Vem de longe o prazer da dupla mexicana Rodrigo y Gabriela de incorporar clássicos do rock em seu repertório, ressaltando as qualidades instrumentais de sua parceria acústica. E desde o ano passado, Rodrigo Sanchez e Gabriela Quintero passaram a tocar uma versão de tirar o fôlego de “Echoes”, o soberbo épico que domina todo o lado B do fabuloso Meddle, de 1971, lançando-a inclusive como número de encerramento de seu disco mais recente, Mettavolution. A versão abaixo faz parte da playlist Lumbini Sessions, sessões diárias que vêm fazendo em seu estúdio Lumbini, na Cidade do México.
O Gorillaz manda um salve para o saudoso Tony Allen. A banda de desenho animado do vocalista do Blur Damon Albarn – parceiro do baterista nigeriano em dois grupos diferentes (The Good, The Bad and The Queen e Rocket Juice & The Moon) – celebra o mestre nigeriano falecido na semana passada ao lançar a música que a banda fez com o baterista ao lado do rapper inglês Skepta, gravada pouco antes da quarentena londrina começar.
“How Far?” é a quarta música do projeto Song Machine, que o grupo lançou no início do ano: antes dela vieram “Momentary Bliss” com o rapper Slowthai e o duo de rock Slaves, os dois ingleses, “Désolé” com a cantora da Costa do Marfim Fatoumata Diawara e “Aries” com o baixista Peter Hook e a cantora Georgia.
E o projeto tá ficando bem redondinho…
Sem avisar nada, a HBO lançou apenas um teaser do seriado Lovecraft Country, anunciando-o para agosto. A série junta nomes de peso na produção – nada menos que J.J. Abrams e Jordan Peele – para afundar-se na mitologia do mestre do horror H.P. Lovecraft, cujas histórias giravam em torno do mito Cthulhu, uma divindade maligna que se alimenta de dor e sofrimento humano. A série ganha um apelo extra – principalmente por incluir Peele, mais conhecido pelos atordoantes filmes Corra! e Nós – ao se inspirar no livro de mesmo nome do escritor norte-americano Matt Ruff, que traçava paralelos desconcertantes entre as metáforas de horror do autor e seu declarado racismo.
Pode ser uma jornada perturbadora – e ainda tem Michael K. Williams (o Omar de The Wire) no elenco.
Impossibilitado de viajar em turnês, seja com seu King Crimson ou em seus trabalhos solo, o guitarrista inglês Robert Fripp anunciou que começaria nesta sexta-feira uma série de cinquenta faixas semanais chamada Music For Quiet Moments, em que traz faixas ambient esparsas, avessos ao motor racional de seu trabalho tradicional, quando mistura jazz, música erudita e música contemporânea experimental. A série traz faixas que foram compostas em diferentes momentos de sua carreira e ele inaugurou com a lânguida e delicada – mas hipnoticamente profunda – “Pastorale”, que gravou no dia 3 de junho de 2007 em Mendoza.
Ele escreveu sobre o tipo de música que pretende lançar neste período, uma reação clara à tensão provocada pela quarentena e pela pandemia que assolam o planeta neste ano:
Música para Momentos Quietos…
I
Um Momento Quieto é como vivenciamos um momento: o momento que está aqui, agora e disponível.
Momentos quietos são quando reservamos um tempo para ficarmos quietos;
e também onde os encontramos.
Às vezes, momentos quietos nos encontram.Alguns lugares têm um espírito fixo, onde a quietude é uma característica do espaço:
talvez sejam características naturais das paisagem;
talvez sejam criados intencionalmente, como um jardim;
talvez sejam onde espíritos de lugar surgissem com o tempo, como em um cemitério inglês no campo.A quietude pode ser provada com som e também pelo som;
em um lugar que consideramos sagrado ou até em um metrô lotado rumo ao Piccadilly ou à Times Square.Um Momento Quieto tem mais a ver com a experiência do tempo do que com o som.
Um Momento Quieto prepara o espaço onde o Silêncio pode entrar.
O silêncio é atemporal.
II
Meus Momentos Quietos, com mais de cinquenta e um anos de turnê, muitas vezes ocorreram em locais públicos, onde crescentemente, uma camada de ruído intencionalmente cobriu e saturou o ambiente sônico.
III
Momentos Quietos da minha vida musical, expressos em paisagens sonoras, são profundamente pessoais; ainda que totalmente impessoais: eles abordam as preocupações que compartilhamos dentro de nossa humanidade comum.
Paradoxalmente, eles ocorreram principalmente em contextos públicos hostis e pouco favoráveis ao silêncio.
Algumas dessas paisagens sonoras são voltadas para dentro, reflexivas.
Algumas vão para fora, afirmativas.
Algumas não vão a lugar algum, simplesmente estando onde estão.Robert Fripp
Terça-feira, 28 de abril de 2020;
Bredonborough, Inglaterra
Maravilhoso.
Um pulso transcendental se cala com a passagem de Tony Allen, santo patrono do ritmo que materializou a visão de Fela Kuti de fundir a musicalidade do oeste africano com o funk norte-americano ao colocar doses cavalares de jazz nesta receita, tornando-o tão pai do afro beat quanto o próprio Fela, ao lado de quem se transformou em um dos maiores bateristas da história. Mas Allen foi além e após deixar o Afrika 70, grupo que fundou com o antigo amigo, tocou com nomes de diferentes gêneros musicais, incorporando elementos de dub, música eletrônica e rap a sua sonoridade, gravando com artistas tão diferentes quanto Sébastien Tellier, Ray Lema, Metá Metá, Manu Dibango, Air, Jeff Mills e Charlotte Gainsbourg, além de montar duas bandas com Damon Albarn, do Blur: The Good The Band and The Queen, que ainda tinha o ex-Clash Paul Simonon no baixo, e Rocket Juice & The Moon, que trazia Flea, do Red Hot Chili Peppers. Ele veio ao Brasil algumas vezes e a última vez que pude assisti-lo foi ao lado do Thiago França, num dos melhores shows que vi no ano passado.
Vai em paz, mestre.
O vocalista do Radiohead mostrou uma música inédita ao ser convidado para o programa The Tonight Show, apresntado por Jimmy Fallon. Isolado em sua casa em Londres, ele mandou um vídeo tocando a balada “Plasticine Figures” pela primeira vez acompanhado somente de seu piano, sem dar notícias se a música faz parte de um novo projeto ou novo álbum.
Lindaça, aliás.
As irmãs Haim iriam lançar seu terceiro disco neste mês, mas acabaram de deixar Women in Music Pt. III para o dia 26 de junho. Antes disso lançam outro single – “I Know Alone” é o quinto desde que começaram a mostrar músicas novas no ano passado (depois de “Summer Girl”, “Hallelujah”, “Now I’m In It” e “The Steps”) e, mesmo que tenha sido composta antes do período da quarentena, acabou ressoando com o período, como explicou a vocalista Danielle Haim num tweet nesta terça:
“A primeira letra que escrevemos foi ‘eu sei estar só como ninguém mais conhece’ e isso veio do sentimento de que eu estava no mais profundo espírito de estar sozinha e de sentir a solidão mais profunda do que qualquer um possa ter sentido… Agora, com tudo o que está acontecendo, ‘sozinho’ parece um ritual. Só eu conheço minha própria rotina secreta nesses dias em que estou só e quase me sinto confortável nela. Espero que tudo isso faça sentido – tentar descrever uma música é sempre um pouco assustador para mim – mas sempre quero que vocês saibam de onde venho. Esperamos que essa música possa trazer um pouco de conforto neste momento louco … “
Já o clipe acima foi gravado durante a quarentena, mesmo tendo sido dirigido e coreografado à distância. E a música é ótima.
Melhor show que assisti no ano passado, o encontro entre duas forças da música baiana – Gilberto Gil e BaianaSystem – já está disponível para apara audição. Aumenta o som e o astral!
O cantor e compositor paulistano Dr. Morris abandona o prenome ao anunciar seu segundo disco solo. “O apelido vem de uma forma carinhosa como era chamado por músicos pernambucanos em meados dos anos 90”, ele me explica por email. “Até o final do ano passado assinava assim, agora, nessa nova fase, somente Morris” e assim ele começa a mostrar seu Homem Mulher Cavalo Cobra, produzido por Romulo Froes, a partir do clipe de “OnÇa-Çá”, que apresenta em primeira mão no Trabalho Sujo.
“O disco originalmente era para ser inspirado na exposição do artista chinês Ai Wei Wei, mas o Romulo achava que devíamos deixar que o processo de criação determinasse o que seria, dizendo para trabalhar com canções vira-latas, sem raça definida”, ele continua, explicando que o repertório é dividido em quatro blocos: Morte, Identidade, Pessoas e Mitologia. O single que abre os trabalhos faz parte do último bloco: “A escolha foi pela sua variedade estilística e de significados que sintetizam o álbum, como as questões dos direitos dos povos originários, da destruição do meio ambiente e seus resultados, vide a pandemia, e da relação animista, em que o homem enxerga a natureza e os animais horizontalmente, do homem que é onça e vice e versa. Uma forma mais fraterna de se relacionar com o planeta e, consequentemente, com as pessoas.”
Ele ressalta a participação de Anderson Karibáya, representante indígena que leu um poema em seu idioma. “Ele nos impressionou muito com a forma como contava as histórias de cada instrumento e do fazer musical, sobre a música que vira divindade no fazer”. A música ainda conta com a participação do guitarrista Allen Alencar, do baixista Marcelo Cabral, de Rodrigo Campos no cavaquinho, de Igor Caracas na bateria e do percussionista Felipe Roseno. O disco ainda conta com outras tantas participações, como Juçara Marçal, Mauricio Pereira, Romulo Fróes, Juliana Perdigão Benjamim Taubkin, entre outros.
Ele lembra quando entrou em contato com esta turma pela primeira vez: “Em 2009 notei que se reunia uma geração paulista de músicos incríveis, entre eles, Romulo, Rodrigo Campos – que já tinha sido meu parceiro – , Kiko Dinucci, Marcelo Cabral, Juçara Marçal, que estavam explorando algo diferente, para além do virtuosismo ou da tradição, mas apoiado em ambos. Percebi neles mais a arte do que a música.” A parceria com Romulo surgiu daí, a partir de uma composição conjunta, mas foi retomada para o novo álbum no ano passado. “Sempre convivendo com esse desejo primal de compor e cantar com o violão, fiz uma melodia, e toda vez que eu voltava nela ouvia voz do Romulo. Mandei para ele e no dia seguinte ele devolvia uma letra maravilhosa, ‘Doía’. Algum tempo depois, chamei ele para ouvir as canções que estava compondo inspirado pela retrospectiva de Ai Wei Wei. Nessa tarde já estávamos trabalhando no disco.” O álbum completo deve ser lançado em junho.
Nick Cave abriu os trabalhos. Sua deslumbrante versão para “Cosmic Dancer” é o primeiro single single do tributo a Marc Bolan e seu T-Rex AngelHeaded Hipster, que vinha sendo idealizado há anos pelo produtor Hal Willner, que trabalhava no programa Saturday Night Live e que morreu no início deste mês, vítima do coronavírus. Willner, que produziu discos de nomes como Marianne Faithfull, Lou Reed, Lucinda Williams e Laurie Anderson, entre outros. Para o disco, que sai em setembro e já está em pré-venda, reúne nomes tão distintos quanto Joan Jett, Beth Orton, Devendra Banhart, Father John Misty, U2, Todd Rundgren, Sean Lennon, Perry Farrell, Marc Almond, entre outros.
A capa e a lista de quem toca quaç música vêm a seguir.
Kesha – “Children Of The Revolution”
Nick Cave – “Cosmic Dancer”
Joan Jett – “Jeepster”
Devendra Banhart – “Scenescof”
Lucinda Williams – “Life’s A Gas”
Peaches – “Solid Gold, Easy Action”
BØRNS – “Dawn Storm”
Beth Orton – “Hippy Gumbo”
King Khan – “I Love To Boogie”
Gaby Moreno – “Beltane Walk”
U2 – “Bang A Gong (Get It On)” (Feat. Elton John)
John Cameron Mitchell – “Diamond Meadows”
Emily Haines – “Ballrooms Of Mars”
Father John Misty – “Main Man”
Perry Farrell – “Rock On”
Elysian Fields – “The Street And Babe Shadow”
Gavin Friday – “The Leopards”
Nena – “Metal Guru”
Marc Almond – “Teenage Dream”
Helga Davis – “Organ Blues”
Todd Rundgren – “Planet Queen”
Jessie Harris – “Great Horse”
Sean Lennon & Charlotte Kemp Muhl – “Mambo Son”
Victoria Willians & Julian Lennon – “Pilgrim’s Tail”
David Johansen – “Bang A Gong (Get It On) – Reprise”
Maria McKee – “She Was Born To Be My Unicorn / Ride A White Swan”