A Disney apresentou sua grade de lançamentos para os próximos dois anos em uma convenção em Las Vegas e ela é dona de tudo que a gente vai ver no cinema daqui em diante – comentei isso lá no meu blog no UOL http://matias.blogosfera.uol.com.br/2015/04/24/a-disney-e-dona-de-tudo-que-voce-vai-ver-no-cinema-nos-proximos-anos/
A minha coluna na revista Caros Amigos do mês passado foi sobre a renascença do vinil na era digital e o Clube do Vinil que a revista Noize inventou.
O clube do vinil
Sucateado no Brasil graças a uma conjunção de fatores econômicos e tecnológicos, o velho LP vive uma nova renascença e uma revista gaúcha lançou até um clube do disco
Das transformações que o meio digital provocou no mercado fonográfico sem dúvida a mais lamentável foi o sucateamento do vinil. Isso aconteceu com força aqui no Brasil e mesmo antes da popularização da banda larga – que permitiu a troca desenfreada e gratuita de arquivos digitais – na virada do milênio. Os velhos LPs pararam de ser fabricados no país porque o truque chamado CD chegou ao Brasil em um momento específico que fez a nova mídia tornar-se uma mina de ouro para as gravadoras multinacionais instaladas aqui.
O CD foi inventado nos anos 80 com a promessa de ser uma revolução audiófila. O som digital, dizia-se à época, era superior ao analógico em vinil. O disco prateado trazia outras vantagens: armazenava uma duração maior de músicas e barateava uma série de etapas do negócio, embora ninguém alardeasse isso. Menor, mais leve e mais barato de ser fabricado que o vinil, o CD permitia que custos logísticos (como transporte e armazenagem) caíssem bastante. Mas a desculpa “audiófila” foi suficiente para encarecer o preço do produto final, que, no Brasil, chegou a custar 150% – em média – a mais do que o preço do LP no início dos anos 90.
A novidade obrigou fãs – lentamente transformados em ouvintes e, depois, consumidores – a comprar novamente discografias inteiras em detrimento de uma subjetiva melhoria de qualidade. E com a substituição, a tragédia: coleções inteiras de vinis foram desfeitas em nome do avanço tecnológico sobre a fruição musical.
Historicamente fazia sentido: os discos de acetato foram substituídos pelos de vinil, que criou a era do álbum e trouxe o LP para o topo da cadeia do mercado, superpondo-se aos compactos. Depois veio a fita cassete que adicionou a portabilidade ao negócio – era possível escolher que música ouvir tanto em aparelhos de som portáteis e no carro (antes só dava para ouvir rádio). O Walkman (inventado pela Sony no iníco dos anos 1980) e as boomboxes (aparelhos de som portáteis com entrada para dois cassetes) mudaram hábitos e locais de audição de música. Era natural que outras tecnologias viessem mudar a nossa relação com a música. Aí veio o CD.
No Brasil, a popularização do CD aconteceu num momento específico: o auge do Plano Real inventado no governo Itamar Franco. A mudança econômica abriu uma onda desenfreada de consumo em que o CD player tornou-se um dos itens mais procurados por novos consumidores. Grandes gravadoras multinacionais, de olho em um público que em outras épocas nunca havia comprado disco, nem pestanejaram e colocaram todo o foco de seu negócio em artistas de rápido consumo, vendidos apenas em CD.
Foi a otimização de um processo iniciado nos anos 80, com o rock brasileiro e continuado com a lambada, quando testou-se mudanças de cenário a partir da massificação de novos artistas em torno de um novo gênero. O mesmo processo foi azeitado no início dos anos 90 com a triade sertanejo-axé-pagode veio que consolidou esse modus operandi, que fazia gravadoras mirar em artistas que vendiam muito rápido e traziam outros tantos artistas menores no vácuo. Eram discos que tinham uma ou duas músicas massificadas através do rádio como se fossem jingles (e eram, se você pensar que uma música, naquela época, era vista como um comercial para a venda de um produto, o disco), que vendiam CDs a rodo e sem a menor preocupação da criação de catálogo. Os executivos das gravadoras nos anos 90 só queriam saber de números e a qualidade musical da produção fonográfica da época cai ao mesmo tempo em que recordes de vendas de discos eram quebrados a cada ano.
Um dos efeitos colaterais disso foi o sucateamento das fábricas de vinil, que durante os anos 90 começaram a minguar e a ficar com os mercados de nicho que ainda lidavam com LPs, como o de música religiosa. O tocadiscos desapareceu dos lares brasileiros e junto com eles coleções inteiras foram parar em sebos de discos, muitas vezes vendidos a preço de banana quando não jogados fora.
Enquanto isso os vinis seguiam sendo vendido no exterior, embora numa proporção cada vez menor e, ironicamente, sendo comprados por um público cada vez mais interessado na qualidade sonora do LP, a mesma que, em tese, seria melhor no CD.
O LP começou o século 21 no Brasil literalmente no lixo. Coube primeiro a uma geração de novos fãs de música e velhos DJs a tarefa de manter o disco girando. A renascença do vinil começou a acontecer no exterior na metade da década passada, na medida em que a música digital ultrapassou o CD como formato. Velhos fãs sentiam a falta do elemento táctil no disco, novos fãs se encantavam com capas enormes e com o ritual de parar para ouvir música. A onda motivou a reabertura da última fábrica de vinis a fechar no Brasil, a Polysom, que começou a oferecer seus serviços para gravadoras que queriam reeditar clássicos e novos artistas que se ouvir em vinil.
Uma novidade específica pode alavancar ainda mais este cenário por aqui. A revista gaúcha Noize, que completa oito anos neste mês de março, deu uma guinada em sua linha editorial e criou um modelo de compra de discos chamado Noize Record Club. É isso mesmo: um clube do disco em que o assinante paga para receber discos de bandas brasileiras – em vinil – em casa.
“Há dois anos, já fazemos cada edição com um tema específico”, explica Rafael Rocha, um dos sócios da revista. “Com o clube, transferimos esses temas para o tema do disco do mês, que rege as matérias no editorial. Batemos muito em cima da reformulação da experiência de se escutar música. Com uma publicação inteira feita em cima do tema do disco, acreditamos que além de fazer o público parar para escutar música,estamos entregando uma nova forma de encarar o disco.”
O Clube foi lançado no fim do ano passado e já trouxe discos do grupo Apanhador Só e da Banda do Mar, de Marcelo Camelo e Mallu Magalhães. O processo de curadoria é interno e leva em conta “a exclusividade em cima dos títulos que serão lançados”, continua Rafael. Para saber mais informações, basta entrar no site do clube: http://www.noize.com.br/recordclub/
Falei sobre a renovação das séries Três é Demais e Demolidor no Netflix, que se tornou mais valioso do que a ABC e a Viacom neste início de 2015, em meu blog no UOL http://matias.blogosfera.uol.com.br/2015/04/22/netflix-ja-vale-mais-do-que-as-maiores-emissoras-de-tv-aberta-e-fechada-dos-eua/
Duas especulações que haviam sido cogitadas aqui neste blog foram confirmadas esta semana: além da confirmação da nova temporada do seriado Três é Demais, também foi anunciada a segunda temporada da série Demolidor. Os endossos têm a mesma fonte: o serviço de vídeo sob demanda Netflix, que irá produzir e exibir as duas novas temporadas, e chegam ao mesmo tempo em que a marca exibe seus músculos financeiros.
As ações do serviço dispararam no recém-fechado quadrimestre e a marca conseguiu crescer 14,7% nos últimos meses, segundo um relatório divulgado pelo site Deadline. Assim, o preço de mercado do Netflix sobe para US$ 32,9 bilhões, tornando o serviço mais valioso que o canal aberto mais caro dos Estados Unidos (a CBS, que avaliada em US$ 30,6 bilhões) e que a principal produtora de TV por assinatura do país (a Viacom, dona da MTV e do Nickelodeon, avaliada em US$ 28,8 bilhões).
O valor de mercado atingido pelo Netflix, óbvio, não diz respeito apenas às suas produções, que incluem hits como House of Cards e Orange is the New Black e as continuações de seriados que foram cancelados na TV a cabo, como The Killing e Arrested Development. O serviço cresce por oferecer um formato de consumo de conteúdo mais próprio da era digital do que o que é oferecido pelas TVs aberta e por assinatura.
As pessoas lentamente percebem que não precisam estar na frente da televisão num horário pré-estabelecido para assistir ao que querem. O formato sob demanda – que o espectador diz quando quer assistir o quê – ainda tem uma série de problemas para serem resolvidos (quem nunca perdeu vários minutos procurando o que assistir?), mas é irreversível. A TV tradicional só vai ter o monopólio da atenção em eventos ao vivo, sejam esportes ou notícias. E por enquanto.
A esperteza do Netflix, no entanto, está no fato de surfar essa boa onda financeira produzindo conteúdo. Podiam investir no serviço em si, em melhorias na interface, na navegação, em curadorias de filmes e em qualidade de transmissão. Preferem fidelizar seu público aproveitando os dados de audiência que conseguem levantar com mais precisão do que qualquer canal (afinal o espectador só assiste o que quer) e produzem seriados de acordo com o gosto que detectam a partir dos números de suas próprias exibições.
É um comportamento bem diferente de serviços similares em outras mídias. Ainda não ouvimos falar do Spotify bancando discos de artistas, por exemplo, embora a própria Amazon já tenha detectado essa tendência e começado ela mesma a produzir seus próprios seriados. E a colher frutos disso, como foi o caso da série Transparent, que ganhou dois Globos de Ouro (melhor série de comédia e melhor ator de série de comédia) no início deste ano.
E isso é só o começo de uma mudança ainda mais drástica que seguiremos acompanhando nos próximos anos…
Escrevi sobre uma estranha coincidência – proposital – entre os filmes da segunda fase da Marvel e Guerra nas Estrelas lá no meu blog do UOL: http://matias.blogosfera.uol.com.br/2015/04/23/alguem-percebeu-a-referencia-a-guerra-nas-estrelas-na-fase-2-da-marvel/
O líder do Superchunk e dono da gravadora Merge Mac McCaughan vem ao Brasil pela quarta vez lançar o primeiro disco que lança com seu próprio nome. O disco Non-Believers também está sendo lançado pelo selo brasileiro Balaclava Records, que organiza seu primeiro festival no Centro Cultural São Paulo com direito a shows dos norte-americanos Shivas, dos brasileiros Shed e Soundscapes, além do show de Mac, que acontece no sábado. Conversei com ele por telefone há alguns dias e a íntegra do papo saiu no site da Ilustrada.
‘Papa’ do indie e líder do Superchunk, Mac McCaughan lança disco em SP
Um dos papas da cultura indie norte-americana apresenta-se em São Paulo no próximo sábado (25). Mac McCaughan, 47, atravessou os anos 1990 como a voz e uma das guitarras do Superchunk, uma das bandas mais autossuficientes do underground. E, ao lançar seus próprios discos, consolidou a reputação de sua gravadora, a Merge, no século atual.
A Merge entrou nos anos 2000 colhendo os frutos plantados na década anterior e atingiu o topo das vendas ao emplacar o grupo Arcade Fire como um dos principais nomes do música pop – e não apenas indie – atual.
A gravadora ainda conta com outros nomes de peso, como Spoon, Caribou e She & Him, além de queridinhos da crítica como M. Ward, Lambchop, Neutral Milk Hotel e Camera Obscura. Sem falar dos veteranos do rock alternativo, como Lou Barlow, Stephin Merrit, Dinosaur Jr. e Robert Pollard.
É nesta última categoria que McCaughan entra para o elenco da própria gravadora, ao lançar o primeiro álbum com seu próprio nome, depois do último disco do Superchunk, “I Hate Music” (2013) e de seu projeto solo, Portastatic.
“Non Believers” acaba de sair nos EUA e será lançado primeiro no Brasil no Balaclava Fest, que acontece neste final de semana (25 e 26) no Centro Cultural São Paulo.
Em entrevista por telefone à “Ilustrada”, Mac falou da quarta vinda ao Brasil – a primeira sem o Superchunk – e da evolução da cena indie no Brasil, além de falar sobre a sonoridade de seu primeiro disco solo e a busca por autenticidade fora da internet. Leia, abaixo, os principais trechos da conversa.
O Superchunk veio ao Brasil pela primeira vez em 1998, quando pouquíssimas bandas indies de fora daqui se arriscavam a fazer turnês no país – algo que se tornou corriqueiro nos últimos 15 anos. Você consegue perceber essa evolução?
É bem interessante notar isso, na verdade. Fomos ao Brasil pela primeira vez graças aos esforços do Jefferson [Santos] e Marcos [Boffa] da Motor Music, que ficava em Belo Horizonte. Eles haviam levado o Fugazi para aí e o Ian [McKaye], falou que a gente precisava ir também, mas devíamos saber que era como excursionar com uma banda punk nos Estados Unidos em 1978. Ele disse que não havia lugares específicos para tocar. Às vezes eram casas de shows de rock, mas às vezes eram restaurantes, cafés, bares, o que fosse. E ele disse que isso era incrível, e é claro que queríamos ir.
Nos sentimos com muita sorte por termos tocado aí da primeira vez, acho que foi em 1998. Voltamos logo em 2000, e depois em 2011. Sempre nos divertimos aí. Estou feliz por ir a São Paulo nesta semana, mas gostaria de voltar e tocar em alguns dos lugares que tocamos há muito tempo, em cidades pequenas, que não são tão pequenas e sim grandes, mas de que eu nunca tinha ouvido falar.
Acho que agora é bem mais comum ter bandas excursionando por aí em todo tipo de festival. Muitas bandas da Merge já tocaram aí desde que nós tocamos no Brasil pela primeira vez. E agora acho que as coisas estão bem mais, digamos, profissionais.
Mas o que nos deixou mais impressionados desde a primeira vez foi o entusiasmo das pessoas em nossos shows. Não tínhamos nenhuma expectativa em relação a saberem nossas músicas, mas as pessoas sabiam todas as letras, basicamente por causa da internet, e isso foi muito cedo em relação ao acesso mundial das pessoas à rede. Foi ótimo.
Você já havia pensado em como a internet poderia mudar a relação entre músicos e fãs?
Acho que uma das primeiras vezes que pensamos nisso foi após o primeiro show que fizemos em São Paulo. Ficamos impressionados porque era tão difícil comprar nossos discos aí e mesmo assim as pessoas sabiam todas as letras. O lado ruim disso é que você pode saber todas as músicas sem nunca ter comprado um disco [risos], o que torna difícil ter uma banda. O mesmo aconteceu há alguns anos, quando voltamos depois que gravamos o disco “Majesty Shredding”.
Por que lançar um disco com seu próprio nome quando você já tem o Superchunk e lançava discos como Portastatic?
Acho que a resposta fácil é que quis tornar as coisas mais simples. Quando comecei a gravar com o nome de Portastatic, o Superchunk estava fazendo seu próprio som. Mas eu queria poder gravar outro tipo de som, em casa, um som mais calmo, fazer coisas diferentes que não eram definidas como sendo de uma banda de rock.
E assim o Portastatic me serviu com o bom propósito de ser uma existência paralela ao Superchunk nos anos 1990 e 2000. E quando o Superchunk parou em 2002, o Portastatic tornou-se uma banda de rock. Mas ainda era um bom lugar para experimentar músicas e sons diferentes.
E, nos últimos anos, quando o Superchunk voltou à ativa, gravando discos e fazendo shows, comecei a fazer apresentações solo com meu próprio nome, porque cheguei num ponto em que posso tocar músicas do Superchunk e do Portastatic, todas misturadas no mesmo setlist.
Acho que sem ter essa regra que adotava, que separava o que era para o Superchunk e o que era para o Portastatic, cheguei a um ponto mais divertido e mais simples para mim se eu as tocasse solo. E se eu estava fazendo shows com meu próprio nome, deveria gravar discos com meu próprio nome também, em vez de continuar com essa coisa à parte do Portastatic.
Resisti a essa ideia por muito tempo, acho que ter um nome de banda é mais cool [risos], mas cheguei num ponto em que eu tenho de aceitar que é o meu nome. Mesmo que ninguém vai aprender a soletrá-lo ou pronunciá-lo corretamente, é o nome que eu tenho.
Quando você começou a gravar o disco?
Comecei a trabalhar nele no ano passado, provavelmente na primavera [do hemisfério norte, entre março e junho], bem no começo. Fui terminá-lo no outono. Gravei e mixei todo o disco em casa, além de tocar tudo exceto em uma música, “Our Way Free”, em que eu não consegui fazer a bateria soar como eu queria que ela soasse.
Tentei diferentes baterias eletrônicas, tentei eu mesmo tocar bateria, mas não estava me sentindo satisfeito e quase tirei essa faixa do disco. Porém, mandei a música para o Michael Benjamin Lerner, da banda Telekinesis, que também grava pela Merg. Perguntei se ele podia ser o baterista naquela música. Ele me mandou de volta um mix em que basicamente havia acertado de primeira. Ele meio que salvou essa música. A Annie Hayden, que era do Spent, e Jenn Wasner, do Why Oak, cantam em uma música.
Mas no fundo era só eu mesmo, o que é um dos motivos para levar tanto tempo em um disco solo, em que você pode trabalhar em seu próprio ritmo. É uma das coisas legais disso. Eu tinha bem mais músicas do que as que acabaram no álbum, mas quando eu entendi qual era o mundo sonoro que eu estava fazendo, tirei as faixas que não se encaixavam nele. Ao fazer discos eu ainda quero ter um sentimento unificado – não que todas as músicas tenham que soar iguais, mas elas têm de funcionar juntas.
Li que você havia gravado o disco falando de uma sentimento nostálgico em relação a uma determinada época na música…
Não é propriamente nostalgia, mas poder explorar um tipo de música que descobrimos a uma certa idade e que ainda tem algum tipo de ressonância ou ainda criam uma emoção a que você ainda se apega. A maioria das coisas que você ouvia quando tinha 14, 15 anos e que ficam por toda a sua vida.
Já ouvi falar que o gosto musical das pessoas amadurece aos 23 anos.
Acho que isso tem uma certa verdade, porque quando eu tinha 23 anos era 1990, mas eu estava ouvindo muitos discos de 1985 em vez dos de 1990 [risos]. Mas acho que o disco explora esse período de tempo do início dos anos 80, quando houve muita transição na música e as pessoas começaram a sair do punk rock para outro lugar, mas eles não sabiam para onde e por isso experimentavam sons e instrumentos diferentes, a que não tinham acesso antes.
Quando eu estou gravando um disco e pego um instrumento que não sei tocar – ou mesmo uma guitarra ou teclado que nunca havia usado –, quase sempre isso funciona como um ótimo ponto de partida para compor uma música . E sinto a mesma coisa em relação a esse período, essa época em que as pessoas tinham essa nova tecnologia, mas não sabiam como dominá-la. E assim muita música interessante foi criada. Era nessa época em que eu pensava quando gravei o disco.
Um tipo de som que não tinha rótulo antes dos anos 1990, que depois começou a ser referido como “alternativo” ou “indie”.
É engraçado, quando eu estava no segundo grau, se referiam a bandas como R.E.M. como sendo “college rock”, porque as rádios college [universitárias] eram os lugares em que era possível ouvir essas bandas. Depois, isso virou “rock alternativo” ou outra coisa do tipo. Mas eu não me importava que nomes teriam, porque nessa época eu vinha ouvindo bandas que ainda gosto, como o The Who, os Rolling Stones, o AC/DC.
Eram essas bandas que eu ouvia quando tinha 12 anos. E quando você começa a ouvir punk rock ou new wave, tudo soava totalmente radical e novo que você não precisava de um nome especial para isso. Era apenas tudo diferente, sabe? Para nós, talvez por morar em uma cidade pequena [o Superchunk é de Chapell Hill, na Carolina do Norte], nunca nos prendemos a um rótulo ou outro.
Gostávamos de tudo: das bandas hardcore, R.E.M., Smiths, New Order. Gostávamos de tudo porque era tudo bem diferente do que tínhamos acesso antes
Mas me referia ao fato de que, antes destes rótulos, os fãs dessas bandas se reconheciam por identidade estética. As pessoas ficavam amigas porque gostavam dos mesmos discos que pouca gente escutava
Sim, era muito importante para a gente, especialmente por viver em um lugar que não era Nova York. Você não podia ir lá ver qualquer banda ou comprar qualquer disco, você tinha que ir lá e descobrir as coisas no boca a boca, como você está falando, por meio de uma comunidade que gostava das mesmas bandas.
Você acha que essa sensação de comunidade que existia antes na música acabou?
Acho que em algum nível isso ainda existe, mas você tem que trabalhar ainda mais pesado para descobrir. Porque tudo está disponível o tempo todo on-line. Então, para descobrir coisas no meio disso tudo, você precisa encontrar pessoas comprometidas com a música, que mantêm um certo entusiasmo por alguma banda. Não acho que tenha desaparecido, acho que só é mais difícil de encontrá-las. De alguma forma isso pode ser expressado on-line, no Tumblr ou no blog de alguém. E tudo bem, mas quando essa comunicação acontece pessoalmente é mais eficaz.
E como você trabalha com isso, sendo dono de uma gravadora?
Temos que usar todas as ferramentas, o que inclui a internet, para encontrar as pessoas que achamos que irão gostar do disco e poderão trazer o máximo de pessoas para aquele trabalho.
Mas gerar esse entusiasmo e essa conexão ainda é algo muito pessoal. Há duas bandas da Merge que acabaram de lançar discos – Waxahatchee e Moutain Goats – e elas são exemplos de artistas que, quando você vai vê-los, percebe que as pessoas que estão os assistindo não ouviram falar da banda num site e foram ver o show.
São fãs, muito leais, muito envolvidos. Ouviram muito os discos, estudaram as letras e tudo mais. Acho que isso é uma emoção importante de manter entre as pessoas engajadas e apoiando artistas e bandas de que gostam.
Para terminar, como é o formato do show aqui em São Paulo? Pode pedir para tocar Superchunk?
O show é basicamente eu sozinho, só que estarei tocando guitarra. Então será um show solo elétrico e eu vou tocar músicas do disco novo e do Superchunk. Provavelmente esta semana vou perguntar para as pessoas no Twitter se elas têm pedidos e vou tentar tocar o que elas querem ouvir. Toco muitas coisas, tanto músicas novas quanto velhas.
BALACLAVA FESTIVAL
Quando sáb. (25) e dom. (28).; Mac McCaughan se apresenta no sábado
Onde Centro Cultural São Paulo – r. Vergueiro, 1.000, Paraíso, São Paulo, tel. (11) 3397-4002
Quanto de R$ 10 (meia) a R$ 20
Reuni as informações que já saíram sobre o próximo filme do Guerra nas Estrelas lá no meu blog do UOL: http://matias.blogosfera.uol.com.br/2015/04/21/tudo-que-ja-sabemos-sobre-o-novo-episodio-vii-de-guerra-nas-estrelas/
Desde a súbita aparição do segundo teaser do Episódio VII de Guerra nas Estrelas na quinta-feira passada à confirmação do roteiro, título e data de lançamento de um novo filme da saga que não está na nova trilogia, no domingo, aprendemos uma série de novidades sobre o que esperar dos próximos capítulos da saga idealizada por George Lucas. A convenção Star Wars Celebration, que aconteceu durante o fim de semana na cidade de Anaheim, na Califórnia, trouxe uma série de novidades sobre o futuro dos filmes.
- Leia mais:
Assista ao trailer de mais um filme da série Guerra nas Estrelas: Rogue One
Porque J.J. Abrams é o cara certo para fazer o novo Guerra nas Estrelas
Sabemos que, como a trilogia original, a nova também deve basear-se em um trio de personagens: o ex-Stormtrooper Finn (vivido pelo inglês John Boyega), a catadora de lixo Rey (vivida pela inglesa Daisy Ridley) e o piloto Poe Dameron (vivido pelo norte-americano Oscar Isaac). Reunindo as poucas imagens e informações que foram reveladas sobre o início do filme, o Episódio VII deve começar em um novo planeta chamado Jakku (“vodu é pra jacu”, já nos dizia o Picapau). Deserto como Tatooine, o novo cenário é onde estão os dois enormes cruzadores abatidos revelados no teaser mais recente. Sim, são dois: o que vemos no início do trailer caiu com casco para baixo, enquanto o segundo, que aparece mais ao final, se você reparar está virado com o casco para cima.
Uma cena do novo teaser também mostra um TIE fighter, o caça do Império, atirando contra Stormtroopers, os guardas do mesmo Império. Tudo indica que essa cena está bem no início do filme e pode estar ligada ao fato de que quem pilota o caça TIE é Finn, que apareceu vestido como Stormtrooper, desorientado no deserto no primeiro teaser, lançado ainda no ano passado. Alguma coisa aconteceu com Finn que ele optou por desertar a guarda imperial, roubando um caça e fugindo para longe do Império. De alguma forma seu caça cai no novo planeta e ele encontra-se com Rey, que parece viver coletando sucata das naves imperiais caídas em seu planeta.
Há uma forte especulação que Rey seja não apenas a verdadeira protagonista da nova série, como também a descendente dos Skywalker, que carrega a Força em sua genética. Talvez como Luke Skywalker no Episódio IV, ela não saiba nada sobre sua nobre descendência e tenha passado o início da vida se virando por conta própria. O novo Episódo mostraria como ela descobre que pode ser uma Jedi, ao mesmo tempo que poderia iniciar um romance com Finn… ou Poe.
Poe Dameron é o piloto que grita a bordo de uma nave no novo teaser. Oscar Isaac, protagonista do filme mais recente dos irmãos Coen (Inside Llewyn Davis: Balada de um Homem Comum), vive o que parece ser o equivalente de Han Solo nos próximos três filmes. Dameron foi apresentado na convenção do fim de semana descrito por seu próprio ator como sendo “o melhor piloto da galáxia”, o que poderia indicar que o “estamos em casa” dito por Han Solo (Harrison Ford) no final do teaser esteja mais relacionado ao fim de sua aposentadoria do que a chegada em algum planeta (como seu próprio planeta-natal, Corellia) ou à Falcão Milênio. Repare que quando Han Solo e Chewbacca aparecem, eles estão de armas em mãos, prontos para atirar, mesmo que Han sorria como se nada estivesse ocorrendo (típico dele, aliás). Algo aconteceu e o nosso querido Han felizmente saiu de sua reclusão como um velho caubói e possivelmente vai se incomodar ao saber quem alguém lhe tirou o título de melhor piloto por aquelas bandas.
Luke Skywalker (Mark Hammill) também parece ter sumido de cena, o que explicaria o fato de sua mão biônica, colocada no lugar da que foi decepada no clássico duelo em que Darth Vader revelou ser seu pai, estar sem a pele artificial exibida em todo o Episódio VI.
A celebração ao final do Retorno de Jedi também não significou o fim do Império. A queda de Darth Vader e do Imperador Palpatine foram uma importante vitória, mas não derrubou a força política que dominava as galáxias. Agora rebatizado de Primeira Ordem, o novo Império apresenta uma nova insígnia e novo desenho tanto para suas naves quanto para os Stormtroppers. A Aliança Rebelde também mudou de nome e agora chama-se Resistência, embora não haja a menor notícia sobre o que poderia ter causado as duas mudanças de nomenclatura.
O vilão do sabre de luz em cruz que apareceu no primeiro teaser é mostrado de frente neste teaser mais recente. Kylo Ren a princípio foi especulado como sendo um mero caçador de recompensas (o que explicaria o capacete de Darth Vader mostrado no teaser mais recente), mas quando o novo vilão olha para a câmera, ele ergue sua mão como se pudesse usar a Força. Talvez ele não seja apenas um mercenário e sim um sobrevivente da dinastia Sith.
O sabre de luz que vemos trocando de mãos no teaser mais recente é o mesmo que despencou junto com a mão de Luke na melhor cena do Episódio V e poderia ser um dos motivos da aventura ser retomada naquele momento específico. Aparentemente são duas mulheres que trocam a arma: uma delas seria a Princesa Leia (Carrie Fischer) e a outra poderia ser Ren, se não fosse o fato de que nenhuma das duas parece estar usando o traje de Ren nas cenas que já foram exibidas, o que indicaria a participação de uma terceira personagem feminina.
O novo filme ocorre cerca de 30 anos após os acontecimentos de Retorno de Jedi e é meticuloso ao basear-se em detalhes específicos da trilogia favorita dos fãs para que eles sobrevivam e façam sentido nos novos filmes.
Além do Episódio VII, que estreia em todo o mundo no próximo mês de dezembro, a saga ainda terá um novo filme, parte de uma nova série de aventuras chamada Star Wars Anthology. No primeiro destes filmes, Rogue One, que estreará no primeiro semestre do ano que vem, acompanharemos a Aliança Rebelde se infiltrando na Estrela da Morte para roubar os segredos militares da principal arma do Império, em acontecimentos que ocorreriam antes do Episódio IV, que nos apresenta a Luke Skywalker. Mas este seria apenas o primeiro filme de uma série que poderia mostrar vários outros personagens da série clássica em contextos passados ou futuros: a adolescência de Han Solo, o treinamento de Yoda, o destino de Bobba Fett, batalhas específicas das Guerras Clônicas, etc.
Star Wars Celebration também nos apresentou ao Grupo de História, da Lucasfilm, uma divisão criada inteiramente para manter a coesão entre os diferentes aspectos de toda a saga, criando coesão entre filmes, games, livros, quadrinhos, séries de TV (é…) e desenhos animados. A partir disso não é difícil imaginar que além dos quatro filmes já anunciados (os próximos três Episódios e o primeiro Anthology), o time montado por George Lucas já está cogitando um assalto aos cinemas em longo prazo, que pode incluir novos formatos e títulos, como Marvel, DC e tantos outros produtores de conteúdo vêm fazendo – expandindo seu universo para que ele faça sentido em todas as plataformas possíveis.
Aquela história de transmídia que eu vinha falando…
Neste domingo foi revelado o nome, a sinopse e a data de estreia do primeiro filme Guerra nas Estrelas fora das três trilogias (Caravana da Coragem não conta, né?). Rogue One se passa numa época em que os Jedi eram dados como extintos e a Aliança Rebelde planejava roubar os planos da Estrela da Morte. Falo mais desse novo filme e indico o trailer que vazou lá no meu blog do UOL: http://matias.blogosfera.uol.com.br/2015/04/19/assista-ao-trailer-de-mais-um-filme-da-serie-guerra-nas-estrelas-rogue-one/
Nem bem nos recuperamos do segundo teaser do próximo episódio de Guerra nas Estrelas e eis que surge online mais um teaser de um novo filme. O primeiro filme que não faz parte das principais trilogias da saga criada por George Lucas foi apresentado neste domingo e chama-se Rogue One, anunciado como o primeiro de uma série de filmes sobre aquele universo batizada de Star Wars Anthology. O trailer foi filmado por um espectador do anúncio, que aconteceu no evento Star Wars Celebration, que termina hoje na Califórnia, nos EUA, e já caiu na internet, veja abaixo:
O filme será dirigido por Gareth Edwards (que fez o fraco remake de Godzilla do ano passado) e estreará no dia 16 de dezembro de 2016, mas ainda não começou a ser filmado. No teaser, ouvimos apenas a voz do ator Alec Guiness – o imortal Obi-Wan Kenobi – explicar que “por mais de mil gerações os Cavaleiros Jedi foram os guardiões da paz e justiça na Velha República. Antes das trevas. Antes do Império.” A Lucasfilm também apresentou a sinopse do novo filme, que conta como um grupo de pilotos da resistência planeja invadir o quartel general do Império para roubar os planos para a construção da maligna Estrela da Morte. O filme acontece pouco antes dos acontecimentos do Episódio IV, o primeiro filme da saga, numa época em que os Jedi são dados como extintos.
Vamos ver se este vazamento confirma uma tendência que obriga os autores a publicar a versão definitiva online uma vez que uma versão não-autorizada aparece na rede. Isso começou com o vazamento do primeiro trailer do novo Vingadores no final do ano passado. O trailer seria exibido após um episódio de Agents of S.H.I.E.L.D., mas devido ao vazamento na semana anterior, ele foi lançado quase que imediatamente no canal do YouTube da Marvel. A segunda vez que isso aconteceu foi na semana passada, quando o teaser do próximo filme do Super-Homem com o Batman, que seria exibido em sessões específicas no cinema, apareceu online na quinta passada (com legendas em português do Brasil). A reação da Warner/DC também foi divulgar o teaser na internet em menos de 24 horas depois. Marvel e DC já mostraram que não dá pra brigar com a internet, vamos ver se a Lucasfilm entra nessa. Acho que ela aceita, uma vez que o que vemos no curta não revela nada sobre o filme – apenas instiga a curiosidade. O que pra eles é ótimo.
O UOL me chamou pra cobrir o show em que Roberto Carlos comemorou seus 74 anos e o evento foi exatamente o que espera-se de um show de Roberto Carlos: http://matias.blogosfera.uol.com.br/2015/04/19/roberto-carlos-completa-74-anos-com-o-mesmo-show-de-sempre/
Roberto Carlos completa 74 anos neste 19 de abril de 2015 e para comemorar seu aniversário armou sua aldeia itinerante no novo estádio Palmeiras na noite de véspera, no sábado. Tanto faz se for a primeira ou a última vez que se vê uma de suas apresentações: um show de Roberto Carlos é exatamente aquilo que se espera de um show de Roberto Carlos. Nem a comemoração do aniversário é capaz de fazê-lo fugir do riscado.
Eram 50 mil pessoas sentadas apreensivas pelo encontro com o nome mais popular da música brasileira do século passado, seja nas arquibancadas ou nas milhares de cadeiras brancas de plástico espalhadas pelo campo, devidamente numeradas. A pista era dividida em três áreas VIPs – a mais próxima do palco com direito a bebida liberada – e antes do show começar, anúncios dos outros negócios do cantor capixaba apareciam no telão – de um empreendimento imobiliário a um cartão de crédito Roberto Carlos.
Pop é repetição e o fã de música pop é conservador. Roberto Carlos sabe disso e propõe que seu show nunca mude, materializando-se na repetição amplificada dos mínimos detalhes de sua persona pública. Antes mesmo de pisar no palco, sua banda já anuncia o clima de saudosismo da noite, começando com uma versão reverente de “Como é Grande O Meu Amor Por Você” seguida por um medley instrumental que inclui “Detalhes”, “Jesus Cristo” e músicas que infelizmente não foram tocadas durante a noite: “Cavalgada”, “Guerra dos Meninos”, “As Curvas da Estrada de Santos”, “É Preciso Saber Viver” e “Se Você Pensa”. É como se a banda estivesse criando um campo de força para preservar a entrada de seu líder.
Rápida pausa e um locutor que poderia ter saído de um bingo ou de um circo anuncia: “Senhoras e senhores… Com vocês… Robeeeerto Carlos!” A banda nem pisca e esparrama a inconfundível melodia de “Emoções” com toda a pompa dedicada à chegada de seu soberano. Roberto Carlos entra no palco sorrindo, de calça e blaser brancos sobre uma camisa azul com a gola desabotoada. Curva-se para saudar o público, vira-se de volta para a banda, aplaudindo-a. O estádio murmura um êxtase idoso – é possível distinguir alguma histeria, mas ela é só alguns decibéis acima do pleno papo que misturava-se ao som de big bands do som ambiente antes do show começar. Roberto Carlos ajeita o microfone com aquela pegada clássica, mão direita no aparelho, mão esquerda no pedestal. Cumprimenta seu maestro Eduardo Lages e a banda para. Aí sim o público berra.
A nossa “My Way”
Ele espera os gritos diminuírem e, como faz há anos, fala que “eu quero dizer uma coisa pra vocês” antes de arrebatar nossa “My Way”: “Quando eu estou aqui…” entoa para delírio do público presente, num momento tão óbvio quanto épico.
O show que vem a seguir é um jogo de cartas marcadas. Depois de “Emoções” ele continua, como sempre, com a sequência “Eu Te Amo, Eu Te Amo, Eu Te Amo” e “Além do Horizonte” para logo mais tocar “Detalhes” ao violão – encerrando a noite, como sempre, com a dupla “Como é Grande o Meu Amor Por Você”, “Jesus Cristo” e o encontro com o público, distribuindo rosas e recebendo presentes. Todo show tem “Lady Laura”, “Canzone Per Te” e o discurso sobre o prêmio no festival italiano de Sanremo em 1968 (ano que ele não menciona para não lembrar da idade), “Calhambeque”, “Nossa Senhora”, “Proposta” e umas duas músicas novas (no caso “Mulher Pequena” e a inevitável “Esse Cara Sou Eu”). É de uma previsibilidade descomunal – e o público é cúmplice, porque é exatamente isso que ele quer.
São canções que fazem parte da formação de qualquer brasileiro adulto, todos nós sabemos cantar ao menos o refrão. As piadas e histórias contadas por Roberto Carlos são sempre da mesma estirpe, entre o humor “tiozão do pavê” e a jovialidade de “vovô garoto”. Ele nem sequer mencionou a própria idade, ao referir-se ao aniversário. O riso acanhado é indefectível como todo o gestual – o dedo em riste, as palmas que acompanham o tempo da música, os braços abertos, a baixada de cabeça com os olhos fechados, a imortal dança com o pedestal do microfone: tudo em Roberto Carlos é clássico porque é clichê e é clichê porque é clássico. É uma espécie de porto seguro sentimental para o brasileiro com mais de 30 anos.
Zona de conforto
Essa era idade média da audiência – nascidos antes dos anos 80, em muitos casos, bem antes. Casais e grupos de amigas eram a maioria, além de inevitáveis encontros de gerações de parentes. A segurança emocional passada por Roberto Carlos é necessariamente familiar, por isso pequenas famílias de pais idosos e filhos adultos também povoavam o estádio para repetir pessoalmente uma versão do ritual anual de fim de ano ao redor da televisão. Eles de camisa polo ou camisa de manga longa pra dentro das calças, elas de vestido, cabelo e maquiagem produzidas e saltos altos (carregados à mão ao final do show). Todos tirando fotos, fazendo vídeos e selfies com celulares e iPads. E cantando todas as músicas junto com o ídolo.
A zona de conforto concretizada por Roberto Carlos estende-se por pouco mais de uma hora e meia. Ele conhece seu público feminino e o mima e adula, agradando-as ao falar sobre o poder da mulher sobre os homens, sobre quando começou a compor sobre sexo (antes de cantar a sensualidade pudica de “Proposta”, recebida com suspiros), sobre a necessidade de viver com alguém. Discursos que fazem mulheres sorrir, casais encostar cabeças, famílias se sentir mais à vontade.
Por poucas vezes arriscou – e não dá pra dizer que cantar “Negro Gato” ou “Outra Vez” (“Das lembranças que eu trago da vida, você é a saudade que eu gosto de ter”, que música!) seja propriamente um desafio, mas as duas músicas não estão em seu repertório recente, e isso em se tratando de Roberto Carlos é um risco.
Festa-surpresa
A outra mudança ocorreu a despeito do próprio Roberto, num acordo entre a banda e o público. Antes do show começar, anúncios nos telões avisavam ao público para que quando a banda começasse a tocar “Parabéns a Você” que todos sacassem seu celular acendendo seus monitores para iluminar a pista e as arquibancadas.
O aniversário foi cantado logo depois que Roberto Carlos apresentou sua banda, repetindo o adjetivo “grande” e as expressões “sem dúvida”, “com certeza” e “um dos maiores do mundo” para cada um dos integrantes da atual versão de seu conjunto. Após a apresentação, Roberto Carlos foi surpreendido pelo parabéns, fogos de artifício, chuva de confetes e por um bolo, que cortou e entregou o primeiro pedaço para o público. A festa durou uns cinco minutos, tempo que alguns puderam comer o bolo no palco – inclusive o aniversariante.
O show foi encerrado com a já manjada dobradinha “Como É Grande o Meu Amor Por Você” e o gospel “Jesus Cristo” – e a banda segurou o refrão desta música mesmo depois que o show acabou e Roberto Carlos começou a distribuir rosas, brancas e vermelhas, para o público, que começava a se aproximar da grade de separação do palco. Mulheres, em grande parte senhoras idosas, se espremiam para pegar uma das rosas que o cantor beijava e atirava cada vez mais burocraticamente, como um amante latino entediado com o próprio charme. Ao mesmo tempo recebia presentes de toda espécie – quadros, fotos, perfumes, caixas – repetindo sempre o mesmo ritual: pegava o presente em mãos, olhava para ele por dois segundos (para demonstrar atenção) e entregava a um assistente ao seu lado.
O público começou a sair antes mesmo que a romaria religiosa a um ídolo pop terminasse, parte dele preocupada com a possibilidade inevitável de ficar preso no trânsito à saída do estádio do Palmeiras depois de um evento desse porte. Mas tudo bem. Todos saíram rindo e conversando, felizes com o show que haviam acabado de assistir. Era o que todos queriam. O que todos tinham vindo ver.
Escrevi lá no meu blog do UOL porque eu acho que o J.J. Abrams é o melhor sujeito pra reinventar – e talvez melhorar – o universo de Guerra nas Estrelas: http://matias.blogosfera.uol.com.br/2015/04/18/porque-j-j-abrams-e-o-cara-certo-para-fazer-o-novo-guerra-nas-estrelas/
Qual foi sua reação quando assistiu ao segundo teaser do novo episódio de Guerra nas Estrelas? Duvido que tenha sido muito diferente deste mashup que funde um dos principais trechos de Interesterlar com os dois minutos do teaser, usando as emoções de Matthew McConaughey naquele filme para retratar nossos próprios sentimentos.
Ainda estou remoendo impressões sobre esta nova vinda do universo de George Lucas, mas por enquanto, além da expectativa, surge a dúvida: será que, nostalgia à parte, estes próximos filmes podem ser os três melhores Guerra nas Estrelas? É uma tela em branco que J.J. Abrams vai pintar com todos os sentimentos e emoções que encantaram os fãs na trilogia original e revoltou a todos na trilogia dos anos 90, então ele sabe bem onde está pisando. Além de saber desenvolver ótimos personagens, heróis ou vilões. E certamente ele deve ter visto esse vídeo feito pelo pessoal do estúdio Sincerely Truman, há dois anos.
Muitos apostam que J.J. Abrams vai estragar Guerra nas Estelas como estragou Jornada nas Estrelas. Eu discordo – e acho que ele salvou Jornada nas Estrelas pra mais algumas gerações e eternizou os personagens clássicos para além dos atores originais, confirmando-os como ícones. Mas, Jornada nas Estrelas à parte, o fato é que só pelos dois teasers que ele já mostrou, repito, ele mostrou que sabe – e como sabe – manipular as emoções dos fãs.
Vamos rever o trailer de novo?
Você reparou que o texto dito neste novo teaser é quase o mesmo dito por Luke Skywalker à Princesa Leia no Retorno de Jedi, quando ele revela que ela é sua irmã? Confira a partir de 1:40 no vídeo abaixo:
É exatamente isso que me faz ter certeza que J.J. Abrams é o cara certo pra fazer esses filmes.
Entrevistei o pessoal do Bixiga 70 sobre seu terceiro disco pra edição de hoje da Ilustrada – o disco vai ser lançado com shows hoje e amanhã na choperia do Sesc Pompeia. Vai ser foda!
Banda Bixiga 70 apresenta disco composto a 20 mãos
Só com criações coletivas, terceiro álbum está disponível para download
Os dez integrantes do grupo paulistano de música instrumental Bixiga 70 são tachativos em afirmar que estão mais juntos do que nunca: “É o fim de um ciclo”, comemoram. A união está explícita na ficha técnica de seu terceiro disco, mais uma vez batizado apenas com o nome da banda, que sublinha que todo o trabalho foi composto, arranjado e produzido coletivamente, diferentemente dos dois anteriores, em que cada músico trazia um tema para ser desenvolvido em grupo.
“Acho que a gente conseguiu chegar em um lugar coletivo graças à dinâmica desses cinco anos juntos”, explica o baterista e um dos fundadores da banda, Décio 7. “Bixiga 70”, o novo disco, já está para download gratuito no site da banda (www.bixiga70.com.br) e marca uma maturidade musical em que as diferentes influências de músicos se diluem no groove instrumental ritualístico próprio das apresentações do grupo.
Diferentes musicalidades – nordestinas, caribenhas, jamaicanas, africanas, jazz, cumbia, funk – se fundem num caldo grosso cada vez mais característico do som paulistano da banda. “A gente tá muito embriagado nisso, de curtir o lance dos dez estarem muito alinhados em fazer som juntos”, emenda o saxofonista Cuca Ferreira.
O novo disco também traz uma mudança em relação às composições, que desta vez foram realizadas em estúdio, ao contrário dos discos anteriores, quando eram compostas entre ensaios e passagens de som. “Chegamos no estúdio sem nenhuma ideia pré-concebida, tudo foi composto do zero no estúdio”, explica o guitarrista e tecladista Maurício Fleury. Após sua terceira turnê europeia, no meio do ano passado, o Bixiga 70 voltou ao Brasil e descobriu que tinha um prazo estreito para entregar o disco contemplado através de um edital – este foi o primeiro disco da banda que não foi autoproduzido. A data-limite obrigou os dez integrantes a se enfurnar no estúdio-casa da banda, o Traquitana.
Localizado no número 70 da rua 13 de maio, no baixo do Bixiga (daí o nome), o estúdio é o motivo de existência da banda, que começou quando Décio e o guitarrista Cris Scabello passaram a tomar conta do lugar, mudando seu nome para Traquitana. A história daquele endereço remete à virada dos anos 60 para os 70, quando ali funcionava o bar Telecoteco da Paróquia, ponto favorito dos músicos profissionais da época para beber – e tocar – após o expediente. Reza a lenda que nomes como Sarah Vaughan e Stevie Wonder se apresentaram no local, quando estiveram no Brasil. “Foi aqui que o Benito di Paula lançou o ‘Retalhos de Cetim’”, lembra Décio.
Foram 45 dias em que a banda não arredou pé do Traquitana até fechar o disco que será lançado em dois shows no Sesc Pompeia, nos dias 16 e 17 da semana que vem. Forte influência no novo trabalho foi a parte final da viagem europeia, quando a banda passou pelo Marrocos e, além de um show, ainda pode coordenar um workshop que teve momentos cruciais para o desenvolvimento do novo disco. “Teve um cara que eu tive que parar e pedir pra ele me ensinar como é que ele tirava microtons africanos de um instrumento europeu, o saxofone, que não foi feito para tocar aquilo”, entusiasma-se Cuca.
Além de alinhada musicalmente, a banda também divide os trabalhos do lado empresarial: Cris toma conta do administrativo da banda, Maurício cuida das mídias sociais e das negociações com selos e turnês pela Europa, função dividida com o saxofonista Daniel Nogueira, que também cuida da divulgação nos Estados Unidos, enquanto Décio e o trompetista Daniel Gralha cuidam da parte técnica e de logística de shows. Completam a banda o baixista Marcelo Dworecki, o trombonista Douglas Antunes e os percussionistas Rômulo Nardes e Gustávo Cék.
BIXIGA 70
Artista Bixiga 70
Gravadora independente
Quanto gratuito, para download no site bixiga70.com.br
Lançamento qui. (16) e sex. (17), no Sesc Pompeia, ingressos esgotados