Foto: Rafael Barion
“Antes de tudo, eu queria que este disco chegasse às pessoas como um alento. Um alento sobre o luto, sobre a dor, o mal estar”, me conta por escrito Thiago Pethit, sobre seu recém-lançado quarto disco, Mal dos Trópicos (Queda e Ascensão de Orfeu da Consolação). “Não como uma bobagem tipo ‘calma gente, vai ficar tudo bem’. Mas o contrário. Um ‘talvez não fique tudo bem, e o que a gente vai fazer?’. É primeiro uma aceitação do luto, de que os pesadelos e todas as paranoias que pairaram sobre o nosso futuro podem se tornar concretas. E para que a gente possa refletir sobre tudo isso e a partir daí conseguir juntar forças, é necessário olhar para essas sombras.”
De certa forma é isso que ele traduz no clipe de “Orfeu”, lançado em primeira mão no Trabalho Sujo, descobrindo cenas bucólicas no pesadelo urbano paulistano através dos drones pilotados pela diretora Camila Cornelsen, adornado por traços e letras do próprio Thiago. “Então eu não quis fazer um disco escapista – para bater cabelo e fingir que ta tudo certo na sexta à noite. Não creio que seja um momento solar, de celebração. Se é para celebrar eu armaria uma festa fúnebre, distópica, empesteada. Mas a Mamba Negra e as músicas do Teto Preto por exemplo já fazem isso muito bem. E sob um ponto de vista bastante pessoal, também não creio que seja hora de meter o louco e botar pra quebrar tudo sem antes alguma reflexão, uma estrategia. Por isso, a dor, o abandono e destruição, e algum acolhimento nessas palavras e nesse mito que fala sobre luto e renascimento sob uma ótica pagã.”
“É um disco denso e mais maduro também. Sinto que é um disco adulto, sabe? Mais íntimo, mais ‘fora do palco’. E mais brasileiro também que os meus outros. Acredito que esse é o disco que eu sempre quis fazer mas não só eu não estava pronto pra ele como também o mundo ao redor não parecia pedir tanta densidade assim. A realidade está bastante densa”, continua. “A beleza há de salvar o mundo – essa ideia tem me acompanhado desde sempre. Onde tem luz tem sombra, é isso. O disco trabalha o tempo todo nestes paralelos: sujo e belo, tropical mas sombrio, mundano e mitológico. Queda e ascensão. O lirismo do disco talvez seja nessa crença, ainda que desesperançosa, de que o veneno da cobra ainda possa nos servir como cura. Uma crença nas Bacantes, no renascimento, na antropofagia.”
Ele segue explicando as inspirações do disco: “Foram muitas, na verdade. Meu processo criativo é sempre muito intuitivo, vou criando uns mosaicos malucos na minha cabeça com montes de peças que não parecem se encaixar a princípio. Olhando pra trás, eu diria que o primeiro ‘sintoma’ me ocorreu em 2016 e eu não o entendi. Deixei de canto até 2018, quando finalmente o mosaico parece que se formou e consegui enxergar o quadro que vinha pintando sem perceber. Estávamos passando pelo processo político de impeachment da Dilma. O Brasil já estava um caos, e eu tinha uma intuição de que minha turnê ‘Rock N Roll Sugar Darling’ já não correspondia às demandas de comunicação daquele momento. Não sabia dizer bem o por quê: mas de lá pra cá, havia uma sensação de mal estar geral sobre os rumos do país e uma turnê de um disco celebrativo e festivo, parecia fora de hora. Ainda tinham muitos pedidos de show e convites para tocar em festivais, mas pra mim era hora de encerrar esse projeto e começar outro. O nome Mal dos Trópicos por exemplo – a ideia desse mal estar, como uma peste tropical que nos assolava, surgiu nessa época. Tinha também saudade de cantar, como quem canta intimamente voz e violão, de voltar a escrever canções que pudessem flertar com poesia. Esse arquétipo do poeta, do Orfeu, eram coisas que já estavam lá na minha cabeça também. Mas parecia tudo muito precoce. Em 2017, eu encerrei a RnR Tour e decidi que não teria pressa. De lá pra cá, muita coisa aconteceu comigo e com o mundo em volta. Muitos desses signos pessoais e externos foram ganhando interpretação e tudo isso foi desenhando esse Orfeu da Consolação.”
Deixo-o continuar escrevendo: “Foi um processo muito, muito diferente dos meus anteriores. A começar pelo fato de que fiquei de 2014 à 2017 sem escrever nenhuma música sequer. Cheguei a achar que era isso e que talvez eu não conseguisse ou não tivesse mais um barato em escrever. Quando criei aquele projeto sobre as obras da Patti Smith, eu dediquei muito tempo às pesquisas literárias: desde os poemas dela, do Burroughs, Rimbaud, coisas pelas quais ela é apaixonada e que pareciam necessárias para entender as letras dela e as referencias todas com mais autoridade. Me lembrei de quando eu era adolescente e escrevia poesias na maior ingenuidade sonhando com essa ideia romântica que eu tinha do que era ser poeta. Acho que por contato com essa literatura voltei a escrever textos, cronicas do meu dia a dia, alguns poemas. Nada que se pretendia ser música.”
“Então apareceu ‘Rio’ e logo depois ‘Orfeu'”, ele menciona duas faixas centrais de seu novo disco. “Eu escrevi as letras e automaticamente tive vontade de descobrir como seria cantá-las. Trabalhei essas músicas sozinho na minha sala, durante meses e meses e não conseguia imaginar que elas seriam parte do meu trabalho. Pareciam mais como se eu estivesse fazendo exercícios de composição. Mas estranhamente, era a primeira vez desde o Berlim, Texas que eu senti muito prazer nisso. No ato de fazer e completar cada música. Um prazer meio apaixonado pela coisa. Com o tempo, o mundo e o mercado vão deixando a gente mais cínico, eu acho. Dessa vez, como eu não pretendia exatamente chegar a lugar nenhum e nem mostrar aquilo pra ninguém, eu era só esse prazer mesmo. Então aconteceu: os temas desses poemas que eu vinha musicando começaram a girar em torno de assuntos similares, uma mesma sensação a ideia mitológica, épica. Algo que me fez lembrar daquele nome que surgiu na minha cabeça lá em 2016 ainda: Mal dos Trópicos. E então eu soube que eu tinha um disco em mente e isso seria inevitável. O desejo de voltar pra música já estava ali me devorando”, prossegue.
E conta como aconteceu seu encontro com o produtor Diogo Strausz, no início do ano passado. “Eu sabia que tinha um disco e sabia também que esse disco seria um desafio pra mim mesmo. Não queria fazer nada com pressa e nem uma dessas produções expressas e imediatistas, meio sons genéricos modernos que o mercado fica empurrado pros artistas naquele desejo de fazer sucesso. Não fazia também a menor ideia de como eu poderia juntar esses temas mitológicos, as referencias eruditas de Villa-Lobos e Bach, e uma sonoridade contemporânea e mais suja como o trip hop. Só chamei o Diogo, que eu conhecia pouco e admirava de longe, no momento em que eu entendi muito bem onde queria chegar e o porque estaria escolhendo ele para ser meu maior colaborador neste projeto. E de fato ele foi um grande parceiro. Difícil mesmo foi conseguir agrupar tantos conceitos, tantas mensagens e ideias e referencias numa identidade só. Acho que eu e o Diogo passamos mais tempo conversando do que de fato criando ao longo dos meses. Foi um processo muito íntimo. Entre eu e ele. E eu sozinho com essas músicas e ideias. Foram quase dois anos de processo criativo silencioso. Segurar essa onda toda e não pensar nos boletos, isso foi complicado.”
E conclui: “Pra mim, ser artista e comunicador implica em bastante responsabilidade, sabe? Me parece péssimo pensar que na quarta à noite eu poste nas minhas redes uma frase de indignação sobre alguma tragédia dentre as muitas que estamos vendo e já na quinta eu esteja divulgando uma música que não tem nada a ver com minha postura em relação ao momento. Não é sobre se posicionar politicamente, ou como se tivéssemos a obrigação de falar de todos os assuntos. Mas é sobre essas camadas mais sutis de leitura e comunicação com o público. Eu preciso, pois pra mim é muito importante, saber que estou gerando através do meu trabalho alguma inspiração que faça sentido rumo aquilo que eu acredito. Orfeu pode ser um mito sobre o fim do amor. Pode ser sobre o artista que perde a inspiração. O poeta que perde a musa. Um povo que perde a crença e a esperança. Pode ser sobre a usurpação das coisas belas, justas, proporcionais. A usurpação das leis e democracias, e as consequências de tudo isso.
Acredito que o álbum, assim como o mito, possa abrir diversas leituras e identificações.”
Quando Marcelo Cabral avisou que estava voltando da Alemanha para passar um tempo de volta no Brasil, cogitamos rapidammente uma temporada ao redor do universo musical do baixista e de sua recente experiência artística na Alemanha. Próximo à cena de improviso livre de Berlim, Cabral foi descobrindo um método de criação artística que permite fluir por outras linguagens, incluindo literatura, teatro e spoken word e entender como isso influencia diretamente o resultado musical. E assim ele pensou em Influxo Cabralha, uma reunião de amigos e magos da música instrumental que atravessa quatro segundas-feiras de abril no Centro da Terra. Na primeira, dia 8, ele toca ao lado de Mauricio Takara, Thomas Rohrer e Mariá Portugal. No dia 15 ele chama Guilherme Held, Thiago França, Juliana Perdigão e Angélica Freitas. Dia 22 é dia de Kiko Dinucci, Rodrigo Brandão e Juçara Marçal. E a temporada termina no dia 29, com as participações de Thomas Harres, Bella, Patrícia Bergantin, Maria Beraldo e Ná Ozzetti (mais informações aqui). Bati um papo com o Cabral sobre esta safra de shows e a influência de sua estada na Alemanha neste novo projeto.
O herói indie Lê Almeida está nas alturas. Liderando sua nova banda, o trio Oruã, o dono da Transfusão Noise Records comemora os 15 anos de seu selo em grande estilo e acaba de voltar de uma turnê pelos Estados Unidos tocando junto com o guitar hero Doug Martsch, o líder do Built to Spill. “Esta nova fase está sendo linda, muito pelo fato de nós estarmos fazendo o que gostamos em proporções maiores do que já faziamos”, ele me explica por email, “viajar pra tocar em algum momento virou nossa ambição já que no nosso nível social não permite ter a minima condição de uma viagem turística”. O trio lança em primeira mão no Trabalho Sujo o clipe da faixa “Cruz das Almas BA”, feito com imagens da turnê em que passaram pelas cidades de Boise, Seattle, Portland, Tacoma e Walla Walla, no mês passado.
A conexão com Martsch foi essencialmente musica. “O Doug ouviu umas faixas minhas, curtiu e começou um contato. Quando ele esteve no Rio conheceu minha família, meus amigos, passamos a tocar junto e hoje pra mim é como se ele fosse parte da nossa galera 100%”.
Ele continua lembrando a turnê: “A primeira coisa que fizemos foi tocar na Radio Boise, da cidade do Doug e dias depois tocamos duas vezes num festival de cinco dias. Desde o começo sentíamos que o respeito de todos era enorme, eles adoram música brasileira. No festival fomos muito bem recebidos e já no nosso primeiro show fomos convidados pra gravar na KEXP pela Cheryl Waters, que estava na platéia. Depois fizemos uma tour de van passando por Seattle, Portland, Tacoma e Walla Walla onde todos os shows estavam com ingressos esgotados”. A viagem ainda proporcionou encontros históricos para o indie brasileiro. “Em Tacoma conhecemos o Calvin Johnson, máximo respeito e admiração”, Lê comenta sobre o encontro com o senhor Beat Happening. “Ele foi muito gente boa com a gente, só aumentou tudo que já sentiamos.”
O trio está às vésperas de repetir a dose, só que agora na Europa. “Vamos passar por muitos lugares, são um pouco mais que 30 shows, eu ainda não memorizei tudo aqui mas vamos no final de abril e voltamos no começo de junho. Estamos muito animados. Antes de viajar vamos lançar um EP chamado Tudo Posso, que vai sair em vinil 7″ nos Estados Unidos pela IFB Records e pela Transfusão. Esse video que estamos lançando é de uma das quatro faixas desse EP, que conta com alguns membros adicionais na formação do conjunto, Karin, Dani e David nos corais e Pedro e Russo nos saxofones.”
As turnês fazem parte da comemoração de seu selo, instituição que sobrevive heroicamente há 15 anos no Rio de Janeiro. “Nossas comemorações foram no início do ano quando fizemos quatro bailes contando com um show do Built to Spill em Madureira e em agosto vamos fazer alguns bailes comemorativos de seis anos do Escritório quando estaremos mais suave no Brasil. Depois da Europa temos mais algumas tours nos Estados Unidos com o Built to Spill que vão ate novembro”.
“Os primeiros shows que a gente fez com o Built to Spill foram no Escritório, num domingo chuvoso com uma fila grande na rua, foi um momento muito emocionante pra mim e pros meus amigos”, lembra, reforçando a importância de sua casa de shows para o próprio selo. “A partir dessa primeira tour passamos a dividir mais as funções entre nós. Agora o Joab e o Raoni tão tomando conta junto com a Karin e a Maria enquanto viajamos. Eles andam montando a programação e levando adiante, o importante é não parar.”
Mas não deixa de comentar sobre o estado da cena independente brasileira. “Falta respeito sem base em números. Eu sempre fui da minoria, mesmo viajando pra fora com o Built to Spill, eu ainda sou o mesmo cara que come o prato feito de dez reais da Tiradentes e toco a mesma guitarra Giannini.
Hoje nós conseguimos investir em nós mesmos, isso é lindo, nossos discos são caprichados, fazemos nossas gravações de um jeito que ninguém faz igual, mas no fundo só queremos fazer o nosso, conheçer pessoas nas viagens, fazer vinculos, trocar discos. Sou muito grato pela base de amigos que formamos nesses 15 anos, tive a sorte ter uma família próxima que sempre deu corda para minhas ondas artísticas, fizemos amizades por causa do som que eu sei que vai ser pra vida toda, isso é o mais importante.”
A cantora carioca radicada em São Paulo Bárbara Eugenia lança seu quarto disco nesta sexta-feira no Sesc Bom Retiro e eu falei com ela sobre o papel deste Tuda em sua carreira e evolução musical na minha coluna Tudo Tanto dessa sexta no site Reverb – lê lá.
O capo da YB Maurício Tagliari está azeitando a cria e em breve lança seu disco solo, ainda sem título, cheio de participações especiais. O primeiro aperitivo é o single “Bando à Parte”, parceria com o artista plástico Clima, cujo clipe estreia em primeira mão aqui no Trabalho Sujo.
“No processo de gestação do disco mandei um tema para o Clima, que devolveu uma letra pela qual me apaixonei. Ele sacou muito da ideia do disco e dos meus gostos cinematográficos”, explica o guitarrista, por email. “Essa faixa foi gravada inicialmente com um duo de bateristas que eu amo: Mariá Portugal e Thomas Harres. Eu estava ao violão, foi uma sessão bem solta, uma jam. Depois me veio a ideia de criar climas – sem trocadilho – cinematográficos com um arranjo de sopros. Chamei o Luca Raele para escrever e os amigos Jorge Ceruto, Maria Beraldo e Antonio Loureiro para executar. A ideia do filme veio de uma conversa entre Clima e meu filho, ambos apaixonados pelo cinema de Godard.”
Não é o primeiro trabalho solo – ele acaba de fazer a trilha do filme Mundo Cão e de lançar o álbum instrumental jazz acústico Utopia Retro, além de ser o mentor da The Universal Mauricio Orchestra -, mas é seu primeiro álbum solo. O disco ainda não tem título, deve ser lançado em maio e conta com as participações de Luedji Luna, Ava Rocha, Pélico, Laya, Negro Leo, Assucena, emtre outros.
Além do disco, Tagliari prevê um ano difícil para a cultura – justamente quando seu selo YB completa 20 anos de existência. “2018 foi uma ano difícil para a cultura. 2019 não será melhor. Na YB estivemos produzindo e resistindo e tem muita coisa boa a ser lançada – Siba, Clima, Felipe Cordeiro, Kafé, Luedji Luna, Alan Abadia, Ava, Héloa, Lulina, Abacaxepa”, lista. E destaca um ápice: “o disco Tudo que Move é Sagrado, de Samuca e a Selva, com convidados em homenagem a Ronaldo Bastos foi um marco para a gente em 2018. Uma reunião linda e de altíssimo nível. Essa deve ser nossa luz guia para os próximos meses.”
E arremata: “O mercado independente inexiste. O que existe é a resistência da música independente. Somos chatos e cutucamos a casquinha da pele da música mainstream. Sem a gente não há evolução nenhuma.”
Na minha coluna Tudo Tanto desta semana, bati um papo com o Sebastián Piracés-Ugarte, baterista e fundador do grupo mexicano-brasileiro Francisco El Hombre, sobre o lançamento de seu novo álbum, o quente Rasgacabeza – confere lá no Reverb.
Conversei com o maestro Thiago França, líder da Espetacular Charanga do França, um dos blocos-símbolos do novo carnaval de rua de São Paulo – este é o assunto da minha coluna Tudo Tanto desta semana no Reverb, confere lá.
Foto: Filipa Aurélia
“É pura experimentação pra mim, pela primeira vez escrevi músicas a partir de batidas, escrevi sobre minha cor, a iminência da guerra de todo dia escancarada na nossa porta, deixei a porta aberta pra receber direções que não daria, músicas que não ouvia, tentando mudar de verdade, arrumando meu quarto, mais cuidadoso”, Giovani Cidreira se escancara ao falar de sua nova fase, que começa a ser apresentada agora, com seu primeiro single, “Pode Me Odiar”, lançado aqui no Trabalho Sujo. Depois de sair de Salvador com seu disco de estreia Japanese Food debaixo do braço, ele mudou completamente sua abordagem musical ao viver na correria dos festivais independentes pelo Brasil e o corre-corre diário de São Paulo, onde está morando. A faixa é o prenúncio do novo disco, Nebulosa Baby, que está programado para sair no meio do ano e será precedido pela Mixtape/Mistake, complementar ao álbum, que será lançada ainda em março.
Uma balada R&B em câmera lenta, seu ar contemplativo contrasta com a poluição digital sugerida por seu “lírico-vídeo”, feito por Gabriel Rolim, que superpõe o ambiente visual do Whatsapp com suas trocas de mensagens, áudios, vídeos e selfies. “Rolim trouxe o visual no meio pro fim do processo – isso foi louco. Você vai ouvir a mix e vai ver o visual, parece que foram feito juntos”, conta. Citados no vídeo, alguns dos cúmplices da nova faceta do cantor e compositor baiano, como o guitarrista dos Boogarins Benke Ferraz (produtor do novo disco), o diretor do vídeo, a cantora sergipana Marcelle Equivocada, a multinstrumentista baiana Jadsa Castro, a cantora e compositora baiana Josyara e Rafaela Piccin, uma das donas da Casa Vulva. Não são os únicos: “A mixtape tem seis componentes: Jadsa Castro que canta em ‘Mano Sereia’ e ‘Oceano Franco’, parceria com Caio Araujo – feat com o melhor Frank deste século -; Benke, que fez toda a parte musical comigo; Letícia Brito e Gabriel Rolim sao os outros dois componentes dessa banda. Letícia foi quem olhou esse caminho até antes da gente e juntou todas as ideias, as cartas na mesa, pistola sem trava, aquela coisa.” O disco, gravado no início deste ano, ainda conta com participações de nomes como Ava Rocha, Luiza Lian, Fernando Catatau, Luê, Lucas Martins (baixista que toca com a Céu e com Curumin), Dinho Almeida e Ynaiã Benthroldo (dos Boogarins), Obirin Trio e integrantes da banda Maglore.
“Tudo começa ao mesmo tempo: as mudanças internas refletem na nossa roupa, no jeito de falar. O caminho mais difícil é o do espelho. Deixei rolar bem mais, Benke e eu trocamos algumas ideias e ele foi lá em casa, a gente não sabia de nada, fomos fazendo na doida, tendo ideias e jogando elas pro ar, eu, ele e Jadsa que participou desde o primeiro encontro e é figura essencial nessa compilação. Algumas músicas foram gravadas em casa ou na rua, por áudio de Whatsapp. Coisas que gravei na Casa Vulva de reuniões que fazíamos lá, tem uma faixa que Benke misturou parte desses áudios que gravei em casa com gravação em estúdio que fizemos na Red Bull. A mixtape tem isso de apresentar retalhos de coisas que vão surgir na segunda parte dela que virá em forma de disco ou clipe ou sei lá”, divaga o baiano sobre esta nova fase.
“Você só percebe que tá entrando num onda quando você está nela”, continua Giovani, falando sobre o processo. “Quando terminei ‘Pode me Odiar’ olhei pra trás, pro caminho que eu estive criando com esse grupo de músicas que vai entrar na mixtape, e vejo como ela sintetiza o que fui e o que sou agora sonoramente, as novas escolhas sem jogar nada fora. Foi um desabafo, mais uma vez fugindo do pensamento de como eu machuco tanto até quem amo tanto. Ano passado encontrei Benke no Recife, entre shows e entrevistas nos gravamos a música no modo bem Benke: primeiro o beat do teclado Casio e os acordes também ao estilo Roberto, depois da voz gravada no celular e Benke foi adicionando efeitos, percussão, vocoder, graves e todo lance que levou a música pra o que ela é agora. E soa leve. Ele é foda, adoro as escolhas dele, admiro sua sagacidade.”
Uma marchinha de carnaval para protestar contra a especulação imobiliária e popularizar uma luta que dura décadas: assim é “Parque do Bixiga”, que a Trupe Chá de Boldo lança em primeira mão no Trabalho Sujo. “‘Parque do Bixiga’ nasceu no meio de 2017, uma época em que Silvio Santos intensificou seus ataques reivindicando a propriedade do entorno do Teatro Oficina”, explica o vocalista Gustavo Galo, um dos autores da canção, ao lado de Peri Pane. “Em meio a esses ataques surgiu o que era originalmente uma marchinha de carnaval. Cantamos ela a primeira vez com a Trupe no carnaval que fizemos com Tatá Aeroplano e Gustavo Sousa em 2018. Para o carnaval desse ano, a convite de Magí Batalla, decidimos realmente arranjá-la, não mais como marchinha, embora ainda carnavalesca e disponibilizá-la como modo de apoiar a luta pelo Parque do Bixiga. A luta existe a quase quatro décadas e é formada por moradores do bairro, artistas, associações, visando defender a área tombada como patrimônio no início dos anos 1980.”
“A Trupe sempre teve uma relação próxima com o Oficina. Alem dos shows que fizemos lá, Gongon e Remi Chatain fizeram parte de algumas montagens. E Felipe Botelho segue por lá como diretor musical”, continua Galo. “Para nós os shows que fizemos naquele espaço foram realmente transformadores”. Ele fala também da importância da arquiteta Lina Bo Bardi, idealizadora do espaço, para o grupo. “Ela tornou-se uma referência para a banda precisamente antes do nosso primeiro show no Teatro. Lemos coletivamente alguns dos seus textos e a partir deles surgiu ‘À Lina’, gravada em nosso primeiro disco. Tudo isso para dizer que é difícil saber o que veio antes, uma marchinha que tornou-se pouco a pouco música para o parque ou, ao contrário, o parque inspirando a criação. De algum jeito essa música tinha que acontecer e agora. Como o parque tem que acontecer e agora.”
Pergunto sobre o carnaval ser resistência e Gustavo responde: “Carnavais são vários. E eles são resultado das forças em luta também. A história do carnaval de São Paulo, por exemplo, traz muitos exemplos de resistência, a Lavapés, madrinha Eunice, Geraldo Filme, a história de grande parte das escolas, o Ilu Obá… É só parar para ouvir o Geraldo Filme ou o Plínio Marcos do ‘nas quebradas do mundaréu’ e aprender um tanto dessas histórias. Em São Paulo, apesar do atual investimento publicitário, o carnaval segue como afirmação de resistência. É a experimentação da cidade como extensão do corpo – físico e coletivo – furando os limites do cotidiano restrito, metódico e esquemático da cidade estritamente produtiva. É a cidade usofruto, a cidade prazer se sobrepondo à cidade macroeconômica. E por conta disso muitas vezes a polícia e o Estado não demoram para reprimir e exibir sua rotineira violência visando determinar os limites para a realização da festa. Mas não tem jeito de conter o carnaval. Fora que os algoritmos ainda não dão conta da variedade dos sons. Quem quiser sair da bolha que saia às ruas disposto a se perder.”
Maior satisfação em trazer a cantora e compositora baiana Josyara para encerrar o mês de fevereiro no Centro da Terra, que traz uma versão recriada do ótimo disco que lançou no ano passado, Mansa Fúria, no espetáculo Abraça, que conta com as participações da musicista Luê e da atriz Bárbara Santos. “A conversa do show com o disco é o violão”, ela me explica antes do show. “Convidei estas participações justamente pra gente puder revisitar os arranjos do disco e tocar de um jeito diferente. Eu caminho pelo arranjo do disco, mas tô desconstruindo, tocando violão de outra maneira, acrescentando outras ideias”. O show começa às 20h (mais informações aqui), vamos lá?