Por Alexandre Matias - Jornalismo arte desde 1995.

De dentro pra fora, como um pesadelo

“Existir como a silhueta de uma faca roubada passada de mão em mão sempre entre os dedos certos”, repetia Natasha Felix durante a apresentação que fez no Centro da Terra ao lado do DJ Glau Tavares, evocando diferentes autores para tornar o corpo redivivo por seu poema O Primeiro Segredo Dito a Lázaro ainda mais incomodado com o fato de não ter morrido – “não levanta da tumba, morto, recalcula a rota!”. E enfileirando Sylvia Plath, um poema sobre um poema de Nicanor Parra, o único par de versos de Emily Dickinson que leu, a viagem de volta à África feita por Saidiya Hartman e como Stella do Patrocínio via a fuga (“o negro não se esquiva, escapa, desaparece”), ela foi criando um clima tenso e hipnótico ao enumerar sensações diferentes com seu mesmo timbre doce, monotônico e implacável enquanto loopava a própria voz eletronicamente pela primeira vez num palco. Enquanto Natasha experimentava a musicalidade de seus versos envolvendo-se com os versos alheios, a outra metade criadora do espetáculo Lamber as Feridas, o DJ Glau Tavares, criava um clima de opressivo que ecoava música eletrônica dos anos 80, uma versão industrial de um hip hop instrumental com toques de funk, house music e EBM – e o encontro daquelas duas narrativas ainda era temperada pela luz da dupla Retrato (Ana Zumpano e Beeau Gomez estão desenvolvendo uma senhora carreira paralela como iluminadores de show – e desta vez Ana interferiu inclusive na cenografia), que tratava claros e escuros com a distinção do ritmo dos beats e da tensão das palavras, crescendo forte, como ela mesma disse, “sempre de dentro pra fora, como um pesadelo”. Bravo!

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Natasha Felix + DJ Glau Tavares: Lamber as Feridas

Enorme satisfação receber a poeta e performer Natasha Felix para uma apresentação musical que idealizou ao lado do DJ Glau Tavares batizada de ‘Lamber as Feridas, em que ela cria no palco o poema O Primeiro Segredo Dito a Lázaro, em que conta a história de alguém que se vê forçado a voltar à vida depois da morte. A obra é o fio condutor da apresentação que também traz outros poemas da autora, além de textos de Nicanor Parra, Sylvia Plath, Stella do Patrocínio e Saidiya Hartman. O espetáculo começa pontualmente às 20h e os ingressos podem ser comprados na bilheteria e no site do Centro da Terra.

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Bacuri, o disco novo dos Boogarins, já tem data de lançamento!

Agora vai! Depois de algum suspense o grupo goiano Boogarins acaba de confirmar a data de lançamento de seu quinto disco, chamado Bacuri, que chega ao público no dia 26 deste mês. O anúncio veio com a primeira canção que o grupo mostra do novo disco e “Corpo Asa” dá uma boa medida do que vem por aí: um disco psicodélico e cheio de guitarras como lhes é característico, mas com canções coesas e redondinhas, puxando a tônica para sensações íntimas e sentimentos plenos, como se a loucura desse tempo para desencantar o bem estar do grupo consigo mesmo. Não é exagero dizer que ele estão prestes a lançar seu melhor disco e um dos melhores discos de 2024.

Ouça abaixo:  

Vida Fodona #829: Quincy Jones (1933-2024)

O rei está morto, viva o rei!

Ouça abaixo:  

Uma outra intensidade

“Na minha vida eu tive muitas ideias questionáveis, mas Ludovic acústico é top 3, com certeza”, brincou Jair Naves logo do início da primeira apresentação de sua temporada no Centro da Terra, batizada de O Significado se Desfaz no Som. E o título se materializou quando trouxe dois integrantes do grupo que lançou sua carreira artística para visitar suas canções num formato completamente inusitado – que funcionou. Para quem estava acostumado à catarse noise e emotiva que caracteriza as apresentações do grupo, que voltou apresentar-se ao vivo este ano por conta do aniversário de vinte anos do primeiro álbum, Servil, encontrou um momento íntimo e delicado em que as canções ganharam outro sentido, quando a voz de Jair não berra e as melodias encontravam-se entre a guitarra de Eduardo Praça e o violão de Zeke Underwood, por vezes acompanhados do próprio Jair ao violão, mostrando uma outra intensidade, mais sentimental, das canções do grupo. Foi a oportunidade também de mostrar ao vivo duas músicas que nunca haviam sido tocadas ao vivo, as acústicas “Sob o Tapete Vermelho” e “Unha e Carne”, do disco Idioma Morto, de 2006, e Naves levou-se pela emoção ao reencontrar-se com versos e frases expostos de forma tão aberta e nua, para além do escudo de ruído criado pelo barulho da banda, culminando com uma versão belíssima para “Qorpo-Santo de Saias”. E se a primeira noite já teve esse misto de frescor e sensibilidade, imagine as próximas…

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Jair Naves: O Significado se Desfaz no Som

É com imensa satisfação que começamos nesta segunda-feira a última tempprada de música no Centro da Terra em 2024 e seu protagonista é o grande Jair Naves, que apresenta formações musicais variaddas a cada semana para mostrar as diferentes facetas de sua autoria. Na primeira noite da temporada baitzada O Significado se Desfaz no Som, que acontece no dia 4, ele reúne sua clássica banda Ludovic para uma apresentação acústica – a primeira (e talvez única) na história do grupo. Depois, dia 11, ele convida seu parceiro musical mais antigo, Renato Ribeiro, para passear pelo repertório de seus quatro discos e mostrar algumas músicas que estarão no disco que está começando a trabalhar. Na terceira segunda-feira, dia 18, ele reúne sua banda completa para tocar outras músicas de seu repertório, mostrando canções que com mais urgência e ruído. E a temporada termina no dia 25, quando recebe o trio paraense Molho Negro num encontro inédito em que tocarão músicas de ambos repertórios. Sempre lembrando que os espetáculos começam pontualmente às 20h e os ingressos estão à venda na bilheteria e no site do Centro da Terra.

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Quincy Jones (1933-2024)

Morreu nesta segunda-feira o último representante de uma espécie. Quincy Jones equilibrou música e mercado como poucos na história do século 20 e com sua morte um ciclo se fecha. Possivelmente o nome mais importante da história da indústria fonográfica dos Estados Unidos – e só isso resume o peso de sua biografia, como se isso fosse possível. Obrigado!

Quando Billy Corgan está bem humorado…

A única expectativa que tinha pro show dos Smashing Pumpkins que aconteceu em São Paulo neste domingo no Espaço Unimed era que confirmasse a boa fase de seu líder Billy Corgan e que isso pudesse proporcionar um show em que as canções clássicas do grupo não se misturassem à cacofonia metal industrial que tomou conta de seu imaginário musical desde o início do século. O disco lançado este ano, Aghori Mhori Mei, já dava uma boa pista que Billy conseguira exorcizar a paranoia que tinha que sua banda soasse nostálgica e abraçou a psicodelia noise que forjou no início dos anos 90, trazendo inclusive de volta para o grupo dois integrantes fundadores, James Iha e Jimmy Chamberlin. O começo do show não ajudou nessa impressão, com uma introdução brega, músicas menores e o som embolado característico daquela casa de shows, que praticamente descaracterizou o que poderia ter sido uma ótima versão para “Zoo Station” dO clássico eletrônico do U2 Achtung Baby. Mas à medida em que o show foi passando, o som foi se acertando e estava nítido o bom humor de Billy Corgan, que inclusive improvisou e saiu do script, ao incluir duas versões acústicas que tocou sozinho no violão: “Landslide”, do grupo Fleetwood Mac e “Shine On, Harvest Moon” da esquecida cantora Ruth Etting, que já foi um dos grandes nomes do showbusiness dos Estados Unidos. O clima ia melhorando à medida em que o show passava e, salvo alguns porcos momentos em que a banda parecia um subgrupo de new metal ou uma paródia da pior fase do Iron Maiden, a precisão aparentemente solta dos hits dos clássicos Gish e Siamese Dream e a grandiosidade opulenta das canções de Mellon Collie & The Infinite Sadness vieram com força e gosto, para deleite dos fãs, em sua maioria contemporâneos da banda. E entre “Today”, “Tonight, Tonight”, “Mayonaise”, “Bullet with Butterfly Wings” e “1979”, encerraram o show com chave de ouro e astral tão alto (nunca vi Corgan sorrir tanto!) que às vezes parecia contradizer a melancolia das canções originais, o grupo terminou a noite celebrando clássicos do rock, ´primeiro citando Black Sabbath, AC/DC e Led Zeppelin na hora que a banda foi apresentada, depois misturando o riff de “Are You Gonna Go My Way” do Lenny Kravitz com o de “Zero”, logo depois de uma versão excelente de “Cherub Rock”. A banda ainda pegou todo mundo de surpresa ao voltar com um inesperado bis, em que tocaram nada menos que “Ziggy Stardust” de David Bowie, com Iha nos vocais. Um final épico para um show que, apesar de começar mal, acertou exatamente na expectativa que tinha.

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Estreia de tirar o fôlego

Soberba a apresentação de estreia que Nina Maia fez de seu recém-lançado disco Inteira no Sesc Avenida Paulista, quando trouxe uma versão de gala do formato que vem mostrando desde o início do ano: além de seu teclado teve um piano de cauda, além da viola de Thales Hashiguti, contou com a voz e o violoncelo da amiga e parceira Francisca Barreto e aproveitou ter a cozinha do grupo Os Fonsecas – Valentim Frateschi no baixo e Thalin na bateria – para trazer uma das canções deste último para o palco. Ela foi mostrando o disco lentamente, primeiro sozinha em primeiro plano acompanhada apenas de efeitos sonoros, depois tocando o teclado no centro do palco enquanto os outros músicos faziam suas entradas, deixando suas canções, que soam clássicas e modernas ao mesmo tempo, com um peso físico que no disco é filtrado por timbres eletrônicos. Com vídeos em P&B em alto contraste no telão pilotado por Danilo Sansão e com as luzes finas tocadas pela dupla Retrato (Ana Zumpano e Beeau Gomez), o show teve seu ponto alto quando Nina emendou sua épica “Salto de Fé” com “Todo Tempo do Mundo” do disco Maria Esmeralda, quando o baterusta autor da canção original soltou sua voz na frente do palco para cantar uma versão inacreditável do hit. Uma estreia de tirar o fôlego.

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St. Vincent à sombra de Goya

“Me lembro de passar por essa sala com um grande amigo, o artista Alex da Corte”, explica a cantora e compositora St. Vincent, falando sobre quando a inspiração para seu disco mais recente, o ótimo All Born Screaming, lhe encontrou na sala de número 67 do Museo Nacional del Prado, em Madri, na Espanha. “Entramos e nosso sangue congelou. O primeiro que foram os olhos de Saturno Devorando Um Filho; nos olhamos e dissemos: ‘Isso resume tudo'” A referida sala é o lar das famosas Pinturas Negras que o clássico pintor espanhol Francisco de Goya criou entre 1819 e 1823, quando chegou à fase final de sua vida, traduzindo em quadros ermos e desesperançosos a desilusão com a humanidade após ter visto horrores entre o final da Santa Inquisição e a Guerra Peninsular entre o Reino Unido, Espanha e Portugal no início do século 19. Para fechar o ciclo iniciado com a primeira visita da artista norte-americana àquela sala, a Radio 3 estatal espanhola a convidou para apresentar-se exatamente naquele mesmo lugar, trazendo vida às músicas criadas a partir do encontro com a desilusão de Goya com a humanidade. “Muito nessa sala me lembra da condição humana, que tem muito sofrimento, confusão, caos e violência, mas eu também acho que há muita esperança, por isso é muito emocionante está aqui no meio destas telas tocando estas músicas”. Além de três músicas do novo disco (“Hell is Near”, “Flea” e “Violent Times”, ela também tocou “Somebody Like Me”, do disco Daddy’s Home, e “New York”, do disco Masseducation. Assista abaixo: