O projeto Refavela 40 foi capital na recuperação de Gilberto Gil. Nosso querido guru baiano quase passou para o outro plano em 2016, mas sua missão ainda não estava completa e ele voltou renascido para criar o irresistivelmente juvenil (e preguiçosamente velhinho) Ok Ok Ok, um dos melhores discos do ano passado. Neste processo, revisitou seu clássico de 1977, seu primeiro disco assumidamente político, feito após sua primeira visita ao continente africano e aproveitou aquela energia para continuar vivo e pleno. Da mesma forma, ele regravou o vocal da faixa-título e entregou ao coletivo de dub carioca Digitaldubs revisitar a canção, traçando a conexão entre Kingston e o Rio de Janeiro em primeira mão para o Trabalho Sujo.
Juliana Perdigão vem aos poucos construindo uma carreira sólida e interessante, longe dos holofotes, das lacrações e do hype. Desde seu primeiro trabalho (Álbum Desconhecido, de 2012) equilibra-se entre a música pop e a acadêmica, cercada de uma freguesia de compositores, músicos e amigos que inclui nomes como André Abujamra, Benjamim Taubkin, Zé Celso e Tulipa Ruiz. Neste processo, flertou com a poesia em seu disco mais recente, Ó, de 2016, quando musicou Haroldo de Campos. Foi a semente para seu mais novo disco, Folhuda, que ela lança nessa sexta-feira, e em que musica obras de poetas tão diferentes quanto os clássicos Oswald de Andrade, Paulo Leminski e Murilo Mendes e contemporâneos como Bruna Beber, Arnaldo Antunes, Angélica Freitas, Renato Negrão e Fabrício Corsaletti.
Folhuda foi produzido pelo maestro Thiago França, que lhe ajudou a construir o disco em si. “O disco veio de um convite feito pelo Thiago, que me chamou pra gente trabalhar junto, tendo ele como produtor. A partir desse convite surgiu o desejo de, pela primeira vez, fazer um disco só de músicas de minha autoria”, lembra num papo por email. “Eu já tinha feito algumas canções a partir de poemas, apresentei as que tinha para o Thiago, percebemos que já havia ali um corpo do que poderia vir a ser um disco, e desde então fui compondo outras. O processo de gravação já era bastante definidor de quais rumos deveríamos tomar, pois o disco seria gravado em apenas quatro dias. Foi daí que optamos por fazer um disco mais cru, um disco essencialmente de banda, tocado e gravado ao vivo.” Assim, “Música da Manivela” de Oswald de Andrade virou um reggae com versos como “Sente-se diante da vitrola e esqueça-se das das vicissitudes da vida”, “Mulher Depressa” de Angélica de Freitas encarna num punk rock e “Só o Sol” de Arnaldo Antunes surge como uma bossa nova.
“O processo com o Thiago foi muito massa porque a gente conversou bastante antes de gravar, desde o momento em que ele me fez o convite. No papo com ele fui amadurecendo as idéias. Durante as gravações ele esteve presente todo o tempo e tocou, fez arranjo, direcionou a parada mas deixando tudo bem livre, fluiu legal. E tem uma faixa, ‘Felino’, que gravamos só nós dois, ele no cavaco, eu no violão, que é uma faixa que curti bem o resultado e que pra mim é um retrato dessa parceria, o Thiago embarcando legal junto nas idéias”, conclui. Folhuda ainda conta com participações que incluem Ava Rocha, Lucas Santtana, Iara Rennó, Tulipa Ruiz, Arnaldo Antunes, sua banda Kurva – Chicão Montorfano tocando teclados, Moita na guitarra, Pedro Gongom na bateria e João Antunes no baixo – e o naipe de metais formado por Amílcar Martins, Filipe Nader, Allan Abbadia e o próprio Thiago, que ainda toca cavaquinho e percussão.
“De certa forma quem selecionou o disco foi minha estante, porque veio tudo dali, dos livros que tinha em casa”, ela continua. “Com alguns autores eu tenho uma conexão mais antiga, como o Lemininski, que li ainda adolescente, assim como o Arnaldo, figura presente no imaginário desde a infância, por conta do trabalho dele como músico, mas que também tive um contato com a obra poética dele há algum tempo. O Murilo Mendes, meu tio-bisavô, que não conheci, mas que sempre esteve ali, nos livros e nos casos da família. O Oswald veio um pouco depois, lá pelos meus 20 anos quando li Memórias Sentimentais de João Miramar, que me arrebatou total, e depois, no período em que estive no Teat(r)o Oficina, onde Oswald é uma espécie de babalaô daquele terreiro. E tem os poetas com os quais tenho proximidade pessoal, como no caso da Angélica Freitas, que é minha namorada, e o Renato Negrão, um broder das antigas. A partir do convívio com Angélica me aproximei um tanto mais do universo da poesia, principalmente de autores contemporâneos, como a Bruna Beber e o Fabrício Corsaletti, que também se tornaram meus parceiros em canções presentes no disco.”
O título do disco vem de sua faixa mais contagiante, o delicioso rock torto que sobre “Anhangabaú”, de Oswald de Andrade. “Gosto do som dessa palavra, da imagem que ela traz e do fato de ser um adjetivo, que pode também ser atribuído a mim, numa brincadeira em que incorporo esse imagem de algo farto, frondoso. E tem esse lance da folha de livro, página, já que todas as canções presentes no disco são poemas musicados que vieram dos livros”, conclui. O disco ainda não tem show de lançamento marcado, mas planeja lançá-lo ao vivo ainda em março deste ano.
O bardo torto do samba carioca Jards Macalé segue atiçando a expectativa para seu novo disco, produzido por Kiko Dinucci, Thomas Harres e Rômulo Froes. Ainda sem título e com previsão de lançamento para fevereiro, seu disco foi introduzido pela pesada “Trevas” e que agora vem com uma face mais ensolarada e melódica com a faixa que compôs com Tim Bernardes, o samba-canção “Buraco da Consolação”, inspirado pela afinidade que os dois descobriram que tinham pelo disco Jamelão interpreta Lupicínio Rodrigues, gravado com a Orquestra Tabajara. Os arranjos de cordas são feitos por Thiago França.
Além da faixa nova, o resto do disco é descortinado num faixa a faixa feito exclusivamente para o Trabalho Sujo. Ele fala sobre as músicas que fez ao lado de Kiko (“Vampiro de Copacabana”), Tim (“Buraco da Consolação”), Rômulo, Kiko e Thomas (“Meu Amor, Meu Cansaço”), Kiko e Rodrigo Campos (“Peixe”, que conta com Juçara Marçal), Kiko, Thomas e Clima (“Longo Caminho do Sol”, dueto com Rômulo Froes), além das adaptações de poemas de Gregório de Mattos (“Aos Vícios” virou “Besta Fera”), Ezra Pound (“Canto I” que virou “Trevas”), Helio Oiticica (“Obstáculos”) e Capinam (“Pacto de Sangue”), esta última minha faixa favorita do novo álbum. Fala Jards!
O grupo baiano começa a comemoração de sua primeira década de atividade nesta sexta-feira no Cine Joia (mais informações aqui) e antecipa as novidades que virão em 2019, como o disco solo de seu vocalista Teago Oliveira – é o tema da minha coluna Tudo Tanto desta sexta-feira – leia lá no Reverb.
Sem avisar ninguém, o Weezer de Rivers Cuomo lança um disco só de versões de músicas dos anos 70 e 80 (tudo bem que tem um “Stand By Me” e um “No Scrubs” no meio na esteira do cover que eles fizeram para “Africa”, do Toto, no ano passado. Tem Euryhtmics, A-ha, Michael Jackson, Black Sabbath, Electric Light Orchestra…
O melhor é que ficou bom!
Os três lendários grupos de rap Wu-Tang Clan, Public Enemy e De La Soul comemoram o aniversário de suas obras-primas – respectivamente, 25 anos de Enter The Wu-Tang (36 Chambers), 30 anos de It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back e 30 anos de 3 Feet High and Rising – em uma série de shows no Reino Unido em maio chamada Gods of Rap: dia 10 em Londres, dia 11 em Manchester e dia 12 em Glasgow (mais informações aqui). E algo me diz que isso é um laboratório para um anúncio maior nos Estados Unidos… E talvez no resto do mundo?
Dá pra imaginar esse show no Brasil? Ou melhor, essa turnê no Brasil?
O disco mais recente de Stephen Malkmus, o ótimo Sparkle Hard, um dos melhores discos do ano passado, nem completou um ano e ele já anuncia um disco novo – de synthpop! Assim é o tom de Groove Denied, que ele revelou capa, nome das faixas e o primeiro single, “Viktor Borgia” (tudo abaixo). Influenciado pelo Human League, por “Homosapien” que Pete Shelley lançou em 1981 e pela cena pós-punk eletrônica do início dos anos 80, o ex-líder do Pavement busca uma sonoridade completamente alheia a tudo que já fez na vida, que ele, num tweet, definou como “ew wave”, como se tivesse nojo daquele som.
Eins
“Belziger Faceplant”
“A Bit Wilder”
“Viktor Borgia”
“Come Get Me”
“Forget Your Place”
Zwei
“Rushing The Acid Frat”
“Love The Door”
“Bossviscerate”
“Ocean of Revenge”
Groove Denied já está em pré-venda.
Inacreditável! Um dos maiores nomes da história do rock progressivo, o grupo King Crimson tocará no palco Sunset do Rock in Rio – e não é especulação: o próprio grupo postou em sua página no Facebook. Reunido em 2013 (primeiro como um septeto e agora como octeto, com três baterias!), o grupo liderado por Robert Fripp vem se apresentando cada vez mais e acaba de anunciar uma turnê comemorativa de seu cinquentenário, que deverá ter 50 apresentações na Europa e na América, começando em junho pela Europa e terminando no Brasil no dia 6 de outubro.
Como é bem pouco provável que o grupo toque seus shows com mais de duas horas no festival carioca, a minha aposta é que eles tocarão apenas seu primeiro clássico, o álbum de estreia In the Court of Crimson King, marco zero da comemoração do cinquentenário do grupo que completa 50 anos de seu lançamento exatamente quatro dias depois do show do grupo no Brasil. A formação atual da banda inclui o saxofonista Mel Collins, o baixista Tony Levin, o percussionista Pat Mastelotto, o baterista Gavin Harrison, o vocalista de guitarrista Jakko Jakszyk, o baterista Bill Rieflin, o baterista Jeremy Stacey (sim, três bateristas) e, claro, Robert Fripp tocando guitarra, teclados e disparando seus Frippertronics.
A turnê faz parte do enorme pacote que o grupo preparou para o cinquentenário de sua existência – seu primeiro ensaio aconteceu no glorioso 13 de janeiro daquele mesmo 1969, no Fulham Palace Café, em Londres, e inclui uma série sensacional de lançamentos. O primeiro deles é uma seleção de 50 faixas raras do grupo que serão lançadas semanalmente por David Singleton, que gerencia o selo do grupo, Discipline Global Mobile. A primeira faixa desta seleção, chamada de KC 50, também marca o primeiro contato profissional entre Singleton e Fripp. Depois que apresentou ao produtor a faixa de abertura de seu primeiro álbum, Fripp teve de ouvir que a faixa era ótima, mas os solos eram exagerados demais e que ela iria precisar de um edit pra tocar no rádio. Ainda sem conhecer o trabalho – e o humor – de Fripp, Singleton foi desafiado a fazer um radio edit para a faixa que era o cartão de visitas de uma das bandas mais complexas da cultura pop, “21st Century Schizoid Man”. Ele publicou a faixa inclusive comentando que não gosta do resultado hoje, mas é uma boa introdução para esta seleção.
Além das faixas digitais (que irão colocar o grupo pela primeira vez nas plataformas de streaming), o King Crimson ainda lançará duas caixas de discos (uma em vinil cobrindo o período entre 1972 e 1974 e outra em CD cobrindo o período entre o fim dos anos 90 e 2008, completando toda a discografia do grupo em 5.1)…
…os últimos três discos de sua série de seu clube de colecionadores (incluindo a recém-descoberta gravação da mesa de um show da época do disco Larks Tongues in Aspic, em 1972), uma caixa comemorando o cinquentenário de In the Court of Crimson King, o relançamento da biografia In the Court of King Crimson, de Sid Smith, que estava fora de catálogo, um documentário (Cosmic F*Kc, dirigido por Toby Amies) e uma edição limitada de pôsteres com a imagem completa da capa e da contracapa do primeiro disco da banda, numeradas e autografadas pelo próprio Fripp (mais informações no site da gravadora).
Agora é torcer por um show em São Paulo – ou mais de um, imagina!
Alma d’O Rappa e um dos principais ativistas de nossa música neste século despediu-se deste plano – escrevi sobre sua importância a pedido do UOL.
É triste a partida de Marcelo Yuka neste momento da história do Brasil. Embora sempre associado ao grupo O Rappa e ao incidente que o deixou preso a uma cadeira de rodas pelo resto da vida, o compositor e baterista, que morreu nesta sexta-feira (18), reconstruiu sua vida para além deste trecho de sua biografia. Foram sete anos com a banda e 18 depois de sua saída. E uma de suas maiores frustrações era ver a ascensão do fascismo à rotina de nosso país, normalizando a violência e tirando o ódio do armário dos brasileiros.
Ele é um dos personagens-chave na música pop do fim do século passado que ajudou o legado cultural brasileiro do período ir além das monoculturas industrializadas da axé music, do sertanejo e do pagode, puxando temas importantes para serem discutidos em canções que poderiam ser simples hits vazios. Sua presença no grupo O Rappa, que ajudou a fundar no início dos anos 90, era mais importante do que seu papel como músico ou compositor, cargo que dividia com seus companheiros de banda.
Yuka era um ativista da arte e sabia da importância da política nos pequenos atos do dia a dia. Pertencia a uma geração disposta a contar a história das ruas em canções que vão para os rádios, como a Nação Zumbi de Chico Science e os Racionais MC’s de Mano Brown. Juntos, os três delimitaram um território musical no imaginário musical brasileiro que via o levante cultural de uma nova periferia como o começo de um rascunho de um novo país.
“Da Lama ao Caos” (a estreia da Nação Zumbi em 1994), “Sobrevivendo no Inferno” (o disco-manifesto que os Racionais lançaram em 1997) e “Lado B Lado A” (o disco d’O Rappa de 1999 dirigido por Yuka) criaram, através da música, uma nova consciência de classe e uniram diferentes focos do público ouvinte brasileiro que não se identificava com o romantismo escapista do pop que tomava conta das rádios da época.
“Lado B Lado A” é um dos grandes discos de nossa música e a responsabilidade é toda de Yuka, que colocou em prática o que sabia em teoria: a música poderia ter um impacto na vida das pessoas para além da simples diversão. Nos discos anteriores (o homônimo álbum de estreia, de 1994, e “Rappa Mundi”, de 1996), o baterista já se destacava como o principal compositor da banda, assinando letras que sintetizavam sua consciência social, como “Todo Camburão tem um Pouco de Navio Negreiro”, “Fogo Cruzado”, “Brixton, Bronx ou Baixada”, “Catequeses do Medo”, “Pescador de Ilusões”, “A Feira”, “O Homem Bomba” e a versão da letra de “Hey Joe”, imortalizada por Jimi Hendrix.
Sem as canções de Yuka, O Rappa, que foi montado às pressas para acompanhar o cantor jamaicano Pato Banton em uma turnê em 1993, talvez nem existisse –ou se existisse seria menos relevante que outros grupos de reggae no Brasil, como Cidade Negra ou Tribo de Jah.
Com Yuka, O Rappa era um colosso. Em seu terceiro disco, Yuka ia além e afundava ainda mais o dedo na ferida brasileira, em canções imortais como “Minha Alma (A Paz que Eu Não Quero)”, “Cristo e Oxalá”, “Me Deixa”, “Tribunal de Rua” e “O Que Sobrou do Céu”, transformando O Rappa em uma potência musical de fortes matizes políticas, como alguns dos artistas que inspiraram o baterista, como Bob Marley, Public Enemy e The Clash.
Mas foi drasticamente interrompido quando, no dia 9 de novembro do ano 2000, ao tentar parar um assalto que testemunhara no bairro da Tijuca, no Rio de Janeiro, Yuka foi vítima de uma chuva de 15 tiros disparados contra seu carro. Um deles atingiu uma de suas vértebras, deixando-o paraplégico. Mas nem as balas foram o suficiente para pará-lo e o músico seguiu com a banda, mesmo sem poder tocar mais bateria.
Lembro de uma noite memorável no Recife, no primeiro dia do festival Abril Pro Rock de 2001, num dos últimos shows com o músico – já cadeirante – na banda, quando dividiram o palco com a Nação Zumbi e o grupo anglo-indiano Asian Dub Foundation e a tensão política atingia o mesmo clímax que a potência musical dos três grupos reunidos. Yuka deixou O Rappa naquele mesmo 2001, insatisfeito com o rumo que seus ex-companheiros queriam dar para a banda. Ele lamentava que o grupo, que encerrou suas atividades em 2017, mantinha-se como “a maior banda cover de si mesmo do Brasil”, sobrevivendo de um repertório que o baterista havia composto duas décadas antes.
A partir de então, ele passou a se dedicar a seu projeto solo, que logo virou um grupo. Resumido na sigla F.Ur.T.O. (Frente Urbana de Trabalhos Organizados), ele seguia a fusão de rap, rock, reggae e punk d’O Rappa acrescentando funk, dub e música eletrônica à mistura, ao lado do guitarrista carioca Maurício Pacheco (ex-Mulheres Q Dizem Sim e Stereo Maracanã) e dos pernambucanos Alexandre Garnizé (do grupo de rap Faces do Subúrbio) e Jamilson da Silva (da banda de DJ Dolores Orchestra Santa Massa). Seu único disco, “Sangueaudiência”, foi lançado em 2005.
O F.Ur.T.O. também o engajou definitivamente em causas sociais e ele era uma voz constante na periferia, sempre lutando pelo desarmamento e pelo diálogo junto aos mais desassistidos pelo estado. Sua luta política foi para a prática: além de filiado ao PSOL, Yuka também foi candidato a vice-prefeito na chapa liderada por Marcelo Freixo, em 2012. Antes disso, foi assunto do documentário “Marcelo Yuka no Caminho das Setas”, dirigido por Daniela Broitman, em 2011, quando tentou, sem sucesso, encontrar-se com os assaltantes que lhe fizeram vítima, e depois lançou sua versão para os fatos na biografia “Não Se Preocupe Comigo”, assinada ao lado do jornalista Bruno Levinson, em 2014.
Em 2017, Yuka lançou seu primeiro disco solo, “Canções para Depois do Ódio”, que contava com participações das cantoras Céu e Cibelle e lidava com o tema da depressão, que o atacou após o incidente de 2001. Sempre engajado, detectou o início da onda reacionária no Brasil quando o público vibrava ao ver os bandidos mortos no filme Tropa de Elite, de 2007, e numa entrevista na TV com um ator global que se gabava de não ler nem nunca ter feito teatro. “Ele só teve coragem (de falar isso) porque existe um pensamento burro no ar que o respalda”, disse em uma entrevista de 2014.
Por isso mesmo é triste saber que ele partiu deste plano sabendo que a lógica oposta à que sempre trabalhou chegou ao poder justamente por orgulhar-se de sua abjeção. Fica, no entanto, seu legado.
Foto: Rafael Barion
O cantor e compositor paulistano Thiago Pethit lança o single “Noite Vazia” para anunciar o lançamento do novo disco, Mal dos Trópicos, produzido por Diogo Strausz. Bati um papo com ele sobre o que esperar do novo disco e ele, mesmo escondendo o jogo, falou deste disco, que considera “um disco escuro”. Leia lá na minha coluna Tudo Tanto, no Reverb.