É muito acertada a decisão dos Boogarins de tocar seu novo álbum Bacuri na íntegra nas apresentações que vêm fazendo do disco. Na verdade, fizeram isso apenas duas vezes, quando lançaram o disco no ano passado no Cine Joia e neste sábado, quando apresentaram-se pela primeira vez no ano na primeira de duas datas no Sesc Vila Mariana (quando repetem a dose neste domingo). Mas ao apresentar o novo trabalho como uma peça única, aproveitando inclusive para falar menos entre as músicas, eles reforçam a importância do disco na carreira da banda. Não é apenas o quinto disco ou o primeiro álbum depois do período pandêmico, mas um que eles puderam se reencontrar com a canção depois de passear pela estrada tortuosa da tentativa e erro, tanto em Lá Vem a Morte e Sombrou Dúvida (discos posteriores ao seu ápice fonográfico até então, o segundo disco, Manual), em que abusaram do estúdio como instrumento musical, quanto dos dois volumes que reuniam sobras da banda, batizados de Manchaca. Bacuri chega num momento em que os quatro filhos do cerrado entendem o equilíbrio entre a coesão pop de canções lapidadas com esmero e os espaços que estas deixam para os improvisos e viagens instrumentais do grupo, fruto tanto de terem revisitado seu disco de estreia que completou dez anos há pouco quanto a ter passeado pelo repertório clássico da MPB jazz rock mineira, ao criar um show-tributo à geração Clube da Esquina (sem apenas visitar o disco 1 ou 2). E assim Dinho, Benke, Fefel e Ynaiã esbanjam entrosamento e fritação sem perder o foco estrutural de canções que, ao vivo, só reforçam a qualidade única que torna esta coleção de canções em um único trabalho, este sim sua obra-prima. Depois do disco do ano passado, o grupo passeou por versões gigantes para “Te Quero Longe”, “Água” e “Tempo” (esta última com longos silêncios preenchidos por assobios imitando passarinhos), não sem antes de avisar que o vinil de Bacuri está aparecendo no horizonte…
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Fechando esse longo janeiro de 2025 com o belo espetáculo proporcionado por Giovani Cidreira ao lançar seu ótimo Carnaval Eu Chego Lá, no Sesc Vila Mariana. Celebrando a obra do conterrâneo Ederaldo Gentil (falecido em 2012 e autor de joias como “Feira do Rolo” e “O Ouro e a Madeira”, eternizadas por Alcione e Clara Nunes, entre outras), o disco do ano passado verteu-se num show emotivo e impulsivo – como é típico de Giovani – em que o músico liderou uma banda formada por Filipe Castro (percussão, que também produziu o disco), seu velho compadre Cuca Ferreira (sax e flauta), Lu Manzin (teclados e vocais), Pedro Bienemann (baixo), Ed Trombone (trombone) e Pedro Lacerda (bateria) dividindo-se entre o violão e os teclados, deixando sua bela voz conduzir a apresentação, que ainda contou com músicas de seus discos anteriores, e com a participação das Pastoras – as três cantoras que Kiko Dinucci reuniu a Juçara Marçal para acompanhá-lo em seu disco Rastilho – , Graça Reis, Dulce Monteiro e Maraísa, que subiram ao palco em uma mesa de bar, quando acompanharam Giovani em momentos únicos deste show, trazendo um calor ainda mais afetivo para a noite. Foi bonito.
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Dadá Joãozinho encerrou seu 2024 nesta quinta-feira ao apresentar-se na Praça de Eventos do Sesc Vila Mariana mostrando que realmente está em uma nova fase. O que seria uma apresentação de seu disco de estreia Tds Bem Global em que mostraria as canções do álbum de 2023 acompanhado da guitarra (tocada pelo próprio Dadá), por bases eletrônicas e percussão evoluiu para um show em que o músico de Niterói reuniu uma bela banda para mostrar uma série de canções inéditas. Cercou-se de um time formado pelo baixista Everton Santos, seu compadre Joca na percussão, o baterista e diretor musical Thiago Fernandes e tecladista das bandas indie Raça e Ombu João Viegas e soltou a voz em canções cada vez mais pop, mostrando o novo rumo que seu trabalho começará a tomar em 2025. Ele ainda contou com as presenças de Bebé Salvego (que aniversariava na mesma quinta) e de Popoto (também da banda Raça, com quem dividiu os vocais na recém-lançada “Olha Pra Mim”), fechando bonito um ano em que seu trabalho conseguiu ampliar ainda mais seu alcance.
“Que Xou da Xuxa é esse?”, esbravejou espantada Letrux logo no início de uma de suas apresentações no Sesc Vila Mariana neste fim de semana. Sampleando a mistura de frustração e indignação do meme recente de uma fã infantil para o contexto do show de seu terceiro álbum, Letrux Como Mulher Girafa, a vocalista Letícia Novais espantou de vez o fantasma da pandemia que ainda ficava à sombra nas últimas vezes que a vi ao vivo, ainda mostrando seu excelente Aos Prantos, segundo disco de tema trágico que teve a má sorte de ser lançado no dia em que o Brasil entrou em quarentena, há longos quatro anos. A nuvem preta que pairava sobre aquele disco e suas apresentações ao vivo já dissipou-se no horizonte (embora ela tenha feito questão de frisar que ainda sente sua inevitável presença), mas no novo show, ela juntou a força animal que dá o tom do disco para retomar a luz solar que vibrava com ela no palco, mesmo nos momentos noturnos, sejam pela melancolia ou pelo clima de balada. E foi nesse ritmo que ela abriu a noite, invertendo expectativas ao começar com a música que seria o bis, a contagiante “Flerte Revival”, chamar a banda para a frente do palco para saudar o público e apresentá-la músico a músico como se o show já estivesse no fim. Ela mesma abriu o show de fora do palco, vestida de leão, e com essa energia não deixou o clima cair em momento algum, mesmo que um fã estivesse disposto a passar o show inteiro conversando com ela – saia justa que Letícia tirou de letra. Ladeada por seus principais braços – o tecladista Arthur Braganti e a guitar heroine Navalha Carrera, ambos brilhando em momentos específicos – ela comandava uma banda que não perdia o pique, mesmo nos momentos mais intimistas e combinou músicas de seus três álbuns sem tirar o foco do disco mais recente, lançado no ano passado, sua arca de Noé particular em que reuniu canções animalescas para expurgar os anos de trevas que atravessamos. E ainda prometeu um show em que vai tocar seus três discos na íntegra. Um show intenso como sempre, mas, principalmente, alto astral.
Depois do show catártico de lançamento de seu Novella no mês passado, quando reuniu o maior público para uma apresentação somente sua na Áudio, Céu fez um show irrepreensível ao apresentar-se no Sesc Vila Mariana neste sábado. Ao contrário do show anterior, em que pode passear pelo repertório de toda sua discografia e contou com participações especiais, desta vez a noite focava no disco recém-lançado e abria exceções apenas alguns hits dos quase vinte anos da carreira da cantora paulistana. O fato de ter feito uma série de shows internacionais antes de lançar o disco no Brasil a colocou em sincronia perfeita com a banda que já a acompanha há quase dois anos, com Thomas Harres na bateria e disparando efeitos, Leo Mendes no cavaquinho e na guitarra, Sthe Araújo nas percussões e o fiel escudeiro Lucas Martins no baixo, os dois últimos dividindo os vocais com Céu – e cantando muito! – sem se sentirem intimidados pela voz da dona da noite. Com um vestido preto longo chiquérrimo e de cabelo preso, esta mostrava completo domínio do palco, ainda mais com o auxílio de duas feras do backstage – o som perfeito do mestre Gustavo Lenza e o jogo de luzes mágico de Franja, cada vez mais conversando com o ritmo da banda. Mesmo com o foco em Novella, o show teve momentos dedicados a outras joias de sua coroa, como um momento dedicado ao disco Tropix e quando “Bubuia” transformou-se em “Cangote”, ambas pinçadas de seu melhor disco, Vagarosa. Seu disco de estreia, que ela lembrou que completa duas décadas no ano que vem, também foi visitado, primeiro quando “Mora na Filosofia” de Monsueto invadiu o hit “Malemolência” e depois quando ela desenterrou “Mais Um Lamento” no bis. Os dois únicos lapsos que aconteceram durante a noite (quando Céu cantou antes da hora na introdução de “Contravento” e quando Thomas não disparou os efeitos no início de “Reescreve”) não chegaram a macular a apresentação, primeiro por terem sido discretos e rapidamente corrigidos (e com bom humor) como pareceram sublinhar a natureza humana do novo disco, que Ceú fez questão de frisar logo no início do show. A noite terminou com “Rotação” e Céu despediu-se do palco certa de que é dona de um dos melhores shows do Brasil.
Bem bonito o show de lançamento do disco de estreia do Varanda, Beirada, que aconteceu nesta quinta-feira no auditório do Sesc Vila Mariana. O grupo de Juiz de Fora optou por apresentar o disco na íntegra, com poucas intervenções entre as músicas, para reforçar a unidade narrativa do disco recém-lançado e o fato de mostrá-lo para um público que assistia sentado à banda, com todos os olhos vidrados no palco, trouxe uma inevitável nervosismo no início da noite, que foi sendo vencido à medida em que o show discorria. Normal, afinal a banda saltou de apresentações em pequenas casas de show para um espetáculo quase teatral, em que o humor e a informalidade que normalmente atravessam os shows do grupo, o que acabou mexendo na intensidade das primeiras músicas, mas sem deixar que elas perdessem sua beleza natural. A química entre os quatro aos poucos foi falando mais alto e logo eles superaram essa instabilidade inicial e é bonito ver como, mesmo sem precisar trocar olhares, o baixo melódico de Augusto Vargas, a guitarra indie e noise de Mario Lorenzi e a bateria precisa de Bernardo Mehry (contando com a presença do quinto elemento Fiôra nos teclados e violões) tecem a cama perfeita para que a vocalista e estrela da banda, a maravilhosa Amélia do Carmo soltasse sua voz e deixasse sua alma levitar ao mesmo tempo – hipnotizando o público como uma sacerdotisa. As participações especiais foram cruciais para essa escalada, primeiro quando convidaram Manu Julian, vocalista do Fernê e dos Pelados, para dividir “Cê Mexe Comigo” – que foi saudada por Amélia, ao final de sua vinda como “a voz de uma geração” – e depois quando Dinho Almeida subiu no palco para fazer não apenas a música que gravou no disco do grupo, “Desce Já”, como a seguinte “Relâmpagos”, proporcionando o melhor momento da noite ao deixar a banda completamente à vontade. Logo depois encerraram o repertório do disco, mas continuaram com um longo bis que reuniu as faixas que ficaram de fora no álbum – e aí a noite já estava ganha. Lavaram a alma do público e a deles mesmos, entregando uma apresentação intensa e elétrica, deixando aquele famoso gostinho de “quero mais”.
Em 2024 a mineira Luiza Brina conseguiu por em prática um trabalho que vinha desenvolvendo desde que começou a fazer música, quando materializou uma série de canções que batizava apenas de “Oração” num disco chamado Prece. Desde o ano passado ele vem ganhando forma quando ela convidou Charles Tixier para ajudá-la na produção de um disco que contava com uma orquestra inteira formada por mulheres e várias participações especiais (da argentina LvRod à mexicana Silvana Estrada, passando por Sérgio Pererê e Iara Rennó). Quando a convidei para fazer a temporada de março deste ano no Centro da Terra, ela resolveu apresentar o conceito e as músicas do disco – até então inéditas – chamando poucos convidados (como Tixier, Castello Branco, Iara, Jadsa e Batataboy) e deixando as apresentações intimistas. Prece surgiu opulento e grandioso no mês seguinte, quase um avesso das apresentações no teatro, embora manteivesse seu clima introspectivo e pensativo – e isso aguçou minha curiosidade para saber o disco funcionaria no palco. A curiosidade foi satisfeita neste domingo, quando ela abriu setembro acompanhada apenas de um quarteto – Guilherme Kastrup (percussão e eletrônicos), Lucas Ferrari (eletrônicos), Patrícia Garcia (oboé) e Clarissa Oropallo (fagote) – no palco do Sesc Vila Mariana. A formação pouco ortodoxa emulava a pompa de uma orquestra em versão reduzida, mas os samples disparados por Lucas e Kastrup instigavam ainda mais as madeiras tocadas por Patrícia e Clarissa. À frente, Brina cantava suas orações que por vezes funcionavam como mantras – especificamente as de número 18 e 17. Esta última ela cantou acompanhada de Maria Beraldo, depois de tocar uma das principais músicas do disco de estreia da convidada catarinense, “Amor Verdade”. Sérgio Pererê foi o outro convidado da noite, dividindo vocais na oração de número 13 e tanto Beraldo e Pererê retornaram ao palco no bis, quando repetiram a oração 18 e seu refrão mantra (“pra viver junto é preciso poder viver só, pra gente se encontrar/pra andar junto é preciso poder andar só, pra gente caminhar”) para felicidade do público. E assim sua Prece foi atendida.
O fim de semana viu nossa majestade Joyce mostrar um de seus discos mais emblemáticos apenas empunhando seu violão em duas datas no Sesc Vila Mariana. Ela não é apenas uma das maiores cantoras do Brasil, mas um dos maiores nomes da dita MPB e só não é reconhecida como tal porque o machismo vigente não louva mulheres que também compõem e tocam instrumentos, além de cantar. Neste fim de semana, no entanto, ela dedicou-se a um clássico disco de intérprete que, como fez Chico Buarque anos antes em seu Sinal Fechado, reuniu músicas alheias para retratar a trágica situação que o país se encontrava no tempo da ditadura empresarial militar. Passarinho Urbano, gravado em 1975 na Itália e lançado no Brasil no ano seguinte, deixa claro suas intenções a partir do título – deixando clara a iminência da gaiola para pássaros que teimam em voar na cidade -, mas ao enfileirar estandartes do samba (“Pelo Telefone”, “Opinião”, “Chora Doutor”, “A História do Samba”, “O Trem Atrasou”, “Radiopatrulha”) com novos clássicos compostos por seus contemporâneos (“Quatorze Anos”, “De Frente Pro Crime”, “Pede Passagem”, “Marcha da Quarta-feira de Cinzas”, “Mudando de Conversa”, “Pesadelo”, “Viola Fora de Moda”, “Jóia”, “Fado Tropical” e “Acorda Amor”, que Chico mostrou no disco que mencionei há pouco), ela pinta um cenário que falava por si – mas não provocou a censura da época, passando despercebido como mero disco de intérprete. Quase meio século depois, o disco segue atual e não precisa de bulas ou notas de rodapé, além de tristemente conversar com os dias de pesadelo que atravessamos nessa terceira década do século 20. Além das faixas do disco, ela pinçou outras igualmente drásticas, como “Saudosa Maloca” de Adoniran Barbosa, “Mudando de Conversa” eternizada por Lucio Alves, a infelizmente sempre atual “Querellas do Brasil” de Maurício Tapajós e Aldir Blanc, a vocacional “O Cantador” de Nelson Motta e Dori Caymmi, e suas próprias composições, “Mulheres do Brasil”, “Forças D’Alma” e sua única obra no disco original, “Passarinho”, em que musica o clássico poema de Mario Quintana. Antes de encerrar o show, ela ainda buscou o épico triste “Amor À Natureza” de Paulinho da Viola, em que o mestre cantava “relembro momentos de real bravura dos que lutaram com ardor em nome do amor à natureza, cinzentas nuvens de fumaça umedecendo os meus olhos de aflição e de cansaço, imensos blocos de concreto ocupando todos os espaços daquela que já foi a mais bela cidade que o mundo inteiro consagrou com suas praias tão lindas, tão cheias de graça, de sonho e de amor, flutua no ar o desprezo, desconsiderando a razão que o homem não sabe se vai encontrar um jeito de dar um jeito na situação”. Voz intacta e violão leve e complexo ao mesmo tempo levaram o público a um espaço mental único, que ecoa os anos de chumbo do século passado nos pesados anos cinzentos atuais, especificamente neste fim de semana de queimadas apagando o brilho do céu brasileiro, e Joyce quase não falou entre as músicas, deixando, mais uma vez, elas carregarem suas mensagens. Ela só voltou a falar no bis, quando puxou “Queremos Saber” de Gilberto Gil após ironizar da inteligência artificial e terminou pedindo para todos cantarem com ela, já sem o violão, a implacável “Juízo Final”. O sol há de brilhar de novo, mestra!
Encerrei o curso Do Disco ao Ouvido nesta quinta-feira no Sesc Vila Mariana quando coloquei um microscópio para analisar o estado primeiro do mercado da música e depois o da música independente a partir do ponto de vista paulistano. Foi uma oportunidade para comentar sobre como o protagonismo de São Paulo na vida cultural brasileira cresceu drasticamente com o século 20 e como a cidade tem funcionado como uma incubadora de possibilidades – boas e ruins – para uma transformação que ainda está acontecendo e para a reconstrução do mercado do midstream, que foi destruído pelo biênio do covid.
Na primeira aula do curso Do Disco ao Ouvido, que dei nesta quarta-feira no Sesc Vila Mariana, condensei parte do meu curso anterior – O Ecossistema da Música -, contando a história de como a música gravada criou um novo mercado ao redor do disco e como esse mercado foi se moldando às novas transformações tecnológicas – como o rádio e a televisão – até ser desmantelado pela internet, o que deu origem ao mercado independente em escalas nacioanais e global. Mas a rede aos poucos foi sendo cooptada pelo antigo mercado de discos e em parceria com os gigantes da tecnologia e a pandemia só acelerou um processo contrário ao que estava acontecendo até então – e este é o tema da segunda aula, que acontece nesta quinta-feira, gratuitamente, no auditório daquela unidade do Sesc, a partir das 19h – e nem precisa se inscrever, só retirar os ingressos meia hora antes.