Essa é a resenha pro primeiro episódio da décima-sétima temporada dos Simpsons, que saiu na Folha. Na edição impressa, o Lucio entrevista o Matt Groening.

De vez em quando pinta aquele papo: que Matt Groening quer fazer outros projetos (como se não fizesse), que a equipe de redatores está sem assunto pra escrever (como se isso fosse possível), que os dubladores gringos estão sendo mal pagos (como se não fossem pagar seu preço mais umas temporadas), mas não tem erro. Toda temporada os Simpsons voltam mais pesados, mais cínicos, mais pessimistas em relação à humanidade – mas igualmente amáveis, desfuncionais e otimistas em relação às pessoas como indivíduos.

“O Desafio dos Manatis”, primeiro episódio da 17ª (gasp!) temporada do desenho animado, mostra como os Simpsons nem começaram a chafurdar na lama que assola o planeta – eles apenas testam a temperatura e provocam sempre de forma agressiva sem se aprofundar nas questões que levantam apenas como piadas ilustrativas, de passagem. O desenho de Groening mostra que a TV – e, mais abstratamente, a mídia – se tornou o sexto elemento de uma sitcom familiar; e a TV pós-moderna, com suas centenas de canais a cabo, pay-per-views e 24 horas de canais de compra de qualquer coisa imaginável – de bate-papos eróticos por telefones a tapetes e jóias.

A história-base é simples e você conhece: Homer apronta, Marge sai de casa, se apega a alguma coisa diferente, Homer a convence de voltar de uma forma estúpida. No meio do caminho, esbarramos em um Papai Noel lendo Tom Clancy, bastidores de um filme pornô, playboys que esfolam bichos, um enterro com ar-condicionado, uma mãe psicótica que se vinga do marido com o carro, referências à máfia gay, Mr. Burns e Smithers brincando com água ao som de “Car Wash” e Moe falando que conhece “um cara que transforma cavalos mortos em carne seca e vende para os bares”, enquanto Homer devora um bastão desses. Simpsons nem começou sua verdadeira missão: desnudar a TV. E quando Homer pergunta à Lisa “onde está seu senso de magia e fantasia?”, sabemos que está em qualquer outro canal, basta zapear. Acreditar é que são elas.

Essa saiu na última Trip.

Podia falar horas sobre a entidade Gnarls Barkley, as fantasias de droog, o fenômeno Danger Mouse, os primeiros formatos ao chegar ao topo do pop, a nostalgia feliz de “Smiley Faces” ou da cover de Violent Femmes, mas, podemos resumir tudo a “Crazy”, esse petardo de soul music que marca o início da segunda metade da década como “Hey Ya” havia marcado o da primeira. Enquanto o clima da música do Outkast incendiava pistas de dança como os aviões que explodiram dentro do World Trade Center, o single-bomba da dupla americana transforma a tensão dos dias de hoje em tentativa de explicar o sentido de tudo. O tema da loucura é levado para onde músicas-irmãs (a do Fine Young Cannibals, a do Seal) sequer cogitaram: a percepção da insanidade iminente, marcada por um baixo-pilastras e cordas descendentes das do Play de Moby. Séria, densa, sóbria e sombria, é um hit hip hop que prova que o gênero já se dissolveu na paisagem e um cartão de visitas perfeito para o século 21.

Essa saiu na Bizz número 200.

Que grande alívio foi assistir aos quatro Pink Floyd tocando novamente juntos no Live 8 do ano passado (o que não faz uma causa humanitária, mas… qual que era mesmo?), depois de quase um quarto de século do corte final das relações entre Roger Waters e David Gilmour. Alívio pra todo mundo: para os milhões de fãs do grupo, para Waters (que devia esperar por aquele momento como os irmãos Cavallera esperam a Sepultura Reunion Tour – com a impaciência de um escada de comédia pastelão que espera a torta na cara), mas principalmente para Gilmour.

Eis o fardo que o velho Dave carrega ao capitanear a persistência temporal da franquia que se tornou seu antigo grupo: uma vez cuidando da galinha dos ovos de ouro, torna-se inibidora a produção de uma carreira solo que esteja desvinculada da marca original. Porque se colocarmos na ponta do lápis, tanto o Momentary Lapse of Reason quanto o Division Bell (os dois discos de inéditas lançados após a reformulação do Floyd sem Waters) são discos solo de Gilmour cuja ausência cerebral do ex-parceiro o forçou a emular uma opulência autoral que não é natural em sua composição genética.

Ainda com os pingos nos is: sem Waters, o Floyd talvez se tornasse a grande banda inglesa de blues rock dos anos 70, ao preencher a vaga deixada por bandas como Cream, Blind Faith e Jeff Beck Group, competindo com o Led Zeppelin num terreno que, em nossa realidade, Page e Plant reinaram sozinhos. Ou você nunca reparou como “Shine on You Crazy Diamond” é quase uma “Since I’ve Been Loving You”?

Eu tou falando da guitarra elétrica, aquele antigo instrumento que gemia e rugia notas antes do punk reinventá-la como máquina de riffs, tal como o hip hop reinventou o toca-discos como instrumento musical. Esse é o domínio de Gilmour, o habitat natural que faz o pacato dinossauro caminhar feliz. Não importa onde esteja, desde que tenha a oportunidade de embarcar num solo mortal (dá pra vê-lo fazendo caretas sobre as notas), Gilmour voa satisfeito como o albatroz de “Echoes”.

Isso é bom e ruim. Pois se é bom ouvi-lo renovado no lamento de sua Stratocaster (aquele mesmo, confortavelmente entorpecido), não há necessidade de as músicas serem grandes coisas para abrigarem seus solos. “Dave precisa de um veículo para sua guitarra”, desmereceu Waters em várias entrevistas, ridicularizando (como os fãs xiitas) o fato de sua mulher, Polly Samsom, ser co-autora de mais da metade de On an Island. E daí? Ao encarar as engrenagens do sistema no Live 8 (“onde você esteve?”, pergunta a máquina), Gilmour exorcizou-se, ao menos por hora, do karma floydiano e pariu um disco despretensioso e, por isso mesmo, insosso – mas seus solos não se incomodam e permanecem precisos como animais selvagens à solta, celebrando a vida ao correr pelo mato. As condições para assisti-los (as canções, de fato) talvez não sejam tão confortáveis, mas quando eles vêm… A beleza segue intacta.

Um set de músicas com “Sunday” no MP3 player, Vida Fodona sendo gravado e vou despachando microrresenhas que despejei por aí…

Tem duas materinhas minhas nessa edição da Simples que acabou de chegar na banca, mas vou começar postando a coluna de música, que também leva minha signatura. As outras eu posto depois:

Especialização já foi gueto. A pessoa que se enfurnava em um determinado gênero musical tendia a se fechar em certas referências que lhe aproximavam de outros iguais ao mesmo em que se isolava de todas as outras pessoas. Podia ser bancário de dia é gótico de noite, office-boy no expediente e punk fora dele, redator de publicidade que nas horas vagas faz vídeo. Eram os hoje redivivos anos 80. Eram as tribos.

A década seguinte assistiu à queda dos muros que separavam estes grupos. Em algum momento do início dos 90, diferentes híbridos musicais surgiram após a aproximação de gêneros e, por conseqüência, tribos. Punk pop, hippie hop, forrócore, folk rap, funk metal, MPB indie, axé music – a Nova Ordem Mundial, pós-Muro de Berlim, americanizava tudo e ao mesmo tempo linkava tudo a todos. Tribos se fundindo, mistos musicais: assim podemos resumir a história dos anos 90.

Crucial para esta dissolução em massa foi a apropriação da internet pelos consumidores de música, que puxaram e continuam puxando as principais fronteiras da melhor metáfora para a vida offline (que é a vida online). Em rede, começamos a nos expor e nos fuçar, o que tem gerado frutos e filtros úteis para a vida em carne e osso. O processo é lento, mas a imagem está se assumindo como farsa ao mesmo tempo em que a estética sonora ganha o corpo do que antes estava preso ao conteúdo desta. Fazer-se soar é mais eficaz e mais fácil do que fazer-se ver, e a cada novo DJ surgido em festas de aniversário dos amigos, mais uma célula percebe que o que chamamos de realidade é apenas um remix das referências mais frequentes em nosso dia-a-dia.

Hoje, todo mundo é uma tribo. A individualidade egoísta cede aos poucos ao deslumbre egocêntrico que, com o tempo, descambará no hedonismo ególatra. A diferença pode ser risível para a maioria, mas quem vive este processo percebe os ganhos desde sua própria reconstrução de sua realidade. “Sou eu” é um processo de afirmação e poder, que, ainda que autocelebratório e de aparente efemeridade, retoma a evolução da raça humana após pouco mais de um século de estagnação criativa sob os grilhões de uma indústria cultural. Sabemos como a indústria funciona e ela disfarça (mal) sua própria falência. A chave agora é outra e você sabe qual é.

Depois eu falo mais disso.

Am G F°

Am G
Dig if u will the picture
G F°
Of u and I engaged in a kiss
Am G
The sweat of your body covers me
G F°
Can u my darling can u picture this?

Am G
Dream if u can a courtyard
G F°
An ocean of violets in bloom
Am G
Animals strike curious poses
G
They feel the heat
F°
The heat between me and u

Am G
How can u just leave me standing?
G F°
Alone in a world that’s so cold
Am G
Maybe I’m just 2 demanding
G F°
Maybe I’m just like my father 2 bold
Am G
Maybe you’re just like my mother
G F°
She’s never satisfied
Am G
Why do we scream at each other
G F°
This is what it sounds like when doves cry.

Am G
Touch if you will my stomach
G F°
Feel how it trembles inside
Am G
You’ve got the butterflies all tied up
G
Don’t make me chase u
F°
Even doves have pride

Am G
How can u just leave me standing?
G F°
Alone in a world that’s so cold (world so cold)
Am G
Maybe I’m just 2 demanding
G F°
Maybe I’m just like my father 2 bold
Am G
Maybe you’re just like my mother
G F°
She’s never satisfied
Am G
Why do we scream at each other
G F°
This is what it sounds like when doves cry.

F° = 003434

E hoje, antes do show, o Pedro Bayeux vai passar o documentário que ele gravou no Rec Beat desse ano (ele meteu uns trechos no YouTube – nesse aqui tem o Riachão, nesse aqui tem o Edgar Scandurra, o Felipe do Mombojó e o DJ Spooky, nesse aqui tem a participação da Nação – e a deste seu correspondente como entrevistador… (lá embaixo tem o bruto, vê lá), nesse aqui tem o Ronaldo Lemos falando sobre Creative Commons e o Jumbo Elektro ao vivo [e o Tatá conversando com uma barata e apresentando o carnaval olindense] e nesse aqui tem um grupo de tango (!!)– além desses dois takes quase brutos do show da Nação que fechou o carnaval, [nesse tem “Quando a Maré Encher”, “Macô”, “Blunt of Judah” e “Memorando”, além de eu entrevistando o Lucio e nesse tem “Meu Maracatu Pesa Uma Tonelada”, “Na Hora de Ir”, “Hoje Amanhã e Depois” e eu entrevistando o Jorge e o Pupilo), cola lá…

Materinha de hoje na Folha.

“É uma nova Era de Ouro da animação”, comemora John Canemaker, um dos convidados estrangeiros do Festival Internacional de Animação, o AnimaMundi 2006, que começa amanhã no Rio de Janeiro e chega a São Paulo no dia 26. O evento chega à sua décima quarta edição com mais de 400 filmes de 40 países diferentes – números que refletem a boa fase da arte que já foi tratada como brincadeira para crianças, e que hoje praticamente domina o mercado de entretenimento, em níveis quase subliminares.

“Há mais oportunidades de emprego, mas meios para distribuição, mais possibilidades imaginativas para a arte do que nunca”, continua o convidado, vencedor de dois Oscars (melhor curta animado deste ano, por “The Moon and the Son”, e o melhor de 1988, “You Don’t Have to Die”) e autor de vários livros sobre animação.

“As novas tecnologias borraram a fronteira entre animação e cinema – não poderiam haver filmes como “King Kong”, “Harry Potter”, “Superman Returns”, “Piratas do Caribe”, “Jurassic Park”, etc., sem animadores”, segue, empolgado. “A animação está na TV, na web, em iPods, celulares e videogames”.

Canemaker, autor de livros como “Treasures of Disney Animation Art”, “Felix – The Twisted Tales of the World’s Most Famous Cat” e “Tex Avery – The MGM Years”, fará duas apresentações sobre dois nomes da primeira era da animação que já foram temas de livros seus: Mary Blair e Winsor McCay.

Mary Blair era uma das principais animadoras do estúdio Disney em sua fase clássica e foi a responsável pelo design de filmes cruciais para o estabelecimento da imagem do estúdio, como “Você Já Foi à Bahia” (1944), “Cinderela” (1950), “Alice no País das Maravilhas” (1951) e “Peter Pan” (1953), além de criar o passeio “Pequeno Mundo”, na Disneylândia.

“Walt Disney a amava e lhe dava espaço no estúdio”, conta John, “e isso era estranho, porque a estilização de Blair era o oposto polar dos desenhos tipo “ilusão da vida” associados aos filmes animados Disney, inspirados por Norman Rockwell e ilustradores europeus de livros de contos de fada. Seu trabalho é plano e estilizado de uma forma infantil e sofisticada, com uma paleta de cores agressivamente irreal. Ela era mais interessada em brincar com as cores do que com personalidades. Em sua vida pessoal, ela antecipava a mulher profissional moderna. Imitada por muitos, Mary Blair mantém-se inimitável – uma feiticeira deslumbrante do design e da cor”.

Já McCay, é “universalmente reconhecido como o primeiro mestre tanto da tira de quadrinhos quanto do desenho animado”, continua Canemaker. “Apesar de inventados por outros, ambos gêneros foram transformados em arte popular duradoura graças ao gênio inovador de McCay. Ele atribuía seu sucesso a uma ‘ânsia absoluta de desenhar o tempo todo’”.

“Sua obra-prima é ‘Little Nemo in Slumberland’, que foi publicada pela primeira vez pelo jornal ‘New York Herald’, em 1905”, continua Canemaker. “É simplesmente a tira de quadrinhos mais bonita que existe, uma fantasia de sonho surreal repleta de evocações infantis tanto amáveis quanto grotescas, feito com um impressionante traço art noveau e um colorido sutil ainda que ousado e desenhado com layouts que antecipam técnicas de narrativa cinematográfica”.

“Os dez desenhos de McCay – entre eles ‘Little Nemo’ (1911), ‘How a Mosquito Operates’ (1912), ‘Gertie the Dinosaur’ (1914) – são marcos na história desta arte e eram imbatíveis no movimento fluido e na personalidade dos personagens até que os filmes maduros de Disney aparecessem, duas décadas mais tarde. E Disney foi um dos muitos animadores influenciados por McCay pelo mundo”.

As apresentações sobre Mary Blair acontecem no Rio (dia 20) e em São Paulo (dia 26), mas a de McCay só acontece no Rio (dia 22), sempre às 16h30. Canemaker também participa do Papo Animado, sessão de entrevistas aberta ao público, que acontece nas duas cidades – dia 21 no Rio e dia 27 em São Paulo, ambas às 19h30.

Entre os outros convidados internacionais do evento, estão o japonês Kihachiro Kawamoto, que exibe seus longas “Winter Days” e “The Book of the Dead”, e o inglês Ian Mackinnon, responsável pelas animações em filmes de Tim Burton, como “Marte Ataca” e “A Noiva Cadáver”.

Entrevistão especial com o Arnaldo Brandão, o Nervoso, o Gordo, o Marcelo Nova e o Beto do Cachorro Grande pra edição especial de drogas da Bizz, produção em parceria com a miss Radiola Urbana, Lígia Nogueira. A edição tá classe e ainda tem perfil do D2 feito pelo Marsiglia, o Mutley contando sobre a prisão do ministro em Floripa, o Schott falando do A Bad Donato e outras ricardoalexandrices. Só papelzinho fuleiro que continua dureza…