso, e convida outros gêneros – principalmente o samba – a entrar na arena em que hoje domina, a do hip hop nacional. O velho gênero, representado em diferentes escalas por pelo Quinteto em Branco e Preto, por Wilson das Neves, Tulipa Ruiz, Fabiana Cozza e Juçara Marçal, é o principal alvo do MC, disposto a provar sua importância e a registrar sua reverência num misto de empáfia e humildade que o tornam um dos principais nomes da música brasileira no século 21. Mas talvez o momento mais desconcertante do disco é quando ele dispensa convidados mais célebres e chama a própria mãe, Dona Jacira, para cantar em um momento único em que o drama épico do melhor do rap brasileiro ganha contornos familiares, íntimos e dolorosos, numa música que já tem seu espaço no cânone da canção brasileira. “Crisântemo” é da mesma estatura de “Deus Lhe Pague” de Chico Buarque, “Sinal Fechado” de Paulinho da Viola e “Tô Ouvindo Alguém me Chamar”, dos Racionais MCs. Emicida está no topo e ele parece saber para onde vai.
Abaixo, o vídeo que fiz da música na apresentação do Sesc Pinheiros.
Uma das melhores surpresas da música eletrônica brasileira nos últimos anos – o paulistano radicado em Brasília Pazes – lançou seu primeiro disco fora de nosso país no mês passado. O EP Sleeping Dolls saiu pela gravadora californiana Time No Place e já vem colhendo bons elogios – a Fact, por exemplo, chamou a faixa “Frozen”, gravada com os vocais da cantora turca Biblo, de “o que aconteceria se ‘Tick of the Clock‘, dos Chromatics, fosse gravada pelo Massive Attack”. Responsa:
Tive a satisfação de colocar o Lucas Febraro, nome de batismo do artista, na programação do Prata da Casa do ano passado. Foi o show mais vazio de todo o ano (não tinham vinte pessoas), mas também foi o show mais de vanguarda que passou por aquele palco em 2012. Dá uma sacada nesses vídeos que fiz, aí embaixo:
Depois de dois shows com o pé na música pop, o sonic youth Lee Ranaldo mostrou seu lado artsy ao se apresentar na semana passada no mesmo Sesc Pompéia em que mostrou seu disco solo mais recente, só que atravessando o lado da rua, no Teatro da unidade, e não mais na Choperia. Sozinho no palco do teatro, ele desbravou o terreno da microfonia e do barulho sem as muletas da melodia, do refrão ou de letras. Dedicou sua apresentação ao puro ruído elétrico, transformando sua guitarra em uma antena reverberadora de sons muito mais do que um instrumento musical. Mexendo nos botões dos pedais e de dois amplificadores espalhados pelo palco, ele usava um arco de violoncelo e baquetas para vibrar a eletricidade sonora pelas cordas da guitarra, além de arrastá-la no chão, pendurá-la numa corda no palco e girá-la sobre a própria cabeça. O teatro só tinha uma das metades abertas pois a apresentação – chamada “Sight Unseen” contava com uma apresentação em vídeo, feito pela esposa Leah Singer, projetada num telão atrás de Lee. O filme intercalava cenas de árvores ao vento a cenas de diferentes platéias em situações distintas, colando as imagens com sons de diálogos, ruídos de multidão e palavras repetidas. Na primeira performance, na terça-feira passada, ele ficou sozinho no palco e não sentou em momento algum. No dia seguinte, empunhou seu instrumento como guitarra por poucas vezes, convidou um grupo de percussionistas brasileiros (Maurício Takara entre eles) para tocar aleatoriamente ampliando o próprio caos elétrico, além de passear pelo público. Dois shows distintos e bem diferentes do que ele fez na semana anterior. Em comum, apenas o entusiasmo em conversar com o público ao final e, claro, paredes de microfonia, marca registrada do sujeito. Fiz uns vídeos aí embaixo, olha só:
O fim do Sonic Youth parece ter liberado seus integrantes do ruído e da microfonia – pelo menos foi isso que deu para entender a partir dos primeiros trabalhos que dois de seus fundadores lançaram. Demolished Thoughts, o segundo disco solo de Thurston Moore, lançado em 2011, era quase todo composto ao violão e a produção do Beck enfatizava o lado bucólico e solitário das canções. O de Lee Ranaldo, Between the Times and the Tides, também segundo disco, lançado no ano passado, também tinha maior foco em canções quase sessentistas de tão perfeitinhas. Mas os shows dos dois guitarristas no Brasil mostrou que o que eles gostam mesmo é de barulho. Thurston, em abril do ano passado, trouxe uma banda de apoio que meses depois se tornaria o Chelsea Light Moving, uma banda elétrica o suficiente para não ter nada a ver com o disco que a reuniu. Agora é a vez de Lee Ranaldo, que se apresenta no Brasil em quatro datas – duas no formato rock e a banda The Dust, e duas no formato arte, ao lado da esposa Leah Singer.
Na tradição do Sonic Youth, Lee Ranaldo era o cientista maluco, o desbravador das fronteiras da eletricidade sonora, enquanto Thurston era o maníaco do punk rock, o autor de “Teen Age Riot”. E por mais que seu disco mais recente soasse domesticado e pop, quando ele o trouxe para o palco da choperia do Sesc Pompéia, abria espaços entre refrões, introduções e letras para espasmos sonoros descontrolados e eufóricos, sendo acompanhado por músicos na mesmíssima sintonia de sua antiga banda – um deles, o mestre baterista Steve Shelley, eterno baterista do SY. O guitarrista Alan Licht ia da microfonia e ao discreto apoio ao líder da banda, enquanto o baixista Tim Luntzel criava contrapontos musicais impensáveis na formação do Sonic Youth, com um dedo no jazz e outro no rock clássico. Mas por mais que brilhassem como músicos, o holofote caía sempre em Lee Ranaldo.
Muito à vontade, ele não apelou para o populismo de tentar falar em português e assumiu que seu público entendia o inglês que falava – e não parava de falar. A cada nova música, conversava com a platéia explicando a origem da música (“Xtina as I Knew Her” era sobre sua colega adolescente mais promissora, uma pessoa que ninguém nunca mais sobre dela; “Shouts” foi composta a partir do movimento Occupy Wall Street, etc.) e todos reagiam como se estivessem assistindo a um velho conhecido contar o que fez da vida o tempo todo que esteve fora. Além das músicas do disco do ano passado, emendou algumas que ainda não existem em disco, como “Lecce”, “Keyhole”, “Fire Island (Phases)” e “Last Night on Earth”.
E matou a vontade do público brasileiro de ouvir suas faixas no Sonic Youth mesmo sem tocar nenhuma música da banda há mais de ano em seus shows. Na sexta-feira foi de “Genetic” e no sábado foi de “Karen Revisited (Karenology)”. No mesmo sábado ainda brincou com o público, anunciando “Teen Age Riot” antes de rir dizendo que era uma piada. E além do Sonic Youth, discorreu por outras versões, ao lembrar que, quando tinha apenas as músicas do primeiro álbum, gostava de tocar músicas que o influenciou – e para não perder a oportunidade, tocou “She Cracked” dos Modern Lovers na sexta-feira e outras três – “Everybody’s Been Burned” dos Byrds, “Thank You for Sending Me an Angel” dos Talking Heads e “Revolution Blues” do Neil Young – no sábado.
Ao final dos dois shows, correu para falar com os fãs. No primeiro dia, estava conversando com um amigo quando Lee Ranaldo, seguido de Steve Shelley, saiu correndo dos bastidores para o público, perguntando “cadê as pessoas?”. Conversou, tirou fotos e autografou discos – demorou tanto tempo que, no sábado, a casa de shows achou melhor organizar o encontro do lado de fora. E, mais uma vez, cruzei com ele quando estava saindo, ele fazendo a mesma pergunta (“cadê as pessoas?”) com os olhos esbugalhados e ar impaciente. Era ainda o mesmo cientista louco que tornou o Sonic Youth uma das bandas mais importantes de sua geração.
Agora é a vez de seus shows performáticos. Vamos ver o que acontece.
Fiz uns vídeos aí embaixo, saca só:
E por falar em Tame Impala, tava precisando escrever sobre eles (não só). Cheguei de volta das “minhas férias“, começou a rolar toda aquela onde de protestos e não pude recapitular o que assisti na gringa, nessas duas semanas que estive fora. Começo essa retrospectiva agora, lembrando alguns dos shows que vi no velho continente quando passei esses dias fora do ar – alguns desses shows que vi passarão pelo Brasil esse ano e uns deles merecem o bis. Primeiro comento alguns shows do Primavera para depois falar do festival como um todo – e do show do Neil Young. Mas começo pelo Tame Impala, um dos shows mais importantes da edição do evento nesse ano, da carreira da banda e de 2013 – lembrando que o Tame Imapala é um desses que volta ao Brasil ainda este semestre:
Todas estes adjetivos vêm do fato de que o Tame Impala foi o primeiro grande show do festival catalão. O Primavera começa com shows esporádicos nas noites anteriores à abertura oficial, que aconteceu numa quinta-feira e a banda de Kevin Parker marcava justamente este início, afinal era a primeira grande atração em seu palco principal. Em nítida ascendente evolutiva, é possível ver que a intimidade dos músicos com o palco e com a platéia ultrapassou aquela timidez simpática de seu líder que assistimos nos shows aqui no Brasil, há um ano. Kevin não ri mais de vergonha, mas de orgulho do que está fazendo em pleno 2013 – revivendo os anos áureos da psicodelia como se o Lennon de 67 tocasse com o Pink Floyd de 72. Não é mais uma referência ou uma citação – Kevin SABE que pertence a esse cânone technicolor com a grande vantagem de já ter visto o que de ruim pode acontecer com uma banda de rock clássico pelos motivos mais mesquinhos – dinheiro, mulher, álcool e drogas. Ele vive o sonho psicodélico da infância perdida como se ela nunca tivesse sumido – e o brilho da inocência pudesse chegar à maturidade intacto.
Ao contrário disso, ele entrega sua banda à fluidez do idioma lisérgio elétrico sessentista, intercalando riffs e solos como se tais fraseados instrumentais não fossem elementos à parte na estrutura da canção. Uma das grandes diferenças do Tame Impala que vimos no Brasil em agosto de 2012 para o Tame Impala no Primavera este ano era o fato de que a banda se sente mais à vontade como instrumentistas, não se prendendo necessariamente às canções. O show começou com o riff de “Led Zeppelin” que não deixou a canção começar – em vez disso, a introdução da faixa tornou-se apenas uma introdução à próxima música, “Solitude is Bliss”. E seguiu assim, com a banda criando pequenas vinhetas e alongando compridas jams sempre para voltar para suas músicas mais sólidas (principalmente as do segundo disco, Lonerism, que não foi tocado ao vivo nas apresentações daqui, fora “Elephant” e “Apocalypse Dreams”, as únicas faixas que haviam vazado na época).
A sinergia musical entre os cinco integrantes da banda é conduzida também pela guitarra (e pela presença de palco) de um Kevin cada vez mais seguro de si e dos rumos que tem tomado. É visível perceber que estamos frente a uma banda com um futuro brilhante pela frente, não é preciso muito esforço para imaginar que o terceiro disco talvez possa superar o impacto dos dois primeiros.
Mas basta o presente para sentirmos esperança – não no futuro do rock ou no da música pop, mas esperança pura e simples a partir do fato de que ainda há gente boa disposta a passar boas vibrações para mais gente e melhorar nossa estada neste planeta. E se essas vibrações vêm como o timbre de uma guitarra psicodélica, melhor ainda.
Fiz uns vídeos no show, saca aí embaixo. Há até o momento farofa-brasil quando o Mutlei puxou o corinho de “PROGUÊ, PROGUÊ” no momento mais “Set the Controls to the Heart of the Sun” do disco, procuraê: