Quando Damon Albarn passou com seu Gorillaz pelo Brasil há quase um ano, deu um jeito de puxar o MC Bin Laden para seu lado e aumentar o elenco de estrelar do próximo álbum de sei grupo de desenho animado. Lançado sexta passada, Cracker Island trazia um time considerável de participações especiais, do Thundercat até o Bad Bunny, passando pelo Beck, Tame Impala, Stevie Nicks, mas nada do MC brasileiro. Até que na edição Deluxe do disco, lançada apenas três dias após o lançamento, entre o remix de uma música e a versão ao piano de outra, surge “Controllah”, reggaton com o dedo na ferida que promete pesar pistas com seu beat delicioso e as rimas de MC paulistano, que ainda repete a sua risada de assinatura enquanto Albarn canta um refrão bucólico sobre “as ondas do Rio”.
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Em dois anos, o mestre João Donato comemora suas nove décadas de vida, quase oito delas dedicadas à música. O buda acreano é um dos mitos da criação da música contemporânea brasileira e já apresentava-se ao vivo no início da adolescência, antes de toda a geração que veio a influenciar – e criar a bossa nova – começasse a se envolver profissionalmente com música. E mesmo prestes a cruzar a barreira nonagenária, exibe a desenvoltura mágica que o consagrou décadas atrás, tão à vontade quanto em seus discos mais clássicos. Defendendo o ótimo Serotonina, que lançou no ano passado, numa apresentação que fez no teatro do Sesc Pinheiros neste domingo, ele fez piada com o nome do disco e celebrou todas as parcerias que fez neste trabalho ao apresentar cada uma delas (mencionando nominalmente seus novos parceiros – Maurício Pereira, Felipe Cordeiro, Rodrigo Amarante, Céu – no primeiro disco de faixas inéditas em 20 anos), mas quando começava a tocar, tornava-se pleno. Acompanhado de uma banda luxuosa e mínima – Fábio Sá no baixo elétrico, Sergio Machado na bateria, Anaïs Sylla nos vocais de apoio e Marcelo Monteiro, entre a flauta e o sax -, ele foi além do repertório do disco novo e visitou clássicos de outros tempos, como “Emoriô”, “Bananeira” e “Nasci para Bailar”, sempre à vontade com seu instrumento, sua voz e seus parceiros. Que sorte podermos conviver com um mestre destes.
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Por mais que o Brasil já tenha cantado suas canções em outras épocas, Joyce Moreno amadureceu como um segredo para iniciados na exuberante árvore genealógica da música brasileira, uma orquídea que abre-se cada vez mais que aguça-se os sentidos em sua direção. Sua discrição pessoal, o canto doce e a persona suave deixam suas melhores qualidades à distância do mercado massificador que transforma qualquer artista em um produto em promoção e nada melhor que uma apresentação ao vivo para reconhecer a força de sua arte, a reverência que faz a seus mestres e parceiros e seu vigor instrumental, seja no violão ou na voz.
Na segunda de suas apresentações no Sesc Belenzinho neste fim de semana, ela mostrou o disco que compôs durante a pandemia, Brasileiras Canções, que reconheceu ter um tom mais triste do que o que vivemos hoje e aproveitou este clima para mostrar “Chuva Sem Gal”, parceria que fez com Marcos Valle após a passagem Gal Costa, no ano passado, logo após tocar a “Mistérios” que deu ao segundo disco do Clube da Esquina e que gravou com a própria cantora em seu álbum Revendo Amigos, lançado há quase 30 anos.
Temperou a tristeza destes temas com versões desafiadoras de clássicos do cânone que ajudou a erguer, o da canção brasileira. Em seu violão Joyce desfila autores e intérpretes clássicos como João Gilberto, Tom Jobim, Elis Regina, Edu Lobo, Vinícius de Moraes e Baden Powell num rosário que praticamente resume sua formação e nossa memória afetiva: “O Morro Não Tem Vez”, “Águas de Março”, “É Preciso Perdoar”, “Berimbau/Consolação”, “Desafinado” e “Upa Neguinho”.
Acompanhada de um trio de tirar o fôlego, ela não fica pequena ao lado dos virtuoses discretos que a acompanham – o baixo de Rodolfo Stroeter, o piano de Tiago Costa e a bateria de Tutty Moreno, se entrelaçam com seu violão de acordes dissonantes e marcação precisa, ao mesmo tempo em que afia sua voz sem exibicionismo, seja desconstruindo a métrica das próprias canções ou abrindo vocais improvisados sobre clássicos de nosso cancioneiro.
Sua relação com o baterista marido é um espetáculo à parte: a troca de sorrisos e olhares entre este casal que está prestes a completar meio século de parceria musical e de vida é uma conversa tão fluida e deliciosa quanto a troca musical da cantora com este que é um dos pilares do edifício que chamamos de MPB (Tutty é baterista em obras fundamentais como Transa, Expresso 2222, Cantar, o disco de estreia de Jards Macalé, Sinal Fechado e Álibi, só pra citar as joias de sua coroa).
E como se não bastasse o gigantismo deste evento de jazz brasileiro, Joyce ainda reforça seu papel de cantora e mulher, em hinos pessoais como “Samba da Mulher”, “Essa Mulher”, “Mulheres do Brasil” e, claro, “Feminina”. Uma noite maravilhosa. Viva Joyce!
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Que maravilha a imersão que os Boogarins fizeram no Clube da Esquina nesta sexa-feira no Sesc Pompeia. Logo que puderam conversar com o público que lotou o teatro, os goianos fizeram questão de frisar que não estavam tocando o disco na íntegra e nem só músicas do clássico mineiro de 1972, mas que visitavam todo o universo musical ao redor daquele álbum, afirmando isso logo após o início do show, quando emendaram “Fé Cega, Faca Amolada” com “Paula e Bebeto”, ambas do disco Minas, que Milton Nascimento lançou em 1975. E assim o disco percorreu as inevitáveis “O Trem Azul”, “Trem de Doido” e “Nada Será Como Antes” (que terminou com um aceno ao Tame Impala) e faixas de discos clássicos de Beto Guedes (a imortal “Amor de Índio”, faixa-título do disco do guitarrista de 1978, cantada pelo baixista Fefel), de Lô Borges (“Vento de Maio”, do soberbo A Via Láctea, de 1979) e até da espetacular joia secreta que é o disco Beto Guedes, Toninho Horta, Danilo Caymmi, Novelli, gravado pelos quatro músicos que o batizam, em 1973. Este último foi contemplado em dois momentos (“Serra do Mar” e “Ponta Negra”, mas faltou “Manoel, O Audaz”) e os dois vocalistas e guitarristas da banda, Dinho Almeida e Benke Ferraz, o reverenciaram como um disco central na formação da banda, citando-o praticamente como um disco dos Boogarins antes da banda existir, traçando a conexão psicodélica entre o Goiás do grupo e a Minas Gerais do Clube. O show ainda contemplou a mesma “Saídas e Bandeiras” que sentenciou esta conexão quando o grupo a tocou ao vivo no encontro com O Terno em junho de 2015 e terminou de forma épica, com a clássica “Um Girassol da Cor de Seu Cabelo”, mexendo com corações e mentes de todos os presentes. Foi bonito demais e tem que voltar a acontecer com mais frequência – porque mais do que um show de tributo a um momento histórico da música brasileira, ele expõe as raízes do grupo de uma forma tão natural que torna claro o DNA musical dos goianos.
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Começamos o ano de fato nessa estranha coincidência entre o fim do carnaval e Twin Peaks e comentamos as inúmeras tentativas de abordagem românticas, desde as contemporâneas do mundo digital (como usar o Letterboxd como uma nova versão do clássico “venha conhecer minha biblioteca”) até as decadentes, como a hora da música lenta, que clamamos pela volta – sem contar as mais esdrúxulas – e nichadas – como levar um livro do Thomas Pynchon debaixo do braço. E que tal um programa de rádio tipo correio elegante chamado New Romantic com “Stairway to Heaven” como música de abertura? E no meio disso tudo falamos de carros que saíram de moda, de uma importante agente cultural e política brasileira, a sobreposição entre as danças do TikTok, a Macarena e É o Tchan e a rede social do Aparelho. E nos perguntamos sobre a volta do horário de verão!
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No ano passado fui convidado para participar do livro De Tudo Se Faz Canção – 50 anos do Clube da Esquina que comemorava meio século desta obra ímpar de Milton Nascimento e Lô Borges que colocou no mapa da música brasileira toda uma nova cena e novos temperos musicais que mudaram a cara de nossa música. Concebido e organizado pela Chris Fuscaldo, através de sua editora Garota FM, ao lado de um dos patronos desta cena, o próprio Marcio Borges, letrista do grupo e irmão de Lô. O livro conta esta saga do ponto de vista de seus protagonistas, com depoimentops de Ronaldo Bastos, Beto Guedes, Fernando Brant, Wagner Tiso, Toninho Horta, Alaíde Costa e muitos outros que participaram do disco, além de seus próprios autores, Milton e Lô e um extenso faixa a faixa em que vários pesquisadores, críticos e jornalistas, como Leonardo Lichote, Kamille Viola, Marcelo Costa, Ana Maria Bahiana, Charles Gavin, Carlos Eduardo Lima, Patrícia Palumbo e Ricardo Schott, entre outros, atravessam as clássicas canções deste disco histórico. É nessa seção que faço minha participação, dissecando as duas versões de “Saídas e Bandeiras” e mostrando como a força destas duas pequenas canções atravessou décadas para ressurgir numa apresentação que vi duas bandas contemporâneas em 2015, quando O Terno e os Boogarins celebravam a importância do disco a partir de uma transformação conjunta desta microcanção no bis de seu show conjunto no Auditório Ibirapuera, em São Paulo, tornando-se um épico de mais de doze minutos com duas baterias, dois baixos e três guitarras. De Tudo Se Faz Canção ainda fala de outros grandes nomes ligados ao disco (como Eumir Deodato, Paulo Moura e o fotógrafo Cafi), cita as comemorações do cinquentenário do disco no ano passado, incluindo a turnê de despedida de Milton Nascimento, e reúne fotos raras com um acabamento gráfico de primeira. O livro pode ser comprado no site da Garota.fm e aproveitei para falar do livro nesta sexta-feira em que os Boogarins tocam na íntegra o Clube da Esquina no teatro do Sesc Pompeia, a partir das 21h. Os ingressos para o show já estão esgotados, mas vai que aparece alguém vendendo algum que sobrou na hora…
Retomo os trabalhos do meu programa sobre música brasileira conversando com o baiano Lucas Santtana, que durante a pandemia estreitou seus laços com o velho continente mudando-se para uma pequena cidade no interior da França, onde reside atualmente. Neste processo, começou a compor seu novo disco a partir do contato com uma série de autores (como a cientista Lynn Margulis, objeto do documentário Symbiotic Earth: How Lynn Margulis Rocked the Boat and Started a Scientific Revolution), que pensam o lugar da raça humana no planeta Terra, levando em conta principalmente a crise climática que já estamos atravessando – e que foi responsável também pelo surgimento deste trágico capítulo em nossas vidas. O Paraíso, lançado no inicio do ano, foi gravado com músicos franceses e conta com versões de músicas dos Beatles e Jorge Ben.
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Morreu o catedrático do samba paulistano, em plena quarta-feira de cinzas. Descanse em paz, mestre.
Tirei o domingo de Carnaval pra ver mais um show dos ótimos Sophia Chablau & Uma Enorme Perda de Tempo, desta vez fazendo todo mundo no Sesc Ipiranga cantar todas as músicas junto. Em mais um show completo de seu primeiro disco (que inclui as participações da maravilhosa Lucinha Turnbull, do saxofonista João Barisbe, das cordas de Arthur Merlino e Fabio Tagliaferri – este último, pai de Sophia), o quarteto está liberando pouco a pouco as músicas novas de seu segundo álbum que, ao que tudo indica, deve sair ainda este ano – foram quatro só neste show. Sophia foi atropelada pelo Carnaval e mal conseguia colocar e tirar a guitarra, mas, como sempre, transformou o sofrimento em piada e outra vez tirou de letra um desconforto para dominar facilmente o público do teatro, que ela incitou para que levantasse em vez de ver o show sentado. Ninguém ficou parado.
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O Carnaval da Céu está acontecendo no Sesc Pinheiros, quando ela estreia o espetáculo Fênix do Amor, em que organiza seu repertório numa apresentação que não prioriza um determinado disco para repassar seus hits. Ela segue com a banda que montou para circular com o disco Um Gosto de Sol, com o fiel escudeiro Lucas Martins no baixo puxando os novatos Sthe Araujo (percussão), Bruno Marques (bateria) e Leo Mendes, que assume a guitarra depois de tocar apenas violão na turnê anterior – e esta mudança é crucial para a nova apresentação, fazendo o show ganhar força e eletricidade ao mesmo tempo em que Céu desliza em seus hits, como bem sabe fazer. O foco do show fica em seus dois melhores discos – Vagarosa e Tropix – e passeia por algumas do Apká! e até do disco mais recente (fazendo Céu ceder ao repertório autoral quando um fã pediu “Deixa Acontecer”, o samba do grupo Revelação que ela gravou no disco de versões), mas senti falta de músicas do Caravana Sereia Bloom – “Falta de Ar”, “Baile da Ilusão” e “Chegar em Mim” fariam bonito nessa noite. Mas é Carnaval e ela aproveitou para emendar uma sequência de músicas alheias no final, que começou sua já clássica versão para “Mil e Uma Noites de Amor” do Pepeu Gomes, passou pelo axé (“Vai Sacudir, Vai Abalar”, da banda Cheiro de Amor), visitou a pioneira Chiquinha Gonzaga (com, claro, “Abre Alas”) e encerrou celebrando Gal, com a irresistível “Bloco do Prazer”. Uma banda tinindo e uma luz deslumbrante (Marcos “Franja” Cicerone esmerilhando com a ajuda do laser de Diogo Terra), deixaram Céu completamente à vontade para dominar o palco e o público com facilidade, numa apresentação que funciona como balanço de carreira e quem sabe a ajude a pensar em novos planos para o futuro.
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