O concerto O Canto de Maldoror: Terra em Transe em Transe, apresentado no Theatro Municipal de São Paulo neste fim de semana pela Orquestra Sinfônica Municipal e pelo Coro Lírico Municipal, foi um arrebatador ataque aos sentidos que, a partir da dissolução das fronteiras entre som, sentido e ruído, converteu-se em um dos grandes acontecimentos artísticos do ano. Concebido e idealizado por por Nuno Ramos e Eduardo Climachauska, a apresentação recriava a trilha sonora e os diálogos de Terra em Transe, magnus opus do cinema nacional, forjada por Glauber Rocha em 1967, como uma única obra. E assim, à frente da orquestra regida por Gustavo Petri e do coro regido por Érica Hindrikson, os atores Georgette Fadel e Marat Descartes recriavam, ao lado do contrabaixo de Marcelo Cabral, as falas dos protagonistas do filme apresentadas em quatro diferentes sintonias, cada uma representada pela mudança de frequências e velocidades de cada instante. Em quatro tempos diferentes, estes diálogos foram reprocessados eletronicamente e entregues aos compositores Piero Schlochauer e Rodrigo Morte, que escreveram partituras para estes diferentes momentos distorcidos serem recriados analogicamente pelas vozes dos intérpretes e assim Fadel e Marat liam diálogos como se ouvíssemos um disco em diferentes rotações, cada uma delas referida a um dos três personagens do filme: sem distorção representavam o delírio do intelectual Paulo Martins (vivido no filme por Jardel Filho), em uma distorção mais lenta traziam o personagem ao presente, numa outra ainda mais lenta mostravam o passado do político populista Felipe Vieira (personagem vivido por José Lewgoy) e numa versão aceleradíssima davam voz ao passado do politico conservador Porfírio Diaz (vivido por Paulo Autran). As falas ditas pelos dois atores tornavam o português dito meramente sonoro e elas eram perseguidas pelo baixo de Cabral, que acentuava a musicalidade dos diálogos à direita do palco. Na outra ponta, à esquerda, a solista Marcela Lucatelli soltava sua voz animalesca entre o canto e o rugido (além de surgir impávida e serena ao cantar “Olá”, de Sergio Ricardo), enquanto a orquestra e o coro passeavam entre sambas, pontos de macumba, O Guarani de Carlos Gomes, trechos de obras de Villa-Lobos e Verdi, jazz e gritos de protesto, colocando o coro inclusive para solar com minicornetas de brinquedo. As partes cantadas pelo Coro Lírico, O Canto de Maldoror que batizava a peça, inspirado no título da obra clássico do uruguaio vertido francês Conde de Lautréamont, haviam sido escritas a partir de improvisos vocais de Juçara Marçal, criando mais uma camada de distorção na apresentação, que ainda contava com os quatro pêndulos imaginados pelos cenógrafos Laura Vinci e Wagner Antônio, que representavam os quatro tempos dos cantos mostrados, cada um deles movendo-se numa velocidade distinta. A contraposição destas distorções de tempo, sobrepostas ao caráter épico da apresentação e aos diálogos alegóricos – e infelizmente sempre atuais – escritos por Glauber abria janelas com novas dimensões temporais que tornavam Terra em Transe ainda mais atual do que em seu tempo, em pleno 2024. Um acontecimento de tirar o fôlego.
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Não bastasse a Caroline Polachek regravar “True Love Waits” numa versão deslumbrante em frente a telas de Monet, o grupo californiano Phantom Planet puxou, de improviso, na quarta-feira passada, uma versão para “Paranoid Android”, também do Radiohead, quando apresentou-se no White Eagle Hall, em Nova Jérsei, nos EUA. Não custa lembrar que não é a primeira incursão do grupo no tema, já que seu vocalista Alex Greenwald foi convidado para regravar “Just” no disco que projetou a carreira do produtor inglês Mark Ronson, Versions, no longínquo 2007. Ficou demais, veja abaixo: Continue
Uma sexta-feira com um coração imenso: assim foi a edição de outubro do Inferninho Trabalho Sujo no Picles. A noite começou com a usina de força que é a banda Tietê. Ancorada no reggae, o novíssimo septeto paulistano tempera sua mistura de ritmos com funk, soul, grooves latinos e música brasileira e a energia que transborda no palco inevitavelmente contagia o público. Atiçados pelo carisma inacreditável da vocalista e saxofonista Dodô, os integrantes da banda trocam de instrumentos enquanto passeiam por diferentes vibes, sempre carregando a expectativa do público junto, seja nos momentos mais introspectivos ou na fritação completa. E eles estão só começando: acabaram de gravar o segundo disco (no estúdio Abbey Road, em Londres, olha só) e o repertório da noite ficou por conta destas músicas ainda inéditas, que deverão vir a público apenas em 2025.
A banda deixou o o caminho pronto para a estonteante Soledad enfeitiçar o público com o repertório de seu novo trabalho, chamado de Desterros, que misturas suas composições às da geração clássica do cancioneiro cearense, como Fagner, Fausto Nilo, Ednardo (revisto em uma versão apaixonante para “Beira Mar”), Rodger Rogério, entre outros. Seu terreiro é encantado com a ajuda de bruxos da música, com Davi Serrano e Allen Alencar revezando-se entre o baixo e a guitarra, Xavier e Clayton Martins trocando lugares entre a bateria e a percussão (acústica e eletrônica), enquanto Paola Lappicy serpenteava pelos teclados e sintetizadores. E entre estes hinos, ela ainda contou com as participações de Julia Valiengo (com quem dividiu “Santo ou Demônio”, de Fagner) e de Fernando Catatau, que ainda puxou duas músicas próprias, “Completamente Apaixonado” de seu primeiro disco solo e a clássica “Homem Velho” do grupo Cidadão Instigado. No centro de tudo, a voz e a o corpo de Sol, completamente entregues à emoção e à música, hipnotizava o público, que embarcava naquela viagem intensa de sentimentos e sons. Quando eu e a Bamboloki assumimos o som depois de seu show – e fomos de dance music a rock clássico, passando por clássicos da disco music, do funk e aquela mistura de summer eletrohits com o disco novo da Charli. E depois eu contei pra Bam o que o público que não estava na pista tinha mais… Que noite!
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Segura essa pedra: o Diiv, os heróis contemporâneos do shoegaze que acabaram de passar pelo Brasil, fizeram essa versão absurda para “Cream of Gold” do Pavement em sua recente ida aos estúdios da rádio SiriusXM, em Washington, nos EUA, e o resultado ficou foda demais. Muito bom ver que a banda de Stephen Malkmus está sendo finalmente reconhecida como uma das principais bandas de rock da história.
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(Foto: Indira Dominici/Divulgação)
Quando convidei Zé Nigro para fazer uma temporada no Centro da Terra há dois anos, sabia que daquele mato sairia algo. Conheço-o desde os tempos em que ainda estávamos no Unicamp (embora ele não lembre) e acompanhei sua ascensão como músico e produtor nos últimos vinte anos, sempre o vendo testar limites e explorar novas fronteiras com figuras que respeito e admiro no mundo da música – de Anelis Assumpção a Metá Metá, passando por João Donato, Elza Soares, Curumin, Glue Trip, Antonio Carlos e Jocafi e Francisco El Hombre, entre outros). Ele lançou seu primeiro disco solo durante a pandemia e nunca havia feito um show só com seu nome, mas tinha certeza que era só dar a oportunidade que ele abraçaria. Dito e feito. E no ano passado ele me chamou para ouvir o disco que havia finalizado após a experiência que teve em suas segundas-feiras no teatro e levando seu primeiro disco para outros palcos e me convidou para escrever o release do disco. Silêncio, que chega nesta quinta-feira às plataformas de streaming e tem releituras de diferentes faixas do primeiro disco por artistas tão distantes quanto Russo Passapusso, Souto MC, Saulo Duarte e Arthur Verocai, é, ao mesmo tempo, uma continuação e um complemento ao disco que lançou em 2021, Apocalip Se. Segue abaixo o texto que escrevi pra ele sobre o disco: Continue
Outro dia Bonifrate me escreveu dizendo que estava prestes a lançar o que ele achava que era seu melhor disco. Há tempos longe dos grandes centros, Pedro leva uma vida pacata em sua Parati, tocando a vida com os filhos longe do caos da cidade grande, e isso lhe fez ter uma perspectiva diferente, inclusive como compositor. E para anunciar Dragão Volante, seu sexto álbum numa carreira solo que começou quando ele ainda era a força-motriz dos saudosos Supercordas, ele antecipa em primeira mão para o Trabalho Sujo o single “Corisco (Parte 3)”, que será lançado nesta quinta e abre os trabalhos do disco que vai ser lançado no início do próximo mês. “’Corisco (Parte 3)’ foi uma das primeiras canções que escrevi depois de lançar o último álbum Corisco, em 2021, e mesmo antes disso, os versos como ‘olha pro rio, viaja no tempo’ já vinham me perseguindo com aquela melodia”, ele me explica, dizendo que a canção foi escrita durante o período de trevas da pandemia. “Aquele momento catastrófico da política brasileira que talvez tragam essa obscuridade pra alguns aspectos dos versos”, ele continua. “Mas morando na roça e podendo trabalhar de casa, também pudemos curtir as crianças, as matas, os pássaros e os rios ao redor e uma canção pode ser otimista olhando para cima do fundo do poço. Talvez esse seja o recado.” Ele reforça que a nova canção tem elementos dos primeiros estágios da Cate Le Bon, uma estrofe meio Jovem Guarda e um refrão meio Grandaddy. “Na real são dezenas, talvez centenas de referências que a gente injeta numa produção musical, muitas vezes sem nem perceber”, completa. “Acho que é uma gravação bonita em seus artifícios de estúdio, mas também é uma canção que dá pra tocar no violão, uma canção bem inteira.”
Ele vê o novo disco como uma continuação conceitual do anterior, embora em outra praia sonora. “Sinto que tem menos arestas que o anterior, que os sons são mais aconchegantes, e isso se deve em parte ao conjunto das canções e em outra parte a uma evolução da captação sonora, mais pelo desenvolvimento das técnicas caseiras do que por incremento de equipamentos”, explica, reforçando que o disco é fruto de uma longa parceria que mantém com o amigo e produtor Diogo Santander, outro supercorda. “Felizes com as mixagens finais e buscando um terceiro olhar na finalização, entregamos a master para a nossa amiga Alejandra Luciani, grande gênia da engenharia sonora e das canções em seu duo Carabobina”. Tirando as vozes, o disco foi todo gravado em casa, “no olho do redemoinho da vida, do trabalho, das crianças, da família, que compartilho com a companheira Thalita, com apoio da mãe Indalecia, nas dobras temporais que encontro para produzir música no meio disso tudo”, divaga. “Sem glamour, sem dinheiro, sem frescura, apenas com a vontade invencível e inexplicável de lançar mais um álbum de canções.”
“O vídeo eu editei em umas poucas semanas a partir da ideia de apresentação dos versos, nesse chroma-key vintage de software pirata, sobre vídeos diversos que eu fiz com o telefone nos últimos anos, meio como um álbum familiar animado com texturas e paisagens”, conclui. E, como sempre, é bom demais. Veja a capa e o clipe do primeiro single abaixo: Continue
O C6Fest do ano que vem na tá pra brincadeira e acaba de soltar para a coluna do Gilberto Almêndola, do Estadão, que o Wilco é a terceira atração anunciada do festival, que acontece em maio de 2025. A terceira vinda da banda de Jeff Tweedy para o país vem somar-se às vindas dos Pretenders e do Air (tocando o Moon Safari!) no mesmo evento, o que já torna o festival um dos grandes acontecimentos do ano que vem. E tem mais: dia 22 eles anunciam a programação completa, nos dois dias seguintes a pré-venda é aberta para os clientes do banco que patrocina o festival e dia 25 os ingressos são vendidos para todos. A coisa tá ficando séria…
Geral tava esperando, mas agora tá vindo: os Boogarins acabam de anunciar Bacuri, seu quinto álbum de inéditas ao mostrar a curta “Crescer”, que você escuta na íntegra abaixo. Não há informações sobre data de lançamento, o que significa que pode ser A QUALQUER MOMENTO.
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Lost completou 20 anos há pouco tempo e de vez em quando alguém me pergunta se vale a pena rever a série. Eu digo que vale, ela segue boa, mas se você nao viu a série em 2004 em diante, você nunca terá noção de como ela foi boa. Lost encapsula um contexto que trabalha com várias camadas daquela nova contemporaneidade, que desconectava a TV da grade de programação fixa, abria margem para especulações sobre diferentes futuros para os personagens e transformava o público em analistas de narrativa. Elementos transmídia, pontos de vista contraditórios, erosão de gêneros, personagens aprofundados e enigmas que misturavam toda sorte de mitologia, politica, teorias da conspiração e questões espirituais levados ao mercado de massas. Se você nao viveu o tempo de Lost, uma boa comparação é o disco-fenômeno que Chali XCX lançou no meio desse ano (a versão de remixes que é a terceira encarnação de uma mesma obra) e se firma como o grande produto cultural de 2024. Brat tem tantas camadas que reúnem conceitos que são a cara do nosso tempo: discussões sobre relacionamentos, sobre o peso que a fama exerce na arte, a onipresença online, a manipulação da própria imagem, a separação entre vida e trabalho. Tudo isso envelopado numa dance music cabeçuda e pós-moderna, eletrônica séria equilibrada com refrães pop e ganchos grudentos que pouco vem desfilando um elenco de convidados que praticamente mapeia quem é quem na música pop deste ano. A nova versão do disco ousa ainda mais e estica a temporada Brat para além do verão no hemisfério norte. Ouvir esse disco daqui a 20 anos não vai dar a sensação de agora que sentimos hoje, enquanto ele pulsa cada vez mais. Um golpe e uma joia ao mesmo tempo.
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(Foto: Julia Milward/Divulgação)
“Esse disco é a impossibilidade de dar uma resposta em palavras”, me explica a produtora e multiartista Sue, falando sobre seu segundo álbum, que chega às plataformas digitais nesta quinta-feira, mas que ela antecipa em primeira mão para o Trabalho Sujo. O disco sucede seu disco de estreia, Soundtracks for Photographs, lançado em 2019, pouco antes da pandemia, em que ela usava a desculpa de compor, como o título entrega, trilhas sonoras para fotografias, como uma forma de mostrar como vinha sendo sua adaptação ao Brasil, uma vez que nasceu na França e mora aqui desde 2013. O período pandêmico acelerou o fim de sua banda anterior, o grupo de trip hop Ozu, e logo ela viu-se imersa em novas produções instrumentais que começavam a ditar o rumo de seu novo trabalho solo, que finalmente vem à tona. O disco é batizado de Quando Vc Volta?, pergunta que ela cansou de ouvir de seus conterrâneos sobre sua estada em nosso país. O resultado é um hipnótico conjunto de transes instrumentais que passeia tanto pelo trip hop quanto pelo hip hop instrumental quanto por variações ambient, num disco ao mesmo tempo experimental e reconfortante, que conta com participações de Desirée Marantes, com quem dividiu a instigante temporada Mil Fitas, no Centro da Terra em junho do ano passado, e Dharma Jhaz em faixas com títulos em diversos idiomas: de sua língua-pátria (“Je Fais Ce Que Je Peux”) a títulos em inglês (“Morning Tears”, “Pulse” e “First Steps”), português (“Colo”, “Araucária”, “Vida Morte Vide”, “Gigantesca”, “Complemento”) e palavras no meio do caminho (como “Anton” e “Alias”). Quando perguntei para ela sobre o porquê de um disco que discorre sobre essa impermanência territorial não ter texto, ela responde sucinta: “Diante da falha das palavras, seja em francês ou em português, quem fala é o som.”
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