Escrevi sobre a relação do Demolidor, a nova série da Marvel para a TV e a primeira pro Netflix, e o próximo filme dos Vingadores lá no meu blog do UOL:
http://matias.blogosfera.uol.com.br/2015/04/10/o-que-a-serie-do-demolidor-pode-antecipar-sobre-o-novo-vingadores/.
Comentei outro dia sobre como a Marvel vem esmerilhando ao narrar sagas extensas que perpassam vários filmes ao mesmo tempo em que apresenta histórias paralelas na TV que conversam com os longas que estreiam no cinema. Nesta sexta-feira eles dão mais um passo rumo em seu ousado experimento transmídia ao tentar sincronizar a atenção de todo o planeta em períodos determinados de tempo. É quando estreiam a primeira temporada da série Demolidor, ressuscitando o personagem – que já foi vivido por Ben Affleck num risível filme de 2003 – para o universo cinematográfico da Casa das Ideias.
A grande diferença é que, ao contrário das séries anteriores da Marvel (Agents of S.H.I.E.L.D. e Agente Carter), o novo seriado não foi feito em parceria com a emissora ABC, um canal de televisão tradicional, e sim com o serviço de assinatura Netflix. A novidade não diz respeito apenas à forma de distribuição do seriado, que não chega mais transmitido por antenas ou por cabos de TV paga e sim pelas conexões da internet. A mudança diz respeito ao fim das janelas de lançamento global entre conteúdos produzidos para a televisão.
Explico: por não ser uma operação que envolve todo o planeta e sim apenas os Estados Unidos, as coproduções com o canal ABC não podem ser exibidas simultaneamente ao mesmo tempo em diferentes países. Há uma grade de retransmissão para valorizar as estreias no país de origem. Por isso é mais difícil sincronizar a história da série com a longa história contada em diferentes filmes que estreiam quase que ao mesmo tempo em todos os países do mundo. Como a série também é da ABC, ela negocia seus direitos com outras emissoras locais e estas vão definir, cada uma com seu critério, data e ordem de exibição nos diferentes países.
Então se determinada ação num episódio de Agents of S.H.I.E.L.D. que fosse exibido uma semana antes da estreia do segundo filme do Capitão América nos cinemas tivesse continuação no filme, esta relação de ação e consequência só poderia ser percebido em tempo real pelo público americano ou pelo resto do mundo através da pirataria. Se dependêssemos da grade de programação de lançamento entre cinemas e emissoras de TV em todo o mundo, a costura narrativa entre diferentes histórias seria toda em vão – a não ser para espectadores do futuro que queiram acompanhar todas as produções de uma vez, em ordem.
Ao apostar em jogar toda a temporada de seu novo seriado no Netflix, a Marvel também instiga os fãs mais ávidos a consumirem uma nova série em uma periodicidade quase diária – ou mais curta, nas já tradicionais maratonas de seriado. É que o próximo Vingadores estreia em duas semanas em todo o planeta e uma das imagens de divulgação do novo seriado já deixou claro que, embora o universo do Demolidor se restrinja a uma vizinhança de Nova York (o bairro Hell’s Kitchen), ele também habita a mesma Nova York que o Homem de Ferro, Thor, Hulk e companhia – é só reparar a Torre dos Vingadores no horizonte à direita lá de cima deste post.
Vingadores 2 – A Era de Ultron estreia no mundo todo em duas etapas: no dia 23 de abril (no Brasil, Argentina, Europa ocidental, Rússia, Israel, Índia, África do Sul, Indonésia, Taiwan, Hong Kong, Singapura, Austrália e Nova Zelândia, entre outros) e no dia 1° de maio (nos EUA, Chile, Equador, Espanha, Europa oriental, Iraque, México, Peru, Portugal Tailândia, Canadá e Vietnã, entre outros). O filme vem sendo guardado a sete chaves e já é cotado como possível campeão de bilheteria histórico no fim de semana de sua estreia, deixando os 200 milhões de dólares do primeiro Vingadores comendo poeira. A especulação sobre o sucesso do filme é tamanha que há quem fale que ele pode se tornar o primeiro filme a faturar 2 bilhões de dólares, uma marca inacreditável.
Se o filme é bom? Os três trailers já lançados mostraram que há o mesmo tanto de ação quanto de construção de personagens – e um desocupado conseguiu colocar os três trailers em ordem, tentando imaginar uma certa cronologia (que faz sentido) para o filme a partir apenas de imagens de divulgação.
Alguns críticos norte-americanos já assistiram ao filme mas, sob embargo, não podem entrar em detalhes. Mas já comentaram em linhas gerais o que podemos esperar do novo filme.
Avengers: Age of Oh Yeahhhhh It's Good!
— Christopher Rosen (@chrisjrosen) April 10, 2015
Vingadores: A Era do Oh Yeahhhhh Como É Bom!”
#AvengersAgeOfUltron is darker, weirder and more emotional than the original. It's also the thrill ride to beat this summer.
— Drew Taylor (@DrewTailored) April 10, 2015
#VingadoresEraDeUltron é mais sombrio, mais esquisito e mais emotivo que o original. É também a viagem mais incrível deste verão.
Whedon stuffs Avengers Age of Ultron with an impossible amount of great geekiness. Sometimes it feels like too much, but he pulls it off!
— Kevin P. Sullivan (@KPSull) April 10, 2015
“Whedon enche Vingadores A Era de Ultron com uma quantidade impossível de ótimo nerdismo. Às vezes parece demais, mas ele se garante!”
Important to note AVENGERS AGE OF ULTRON is a completely different movie than the first one. And that's why it works.
— Steven Weintraub (@colliderfrosty) April 10, 2015
“Uma nota importante sobre VINGADORES A ERA DE ULTRON é que é um filme completamente diferente do primeiro. E é por isso que funciona.”
Just saw AVENGERS: AGE OF ULTRON. Soooooooo many characters and soooooo much going on, I can't believe it's coherent, let alone so fun.
— Mike Ryan (@mikeryan) April 10, 2015
“Acabei de ver VINGADORES: A ERA DE ULTRON. São taaaantos personagens e taaaanta coisa acontecendo que eu não consigo acreditar que consiga manter a coerência, além da diversão.”
Avengers 2 is both an amazing sequel and a fantastic setup for the rest of the MCU. So nerdy in the best possible way.
— Mike Sampson (@mjsamps) April 10, 2015
“Vingadores 2 é tanto uma continuação incrível quanto uma armação fantástica para o resto do universo Marvel no cinema. Tão nerd da melhor maneira possível.”
AGE OF ULTRON is a blast and there's a ton of cool Marvel surprises!
— Silas Lesnick (@silaslesnick) April 10, 2015
“ERA DE ULTRON é um barato e tem uma tonelada de surpresas Marvel!”
Avengers 2 is way more fun and great than the trailers let on.
— Meredith Woerner (@MdellW) April 10, 2015
“Vingadores 2 é ainda mais divertido do que os trailers faziam parecer”
Mais complexo, mais nerd, mais sombrio, mais divertido… Será que a série do Demolidor pode dar alguma pista do que esperar do próximo filme? Só há um jeito de saber.
Escrevi no meu blog do UOL porque os números de Lost fazem sentido especificamente hoje: http://matias.blogosfera.uol.com.br/2015/04/08/fanaticos-pela-serie-comemoram-hoje-e-dia-de-lost/.
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4, 8, 15, 16, 23, 42…
Enquanto Lost era a série mais importante de seu tempo, estes seis números confundiam os fãs e serviam como prova para quem não acompanhava a série que tudo aquilo era só um emaranhado de referências aleatórias feitas para instigar a atenção e fazer os aficionados discutirem sobre temas sem sentido.
A série acabou em 2010, algumas coisas foram explicadas, muitas delas não, entre elas, a sequência de números que apareciam em todo canto da série, de um bilhete da loteria premiado em 2004 a um número talhado numa escotilha enterrada nos anos 70.
Como a internet não para, alguém descobriu que a combinação dos números faz sentido especificamente hoje, dia 8 de abril de 2015. Mais especificamente às quatro e vinte e três da tarde, aos quarenta e dois segundos…
Sim: 4 (abril) / 8 / 15 / 16:23:42. Os números formam a data precisa de uma comemoração que irá ser feita apenas por fãs fervorosos da série de J.J. Abrams. Aqueles que, mesmo sem ter gostado do final, ainda celebram o seriado como um dos mais importantes de nossos dias.
E, de quebra, transforma o dia 8 de abril no dia anual de Lost. Como o quatro de maio (May the 4th/Force) é o de Guerra nas Estrelas.
E essa agora?
Estamos todos sérios falando da volta de Twin Peaks e Arquivo X e aí chega o Netflix falando que Três é Demais pode voltar! Comentei sobre essa possibilidade lá no meu blog do UOL http://matias.blogosfera.uol.com.br/2015/04/07/mais-nostalgia-anos-90-quem-esta-preparado-para-a-volta-de-tres-e-demais/.
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Entre a confirmação de uma nova temporada de Arquivo X e o cancelamento da volta de Twin Peaks surge mais um boato sobre outra volta seriados dos anos 90. Desta vez é a vez do pacato Três é Demais, que também é conhecido por seu nome original, Full House, que foi cortejado pelo Netflix para voltar em nova temporada.
A série é mais lembrada pelas tiradas infames do personagem bebê Michelle Tanner, vivido pelas gêmeas Mary-Kate e Ashley Olsen, uma das filhas do protagonista Danny Tanner, interpretado por Bob Saget. Além de Michelle, Danny era pai da adolescente D.J. (Candance Cameron) e a da pré-adolescente Stephanie (Jodie Sweetin) e a série partia da premissa que, logo após a morte de sua esposa em um acidente de carro, Danny mudava-se para uma casa com suas filhas e o cunhado Jesse (John Stamos), que tenta a sorte como músico, e seu amigo Joey (Dave Coullier), um comediante novato. O título em português faz referência aos três adultos e às três crianças, enquanto o título em inglês falava da casa cheia sempre de gente da improvável família.
A série durou entre 1987 e 1995 e emplacou no Brasil como um dos primeiros sucessos da então incipiente TV a cabo, nos anos 90. Antes do Warner Channel repetir Big Bang Theory e Friends sem parar, um de seus principais sucessos era Três é Demais (sempre exibido junto com Step by Step).
Três é Demais é um dos inúmeros exemplos de como eram os programas de TV antes dos anos 90. A lógica dos episódios era repetitiva, os diálogos superficiais, as histórias quase sempre eram conduzidas apenas para alternar momentos de candura, frases de efeito e piadas do tipo “tio do pavê”. As mudanças na série aconteciam em câmera lenta. Por oito temporadas, a única coisa que mudou além da idade das crianças foi a entrada da personagem Rebecca (Lori Loughlin), que começa a namorar Danny na segunda temporada, casa-se com ele na quarta e tem filhos gêmeos na quinta. De resto, dá para assistir à série em qualquer ordem, sem acompanhá-la. Não há nenhum nível de complexidade. Ela é tão rasa – e divertida – quanto os Trapalhões ou Chaves ou qualquer outro seriado de seu tempo. Uma relíquia de quando a televisão era mais inocente.
Vieram os anos 90 e com eles revoluções na narrativa, na linguagem, na tecnologia – e os seriados de TV se reinventaram para o século 21. Os Simpsons, Twin Peaks e Arquivo X começaram a rascunhar o já clássico Olimpo da TV desde século, formado por títulos como Sopranos, Six Feet Under, Lost, Mad Men, Breaking Bad, The Wire, Walking Dead e Game of Thrones. Séries como Full House hoje não passam nem do primeiro estágio de produção, devido à sua simplicidade.
A tentativa do Netflix em emplacar uma nova versão do seriado tem mais a ver com a volta dos anos 90 (que eu comentei outro dia) do que com uma reinvenção de narrativa, como seria o caso dos retornos de Twin Peaks e Arquivo X. As fichas do serviço digital devem ter ido para Três é Demais por uma questão de zeitgeist: há algum tempo uma série de entrevistas e aparições dos atores e personagens da série original têm mostrado que o interesse do público norte-americano em Full House segue à toda.
Primeiro foi a volta da banda do personagem “Tio Jesse” no programa de Jimmy Fallon, em 2013:
Depois, em janeiro do ano passado, foi novamente o personagem de John Stamos quem puxou a conversa, mas Saget e Coullier vieram juntos neste anúncio de iogurte grego veiculado durante o Superbowl:
Também no ano passado, as gêmeas Mary-Kate e Ashley Olsen falaram sobre a série em uma entrevista no programa de Ellen DeGeneres:
E no início deste ano, todo o elenco da série (menos as duas gêmeas) se reuniu para cantar o tema de Full House para o produtor e criador do seriado, Jeff Franklin, em sua festa de 60 anos.
E agora vem esta especulação que, se confirmada, acompanhará a rotina da filha Tanner mais velha, D.J., e sua melhor amiga, Kimmy Gibler (vivida por Andrea Barber), além de ter pontas dos principais nomes da versão original. A nova temporada, segundo o site TVLine, se chamaria Fulller House (Casa Mais Cheia) e teria 13 episódios. Ainda não foi confirmado, mas é questão de tempo, segundo o site. Resta saber se ele manterá a inocência daqueles tempos ou se tentará acompanhar o espírito da TV do século 21.
Aproveitei o lançamento do trailer do documentário sobre Amy Winehouse – além do próximo documentário sobre Kurt Cobain – pra falar sobre como os ídolos do futuro serão construídos: http://matias.blogosfera.uol.com.br/2015/04/05/amy-winehouse-kurt-cobain-e-a-criacao-dos-idolos-do-futuro/.
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Comentei outro dia sobre o documentário sobre Amy Winehouse e o trailer dele apareceu logo em seguida. Vale ver ou rever:
Dirigido pela mesma equipe que produziu o documentário Senna, o filme sobre a cantora inglesa chama-se apenas Amy e carrega uma forte semelhança com outro documentário que mencionei aqui neste blog, Montage of Heck, sobre os anos de formação de Kurt Cobain.
Já escrevi aqui que a atual fase de ouro do cinema documental inevitavelmente nos trará para questionamentos mais frequentes sobre nosso cotidiano, em vez de remoer o passado. Mas os filmes Amy e Montage of Heck são os exemplos mais recentes de uma longa onda de reinvenção pública de personalidades pop, uma tendência que teve início durante os anos 80, quando novas tecnologias como o videocassete, a fita cassete e o compact disc possibilitaram que a indústria do entretenimento começasse a se reinventar a partir de relançamentos.
Foi quando artistas e autores começaram a entender o valor de suas personalidades públicas na hora de se vender um produto cultural. Os precursores desta tendência foram os Beatles, que aproveitaram a chegada do CD para oficializar sua discografia, determinando a versão britânica de seus discos como sendo o catálogo canônico da banda. Mas só foram os Beatles – e não, por exemplo, Elvis Presley, Miles Davis, Frank Sinatra ou o Led Zeppelin – porque durante os anos 80, o grupo completava aniversários de vinte anos de diferentes efemérides em sua carreira. E sempre que uma geração madura olha para sua adolescência, a diferença entre essas duas fases é de vinte anos, o que faz que ela tenha disposição financeira para gastar com produtos culturais dos tempos em que era jovem – e quase sempre não tinha dinheiro para comprar o que gostaria. A interseção entre as novas tecnologias de registro de áudio e vídeo e o início do revival dos anos 60 deu origem à mitificação de toda uma era, que não era tão gigante em seu próprio tempo.
Não é exagero dizer que todos os clássicos dos anos 60 – sejam bandas de rock, filmes emblemáticos, best-sellers, quadrinhos alternativos – são muito maiores atualmente do que em seu tempo. Daria pra dizer o mesmo sobre ícones de outras épocas, mas os anos 60 são uma década muito mais emblemática culturalmente do que as décadas anteriores. Todo o zeitgeist presente na época – a beatlemania, a literatura beat, o free jazz, a Invasão Britânica, a Jovem Guarda, a psicodelia, o black power, a Swinging London, o existencialismo, o feminismo, a nouvelle vague, a contracultura, os movimentos sociais, o situacionismo, o tropicalismo e qualquer outro movimento daquela época – conseguiu consolidar-se vinte anos depois graças a uma onda de relançamentos que só aconteceu graças ao advento das novas tecnologias, especialmente graças à popularização do CD e do VHS.
Como estas novas tecnologias não nos abandonaram – pelo contrário, foram sendo ampliadas as formas de se registrar e relançar produtos culturais -, a consolidação das décadas que vieram após os anos 60 em nosso imaginário aconteceu à medida em que passavam-se vinte anos de cada uma delas: os anos 90 ajudaram a consolidar os anos 70 (dos Beastie Boys a Quentin Tarantino, Boogie Nights e a disseminação da estética vintage) e a primeira década deste século moldou a imagem que temos dos anos 80 (plásticos, eletrônicos, urbanos e cheios de néon). Estamos, nos anos 10, em pleno período de reavaliação dos anos 90, consolidando a última década do século passado em nosso inconsciente coletivo atual, e prestes a começar a tentar a entender os anos 00, que nem sabemos como chamar.
E é aí que entram os documentários sobre Kurt Cobain e Amy Winehouse. Cada vez mais vamos assistir à consolidação de biografias que moldaram suas reputações a partir de registros culturais – tanto ao ser inspirado por discos, livros e filmes quanto por usar gravadores, filmadoras, celulares, máquinas fotográficas e a internet como dispositivos para registrar suas próprias produções caseiras e, portanto, suas próprias vidas.
Em pouco tempo estaremos assistindo a documentários sobre pessoas que tiveram toda sua vida registrada – seja em milhões de fotos tiradas diariamente pelos pais quanto por registros em redes sociais, canais de compartilhamento de conteúdo digital, troca de mensagens instantâneas, cruzamento de contatos via internet. As infâncias de Kurt Cobain e de Amy Winehouse foram muito mais registradas do que as de John Lennon ou de Billie Holiday. Há um ar de mistério nos velhos ídolos justamente por não termos registros de tudo sobre eles.
Será que se tivéssemos redes sociais nos anos 60 assistiríamos aos shows dos Beatles em Hamburgo pelo YouTube? Ou o Velvet Underground poderia ser bem maior graças à máquina de hype de Andy Warhol? Quem sabe? O fato é que quem quiser conhecer melhor qualquer pessoa pública de nossos tempos antes da fama, basta usar a internet para fazer algumas buscas e descobrir fotos, vídeos e, dependendo da idade do artista, posts em redes sociais que podem revelar muito sobre sua produção atual e também sobre sua personalidade.
Cada vez mais os biógrafos do futuro terão menos dificuldade para acessar a acervos pessoais de seus biografados. Talvez a maior preocupação seja conseguir reunir e assistir a tudo – ver, ler, ouvir, catalogar – para chegar a um produto final.
E não acho que isso seja melhor ou pior do que o que tínhamos antes – é apenas como a cultura de nosso tempo se move.
O filme que conclui uma das séries mais alto astral que existem vai estrear no meio do ano – e lá no meu blog do UOL eu expliquei porque acho que essa é a deixa perfeita pra você assistir a Entourage: http://matias.blogosfera.uol.com.br/2015/04/04/assista-a-serie-entourage-antes-que-o-filme-estreie-nos-cinemas/.
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Turtle (Jerry Ferrara), Ari Gold (Jeremy Piven), Vincent “Vince” Chase (Adrian Grenier), Eric “E” Murphy (Kevin Connolly) e Johnny “Drama” Chase (Kevin Dillon)
A praticidade digital mudou também a nossa forma de assistir TV – e isso é um dos grandes responsáveis pela ótima fase que a produção para o formato vem atravessando, especialmente no que diz respeito a seriados. Tanto que a dúvida sobre que nova série assistir tem se tornado cada vez mais frequente, à medida em que encerramos cada novo ciclo de episódios e temporadas.
Pois se você ainda não viu Entourage, a hilária comédia da HBO sobre os bastidores de Hollywood, a hora certa para tirar esse atraso é agora. O seriado, que foi produzido entre 2004 e 2011, finalmente será concluído este ano, quando um longa metragem funcionará como season finale cinematográfico para uma série sobre cinema. A previsão de estreia do filme no Brasil é o dia 13 de agosto, por isso pode parecer meio inviável assistir a oito temporadas de uma série em menos de um semestre. Mas Entourage é tão legal que seus episódios de menos de meia hora podem ser assistidos enfileirados e em duas horas assiste-se a cinco ou seis episódios sem muito esforço. Culpa da qualidade da série.
Entourage conta a história de Vincent Chase (vivido pelo galã Adrian Grenier), um ator revelação que sai de Nova York para tentar o sucesso em Los Angeles cercado por sua “comitiva” de amigos, a entourage do título. A premissa da série é o grupo de poucos chegados que cerca qualquer celebridade em seus dias de glória, que no caso de Chase são seus amigos de infância.
O insuportável Eric Murphy (Kevin Connolly) é o melhor amigo de Vincent e por ter um pingo de experiência profissional a mais que seus amigos (foi gerente de uma pizzaria em Nova York) passa a ser o empresário do ator. O patético Johnny Chase é o meio-irmão mais velho do ator que tenta a fama depois do breve sucesso no seriado Viking Quest – enquanto isso não acontece, assume os papéis de segurança, personal trainer e cozinheiro do irmão. O gordinho Salvatore Assante (Jerry Ferrara) completa o time sem ter uma função definida, agregado pela amizade e faz as vezes de motorista ou arruma maconha quando seus amigos precisam. Os três – mais conhecidos pelos apelidos E, Drama e Turtle, respectivamente – são a base de sustentação emocional de Vincent, que não se deslumbra com o sucesso e só quer viver a vida sem se preocupar. O vínculo entre os quatro, que vai crescendo à medida em que as temporadas avançam, é a liga que sustenta a série.
Além dos quatro, a série também conta com um dos melhores personagens de comédia deste século, o psicótico agente de Chase, Ari Gold, numa performance exemplar de Jeremy Piven que vai melhorando à medida em que a série avança. Piven, um ator de terceiro escalão, aproveitou a oportunidade de viver um personagem exageradamente desbocado e caricato e encontrou o papel de sua vida. Ari Gold é daqueles personagens que pedem uma série só pra ele.
A série foi produzida pelo ator Mark Wahlberg, cuja turma de amigos inspirou cada um dos personagens. Esta conexão também foi responsável por trazer ao seriado um desfile de atores famosos e personalidades do primeiro time da indústria do entretenimento em participações especiais, em muitas vezes vivendo eles mesmos. Por Entourage já passaram nomes como James Cameron, Sydney Pollack, Kanye West, Dennis Hopper, Michael Phelps, M. Night Shyamalan, Martin Scorsese, Eminem, Stan Lee, Sasha Grey, Bono, Seth Green, Mandy Moore, Peter Jackson, Gus Van Sant, Matt Damon, Mike Tyson e o próprio Wahlberg, várias vezes.
E mais do que uma série divertida, Entourage é alto astral. Quase todos os episódios terminam com os amigos comemorando mais uma vitória, seja um contrato milionário, uma conquista amorosa ou uma festa de arromba. Mesmo quando tudo dá errado, a amizade dos quatro é motivo para que eles continuem fazendo o que fazem.
Ao optar encerrar sua história com um longa metragem, Entourage encerra também as metapiadas sobre o estilo de vida em Hollywood. O seriado sempre ironizou tanto as hipérboles dos blockbusters quanto o purismo artístico de produções independentes, além de exibir caricaturas grotescas de personalidades do mundo do cinema, como atores que vivem bêbados ou chapados, viciados em sexo, empresários vingativos, atores mirins de boca suja, executivos psicóticos, zens de araque, groupies de todos os sexos e alpinistas sociais. Ao ir ele mesmo para a telona, aproveita a mudança de ambiente para atingir patamares ainda mais altos de produção, que se reflete nas carreiras dos personagens, todos vivendo momentos profissionais improváveis para quem os viu no início do seriado. A transição transmídia neste caso ainda tem um toque autorreferencial. O filme é dirigido pelo criador da série, Doug Ellin.
O trailer do Entourage, divulgado na semana passada, acaba entregando o destino dos personagens para quem nunca viu a série, mas dá uma boa ideia de qual é a onda do filme, além de enfileirar todas as celebridades que fazem pontas neste enorme último capítulo. Sugiro assistir depois de ver a série inteira.
No Brasil ela pode ser vista através do HBO Go, o serviço de vídeo on demand da HBO.
Se não deu pro Johnny Marr vir pro Brasil no auge dos Smiths, talvez sua atual fase seja a melhor época de sua carreira – por isso é bola dentro do Festival da Cultura Inglesa. Explico o porquê no meu blog no UOL: http://matias.blogosfera.uol.com.br/2015/04/03/johnny-marr-vem-para-o-brasil-na-hora-certa/
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O Festival da Cultura Inglesa vem se confirmando como um dos principais eventos do calendário cultural de São Paulo graças a uma programação constante e coesa. Fui curador das duas primeiras edições em que o evento começou a trazer artistas britânicos para fazer shows gratuitos na cidade (em 2011 e 2012) e nas ocasiões trouxemos Franz Ferdinand, Miles Kane, Blood Red Shoes, The Horrors, We Have Band e Gang of Four. De lá pra cá o festival seguiu bem seu rumo, trazendo Kate Nash em 2013 e Jesus & Mary Chain no ano passado e, para 2015, sua principal atração é o guitarrista Johnny Marr.
Seu nome não é tão conhecido como seus riffs precisos que funcionavam como espinha dorsal para todas as músicas dos Smiths durante a curta existência da banda nos anos 80. Entre 1982 e 1987, a banda liderada por Morrissey e pelo guitarrista reescreveu a história do rock mundial como uma espécie de antítese à desenvoltura dos Rolling Stones – uma banda doce (nas melodias de Marr) e ácida (nas letras de seu vocalista) que reeducava a música pop para o nascimento da estética roqueira introvertida que com o tempo seria referida como indie.
E tudo isso antes de completar 24 anos – prodígio é pouco! O fato de ser lembrado pelo legado dos Smiths ofusca uma longa carreira como guitarrista convidado e session man que segue a tradição dos velhos músicos do início do século passado, que andavam quilômetros sozinhos apenas com seus instrumentos, prontos para tocar com quem viesse pelo caminho.
Marr tocou e gravou com quem quis: Bryan Ferry, Talking Heads, Paul McCartney, Beth Orton, Everything but the Girl, Oasis, Crowded House, Pet Shop Boys, Pharrell, Beck, Jane Birkin, Cult, Lydia Lunch, Black Uhuru, Sandie Shaw, além de criar grupos passageiros com integrantes de bandas como Radiohead, Pearl Jam, Kula Shaker, Echo & the Bunnymen e o filho de Ringo Starr (Zak). Fundou o Electronic com o Bernard Sumner do New Order, foi integrante oficial por curto período de bandas tão diferentes como The The, Pretenders, Cribs e Modest Mouse e participou da trilha sonora de Inception, de Christopher Nolan.
Ao atingir o primeiro escalão do rock na tenra idade, Johnny Marr saiu dos Smiths e passou a trilhar os caminhos que quis no mundo do topo do pop dos últimos trinta anos. Antes de completar 50 anos, em 2013, assumiu sua carreira solo e desde então lançou dois discos, The Messenger e Playland, este último inspirado no livro Homo Ludens, do historiador holandês Johan Huizinga, que discute a importância do jogo no desenvolvimento da cultura humana. Os discos não são brilhantes mas estão longe de serem medianos e funcionam como credenciais para Marr seguir desbravando o planeta com sua munheca mole conduzindo sua indefectível guitarra. E sem nenhum drama em relação ao passado, sempre tocando hits dos Smiths e do Electronic em suas apresentações.
E assim ele chega mais uma vez ao Brasil, depois de uma grata apresentação à tarde no Lollapalooza do ano passado, desta vez como atração principal de um evento. O timing é perfeito: Marr está escrevendo sua autobiografia (“chegou a hora de contar a minha história”, disse à Rolling Stone) e começa a falar sobre dirigir seu primeiro filme, como revelou à BBC, sem dar maiores detalhes.
Esperto, Marr pode estar preparando também um filme para acompanhar o lançamento da autobiografia, que ele mesmo está escrevendo, sem ghostwritter, como disse na mesma entrevista à BBC em que também falou que já escreveu um terço do livro, que será lançado no segundo semestre de 2016. Marr também revelou que irá “honrar os Smiths” no livro, que ainda não tem título.
Assistiremos, portanto, o show de Johnny Marr num momento de reflexão sobre a própria carreira que pode render bons frutos, como esta recente versão que ele gravou para um clássico de outra banda contemporânea sua, “I Feel You”, do Depeche Mode.
O show de Johnny Marr acontecerá no dia 21 de junho, no Memorial da América Latina, em São Paulo.
Expliquei lá no meu blog do UOL porque eu acho que esse novo serviço de streaming capitaneado pelo Jay-Z – o Tidal – está fadado a dar errado: http://matias.blogosfera.uol.com.br/2015/04/01/por-que-o-servico-de-streaming-de-jay-z-nao-vai-dar-certo/
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A semana começou com o anúncio de mais um serviço de streaming de música. O Tidal, gerido pelo rapper Jay-Z, se destaca dos concorrentes ao apresentar seu elenco estelar: Daft Punk, Madonna, Beyoncé, Calvin Harris, Arcade Fire, Nicki Minaj, Jack White, Rihanna, Usher, Chris Martin e Kanye West são alguns dos nobres do mondo pop atual a endossar e participar da nova empresa.
O discurso do press-release é que o novo serviço é “uma plataforma controlada por artistas para reestabelecer o valor à música”. A cantora Alicia Keys falou em nome do grupo: “Queremos criar uma experiência e um serviço melhores para fãs e artistas. Nossa missão vai além do comércio e da tecnologia.” A diferença entre o Tidal e outros serviços atuais que já atuam nesse mercado – Spotify, Deexer, Rdio, Pandora e Napster, são seus principais nomes – é que ele não conta com versão gratuita e é necessário pagar pelo menos 10 dólares por mês para se ter acesso a conteúdos exclusivos dos artistas que Jay-Z, há tempos mais executivo do que rapper, conseguiu convencer a endossar seu novo projeto.
Nas entrelinhas do anúncio vem a mensagem de que os atuais serviços de streaming não remuneram bem os artistas, repassando centésimos de centavos por canções. Esta polêmica foi transformada em notícia quando a atual rainha da música pop Taylor Swift retirou todo seu catálogo do Spotify (o serviço de streaming mais popular do mundo atualmente) para priorizar as vendas físicas de seu ótimo álbum 1989, lançado no final do ano passado. A manobra obrigou os fãs da cantora comprar seus CDs fazendo o álbum atingir a certificação de disco de platina (um milhão de unidades vendidas) – a única concedida em 2014.
E que estas empresa de tecnologia, que inevitavelmente comprarão os mais bem sucedidos, estão mais interessadas em tráfego de público do que com qualidade – um discurso subliminar tendencioso que acaba amaciando para os detentores dos fonogramas e, em alguns casos, dos direitos autorais: as próprias gravadoras. Não lembro de ter visto nenhuma gravadora reclamando de qualquer serviço de streaming.
Afinal, elas não tem nem porque reclamar: estes serviços garantem um belo dinheiro para estas empresas que negociam execuções públicas. E se há algo de errado, deve estar na elaboração do contrato – e não depois de ambas partes terem assinado.
O Tidal até oferece um período de teste gratuito e já anunciou os conteúdos exclusivos que estão disponíveis para assinantes: um filme do Daft Punk, uma apresentação na TV do Arcade Fire e playlists assinadas por Beyoncé, Jay-Z, Deadmau5, Coldplay e Jack White. E se você pagar mensalidades de 20 dólares em vez de 10, você ainda recebe todos esses conteúdos em altíssima definição.
20 dólares por mês para ouvir algumas músicas exclusivas com fone de ouvido de celular? Hmmm, acho que isso não vai dar certo…
Boi de piranha
Nossos hábitos culturais têm mudado drasticamente na mesma medida em que a internet torna-se mais onipresente e invasiva em todas as atividades de nosso dia a dia e a música tem o importante papel de apontar os novos rumos, devido a uma série de fatores: você consegue ouvir música fazendo qualquer outra coisa, é muito raro alguém não gostar de música (na mesma proporção que não gosta de outras atividades culturais) e, tecnologicamente, ela é mais leve e fácil de ser transmitida. Estes fatores fizeram a música funcionar como boi de piranha para uma série de transformações que começaram a ocorrer em nossas vidas à medida em que a banda larga começou a se espalhar pelo planeta, no começo do século.
A principal tendência no mercado de música atual são os serviços de streaming de áudio. São aplicativos, redes sociais ou um misto de ambos que permitem que se tenha acesso a entre 20 e 40 milhões de canções tocadas continuamente enquanto houver conexão com a internet. Marcas que ensinam novos ouvintes a fazer listas de músicas para ouvir mais tarde, a experimentar novos artistas recomendados a partir do seu gosto musical e ouvir música enquanto estiver acompanhado por seu celular – o que hoje em dia é o equivalente a dizer “sempre”. Estes serviços em sua grande maioria são gratuitos e oferecem obstáculos para a audição em forma de anúncios ou pela limitação de recursos do sistema. Ao pagar uma mensalidade de menos de R$ 20, o assinante não ouve mais propaganda e tem acesso ilimitado às trocentas milhões de músicas oferecidas em catálogo, como se este número pudesse ser ouvido por qualquer ser humano em uma única vida.
É um formato que radicaliza o que o hábito de baixar música havia começado. A era do download deixou as importantes obras e informações que emolduravam os discos (capa, contracapa, encarte, letras, ficha técnica, algum texto sobre o disco) como acessórios descartáveis, o importante era baixar as músicas, ponto final. A era do streaming leva esse processo ainda mais ao extremo ao transformar o momento de fruição de uma obra musical em um ato contínuo e a audição torna-se mera trilha sonora para qualquer outra atividade. Não é nem mais preciso procurar por música, ela chega – mas ao contrário da rádio, cada pessoa ouve e vive em sua própria bolha de músicas conhecidas.
Contudo não é apenas a mudança comportamental que vem sendo discutida aqui, mas a remuneração do artista, que parou de receber pelo conteúdo digital quando começou a farra do download gratuito. Agora, principalmente graças aos novos serviços de streaming, o desafio de reverter essa lógica vem sendo cumprido, quando estes serviços oferecem conteúdos mais fáceis de ser acessados – mesmo gratuitamente – do que serem pirateados.
A entrada de Jay-Z neste jogo com o Tidal não é só parte dessa tendência de aplicativos de áudio. Ela acompanha a irreversibilidade do digital, que, em relatório do ano passado da associação dos produtores de disco dos EUA (a RIAA, na sigla original), ultrapassou pela primeira vez as vendas físicas em faturamento. Foram 32% de discos vendidos contra 37% de downloads e 27% em streaming. Além disso, há a curva ascendente destes serviços desde 2011 (quando tinham 1,8 milhões de assinantes) até o ano passado (com 7,7 milhões).
Mas há outro fator importante para o lançamento da Tidal que foi a transformação do produtor de rap Dr. Dre em magnata da música digital quando sua empresa de headphones, a Beats by Dre, foi comprada pela Apple no ano passado por quase US$ 3 bilhões de dólares. A empresa do produtor do grupo NWA, que lançou nomes como Snoop Dogg, Eminem e 50 Cent, estava começando a rascunhar seu próprio serviço de streaming quando foi comprada pela empresa fundada por Steve Jobs.
Apostaria que Jay-Z está entrando nesse jogo para consolidar o nome de sua empresa (que ele comprou há apenas dois meses) para vendê-la lá na frente, reacendendo a infame rusga entre o rap da costa oeste (Dr. Dre é da região de Los Angeles) e da costa leste (Jay-Z é da região de Nova York) dos EUA agora no campo do big business.
Mas do outro lado do ringue temos um produtor bilionário que já está associado com a Apple…
David Duchovny e Chris Carter começaram a esboçar como vai ser a curta décima temporada de Arquivo X, que começa a ser filmada no meio do ano. Comentei sobre entrevistas dadas pelos dois lá no meu blog do UOL: http://matias.blogosfera.uol.com.br/2015/03/29/o-que-podemos-esperar-do-novo-arquivo-x/
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David Duchovny e Gillian Anderson na encarnação mais recente da dupla Mulder e Scully, no filme de 2008
Nem bem foi confirmada pela emissora norte-americana Fox na semana passada e a nova temporada de Arquivo X já começa a ser desenhada em nossa frente. Duas entrevistas recentes, com o criador da série Chris Carter e seu protagonista David Duchovny anteciparam algumas expectativas em relação ao que podemos esperar desta décima safra de episódios – seis, numa curta temporada, que começa a ser produzida no meio do ano.
E em Vancouver, no Canadá, onde foram filmadas – por questões de orçamento – as cinco primeiras temporadas da série. Foi uma das revelações que David Duchovny fez a Jeremy Egner, do blog ArtsBeat do jornal New York Times. Ele ainda contou que os seis episódios terão tanto histórias que serão iniciadas e terminadas num mesmo programa quanto terão relação com o extenso imaginário da série. “Vamos fazer ambos, mas eu tenho certeza que começará e terminará com a mitologia”, contou o ator, que atualmente está envolvido na produção do seriado Aquarius.
Duchovny também está ansioso para voltar ao personagem depois de evoluir como ator: “Se eu voltasse ao primeiro ou segundo ano do programa, eu não atuaria como aquele cara. Eu sou capaz de fazer melhor. Ela (Gillian Anderson, sua parceira de investigação na série no papel de Dana Scully) é capaz de fazer melhor. Será interessante ver os mesmos personagens com atores melhorados.” Duchovny também riu sobre a possibilidade da volta do clássico personagem Fumante (também conhecido por Canceroso), vivido por William B. Davis. “Ele será o Mascador de Chiclete”, disse brincando.
A outra entrevista da semana passada, que Chris Carter deu ao site X Files News, revelou ainda mais detalhes da produção. O criador da série contou que a nova versão se passará nos dias de hoje e explicará, entre outras coisas, porque a colonização alienígena, agendada para acontecer no final de 2012 segundo a série original, não foi realizada. Ele só não sabe o quanto esta explicação tomará conta dos novos episódios: “Não sei como irei abordar: se de uma forma grande, discreta ou moderna, se menciono ou se é um ponto no roteiro”, explicou.
Carter também conta que tem ideias para todos os personagens e que estão conversando com Mitch Pileggi (o diretor Walter Skinner), Annabeth Gish (a agente Monica Reyes) e Robert Patrick (o agente John Doggett) para que eles possam voltar aos velhos papéis, além da participação de Davis como o próprio Canceroso. A situação atrás das câmeras é semelhante e Carter já está falando com velhos produtores e roteiristas, como Glen Morgan (já confirmado), Darin Morgan, Jim Wong (quase confirmados) e Frank Spotnitz (em negociação).
A nova temporada também costurará os acontecimentos do filme de 2008 (Arquivo X: Eu Quero Acreditar) com a mitologia original da série e o novo material deste ano. “Estamos fazendo de tudo para que a espera tenha valido a pena”, comemorou Carter.
Conversei com o Tricky, um dos papas do trip hop, que finalmente põe os pés no Brasil durante o festival paulistano Nublu, que acontece neste fim de semana no Sesc Pompéia. Confira a entrevista lá no meu blog do UOL: http://matias.blogosfera.uol.com.br/2015/03/28/tricky-como-antidoto-ao-lollapalooza/
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Se você não tem pique nem paciência para encarar as dezenas de horas e artistas que desfilam pelo Lollapalooza Brasil neste fim de semana, uma alternativa de porte menos adolescente é o Nublu Jazz Festival, que chega a sua quinta edição neste fim de semana, com apresentações em unidades do Sesc em São Paulo (no Sesc Pompeia) e em São José dos Campos.
O Nublu é um pequeno clube de jazz em Nova York que realiza festivais itinerantes na cidade, em São Paulo e em Istambul na Turquia, cidade-natal de seu seu dono, o saxofonista Ilhan Ersahin. Ele é o idealizador do evento que reúne titãs do groove do passado e novos talentos da música brasileira. Em edições anteriores desfilaram, lado a lado, nomes como Headhunters, o DJ Nuts, a Sun Ra Arkestra, Tulipa Ruiz, o trio Marginals, o baterista Karriem Higgins, Kassin, Guizado, Roy Ayers e o Marcos Paiva Sexteto, além dos projetos de Ersahin, como Love Trio e Wax Poetics.
A grande atração deste ano, no entanto, não vem propriamente do jazz. Desconhecido pelo seu próprio nome, Adrian Thaws é um dos pioneiros da cena de música urbana negra que começou a despontar em Bristol, na Inglaterra, no final dos anos 80. Entre o início do jungle e um hip hop cada vez mais desacelerado, com acento no jazz e funk dos anos 70 e larga reverência à toda a música jamaicana, esta cena deu origem ao soundsystem Wild Bunch que, influenciado pela nova cena dance do segundo verão do amor londrino, virou o Massive Attack. Adrian começou a rimar e participou do primeiro disco do Massive Attack, o clássico Blue Lines, de 1991. À época ele já assinava seus trabalhos como Tricky.
No ano seguinte deixou o Massive Attack e em 1995 lançou seu primeiro disco, Maxinquaye, batizado a partir do nome de sua mãe, e atingiu o nível dos mestres, fechando, ao lado do Massive Attack e do Portishead, a santíssima trindade do trip hop. O gênero, que evolui da desaceleração da acid house dos anos 90 e da absorção de referências mais orgânicas serviu como contraponto à cada vez mais veloz música eletrônica daquela década.
Vinte anos depois de Maxinquaye, Tricky finalmente chega ao Brasil, um ano após lançar um disco batizado com seu próprio nome, o festejado Adrian Thaws. “Sempre quis ir para o Brasil e algumas vezes quase fui”, me conta em entrevista por email. “Eu tenho muitos amigos que estiveram aí e me dizem que é um lugar incrível, por isso estou realmente animado de conhecer e descobrir. Não tenho nenhuma expectativa, série, só quero eu mesmo ver, sabe.” Uma ponte já foi feita, pois o rapper regravou a canção “Something in the Way”, que havia gravado com Francesca Belmonte no ano passado, com a brasileira Mallu Magalhães. Ele comentou sobre a parceria e seu último disco, entre outros assuntos, na entrevista abaixo.
Seu último disco tem seu próprio nome.
Sabe, eu venho usando o nome Tricky por anos e meu primeiro disco foi lançado com o nome da minha mãe, então é como se eu fechasse um ciclo, voltasse ao começo. Tirei cinco anos de folga quando fui morar em Los Angeles, então estou de volta agora. É como se fosse o próximo capítulo. Maxinquaye me pariu e também pariu a minha carreira, porque foi a base de toda a minha carreira. Minha mãe me deu, Adrian Thaws, a luz, e com isso eu fecho o ciclo e começo o segundo capítulo.
Como serão seus shows no Brasil?
Todo tipo de música, velha, nova, um pouco de tudo. Sou eu, minha vocalista Kamila Bleax, um baterista e um guitarrista.
Você gravou uma música com a Mallu Magalhães. Vai gravar mais algo com ela?
Sim, eu adoraria. Ela tem uma voz incrível. É tão… delicada. Uma voz linda. Desta vez ela me mandou os vocais, mas eu adoraria ir para o estúdio com ela. Seria ótimo.
O que você gosta na música pop atual?
Sabe, tudo é muito comercial. Mas tem um cara, Sam Smith. Eu não curto essa música muito comercializada, mas Sam Smith está trazendo a música pop de volta, dando um nome ao pop. Ele não é um Sam Cooke, não me entenda mal, não é um Bob Marley, nada desse tipo, mas ele tem canções lindas. Ele é bom para o pop, acho. Prefiro ele que o Justin Timberlake.
Eu escuto muito hip hop velho, quase nada novo. Muito do hip hop atual é música pop e eu não curto isso. Sabe, quando escuto hip hop eu não quero ouvir pop. Eu não quero ouvir o 50 Cent. Eu ouço hip hop underground, ou mais hardcore. Nunca gostei de música pop.
E como você escuta música atualmente?
Eu escuto CDs ou ouço no YouTube, com fones de ouvido. Quando escuto música, tenho que ouvir muito alto – ou com fones. Não tem meio-termo. Música pra mim é como uma conversa, é uma coisa muito pessoal.
E o que você tem achado deste novo cenário da música digital?
É bom, mas também é ruim. Por exemplo, se as pessoas baixam música de graça. Sabe, tem gente que não entende, mas é assim que você tira seu sustento, como você consegue fazer sua música. As pessoas deviam ao menos apoiar isso. Sabe, podem até baixar músicas de graça, mas então apoia de alguma outra forma, compra algumas músicas no iTunes ou coisa do tipo, sei lá…
As pessoas deviam apoiar mais os artistas. Eles têm a ilusão que os artistas estão ganhando dinheiro o tempo todo. Quer dizer, se você é enorme, você ganha sim. Mas aí, pra começar, você tem que que tocar no rádio. Eu não toco no rádio, não sou milionário nem nada. Se quiser baixar de graça, baixa a Madonna. Não é um grande problema pra ela, ela tem tanto dinheiro que não precisa. Mas artistad como eu, que colocam tudo em seu próprio trabalho, acho que deveriam ser apoiados.
Em algum momento dos anos 90, os Smashing Pumpkins foram a banda de rock mais importante do planeta. Mas durou pouco e logo a banda perdeu o rumo. Escrevi sobre a ascensão e queda dos Smashing Pumpkins num glossário feito para o UOL e aproveitei para comentar lá no blog uma entrevista dada por Billy Corgan na semana passada em que ele fala que a banda pode estar com seus dias contados: http://matias.blogosfera.uol.com.br/2015/03/27/o-fim-dos-smashing-pumpkins/.
“Living the dream” é a legenda desta foto que Billy Corgan postou no Instagram dos Smashing Pumpkins https://instagram.com/p/zIW5z4n60B/
Às vésperas de se apresentar no Lollapalooza Brasil, os Smashing Pumpkins também podem estar em seus últimos dias. Pelo menos foi isso o que seu líder Billy Corgan falou à rádio peruana Oasis antes do show em Lima (em que pediu para ser chamado de William – “Meu nome não é Billy!”), na terça-feira da semana passada. “O futuro dos Smashing Pumpkins é um tanto incerto…”, disse na entrevista. “Eu já estou comprometido com a ideia dos Smashing Pumpkins até o final deste ano e depois disso eu vou ver como vai ser. Eu sinto que preciso avaliar o propósito musical dos Pumpkins, porque cada vez mais o público fica fixado no passado. Boa parte do público vai dizer que prefere as músicas dos anos 90 às músicas de hoje, mas eles não estão escutando as músicas de hoje como escutavam as de antes.” Veja o vídeo abaixo:
Escrevi uma matéria sobre a banda para tentar entender, de forma não-cronológica, o que aconteceu com os Smashing Pumpkins contando sua história em forma de glossário. Leia aqui.