Noite histórica. Ao recriar mais uma vez seu clássico de 1980 no palco do Sesc Pinheiros neste sábado, Arrigo Barnabé reforça o papel fundamental de sua obra-prima na história da música brasileira ao sublinhar com a ênfase necessária que ela só aconteceu devido ao contexto em que foi concebida, a cena que surgiu ao redor do mitológico teatro Lira Paulistana, no início dos anos 80. Arrigo arregimentou parte da Banda Sabor de Veneno da gravação original, entre eles o trombonista Ronei Stella, o tecladista Bozo Barretti, os saxes de Manuel Silveira e Chico Guedes, a bateria de seu irmão Paulo Barnabé e as vozes de Suzana Salles e Vânia Bastos, acrescidas das presenças de Ana Amélia e Tetê Espíndola. Acompanhando Tetê ao piano num momento fora do roteiro do disco original, o compositor paranaense passeou por duas de suas composições para celebrar a presença da amiga, “Canção dos Vagalumes” (que resumiu como “canção-manifesto do sertanejo lisérgico” que a vocalista do Mato Grosso do Sul fazia parte naquele período) e “Londrina”, além de visitar, em outros momentos da noite, “Mente Mente”, de Robinson Borba, que gravaria na trilha sonora do filme Cidade Oculta, e improvisar o começo de “Noite Fria”, de Itamar Assumpção, com as vocalistas antes de começar o bis. E ao entrecortar a ópera dodecafônica sobre o monstro mutante surgido a partir de uma experiência a que um office-boy se submete, por falta de dinheiro, nas entranhas de São Paulo com estas composições, Arrigo reverenciou a cena em que surgiu numa apresentação de fôlego para um teatro lotado. “43 anos…”, desabafou, rindo, com sua voz grave no início do espetáculo. “Inacreditável, a gente tocava isso em 1980, por isso que chamavam de vanguarda”.
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Conhecido apenas pelo sobrenome, Roberto Negreiros era um dos meus traços brasileiros favoritos e cansei de trombar com ele por diferentes publicações nos meus anos de formação. A notícia de sua morte me revela que ele ainda era muito novo – e que quando comecei a conhecer seu trabalho ele era praticamente um jovem adulto. Fará falta – e alguém precisa catalogar sua extensa produção.
Triste de saber a péssima notícia sobre a passagem do DJ Jamaika, um dos nomes mais importantes do rap no Brasil e pilar da fundação da cultura hip hop no Distrito Federal, a partir de sua participação no grupo Câmbio Negro desde o clássico Sub-Raça até o pioneirismo com o grupo que tinha com o irmão, Kabala, o Álibi.
(Foto: Pedro Clash/Divulgação)
Lembro quando Juliano Gauche me procurou para testar no palco do Centro da Terra o disco que havia acabado de gravar em São Paulo. Ele estava repensando os próximos passos da carreira no início de 2020, quando lançou o EP Bombyx Mori, um mês antes da chegada da pandemia que paralisou nossas vidas, e havia acabado de mudar-se para a praia de Manguinhos, no Espírito Santo, depois de um tempo morando no interior daquele estado. Como aconteceu com muitos, o período de isolamento social o colocou em contato mais intenso com seu inconsciente e ele passou a dar atenção ao que acontecia em seus sonhos. Inspirado em questões metafísicas levantadas por estas viagens, Gauche reduziu a sonoridade de suas canções a arranjos mínimos, conduzidos e produzidos pelo comparsa Klaus Sena, que coproduziu seu novo álbum, além de tocar pianos, teclados, xilofones e sintetizadores, deixando sua voz mostrar as paisagens sonoras que recolhia após dormir. Tenho Acordado Dentro dos Sonhos, este novo disco, foi apresentado ao vivo em novembro do ano passado e além de Sena, Gauche também contou com a guitarra e o violão de Kaneo Ramos, que também participa do disco. De fora daquele show, apenas o vocalista da banda mineira Moons, André Travassos, com quem divide os vocais da única música em inglês do disco, “Ondas Que Acordam”. “Das vinte músicas que escrevi nesse período de isolamento, escolhi as sete que foram mais direto nas feridas, as que para mim traduziram melhor as mudanças ocorridas, as que abordaram tudo pela ótica espiritual”, explica Juliano, que lança o novo trabalho nesta sexta-feira, mas antecipa o disco na íntegra aqui pro Trabalho Sujo, não sem antes apontar para o próximo estágio: “As mais violentas e eufóricas ficaram para o próximo.”
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Quarta é dia de documentário sobre música brasileira no Centro da Terra dentro da parceria que o teatro fez com o festival In Edit e neste dia 22 vamos entrar na história de um dos nomes que ajudou a consolidar o violão como o mais brasileiro dos instrumentos. Garoto – Vivo Sonhando conta a história deste músico que viveu apenas 40 anos e, além de integrar o mitológico Bando da Lua, que acompanhou Carmen Miranda em suas temporadas nos EUA, também foi mestre de ases do instrumento como Baden Powell, João Gilberto e Raphael Rabello, ajudando a modernizar o instrumento no país. O filme de Rafael Veríssimo costura diários, depoimentos, entrevistas e arquivos raros, revelando um artista à frente de seu tempo. A sessão começa pontualmente às 20h e os ingressos podem ser comprados neste link.
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Na primeira das duas terças em que Mestre Nico apresenta-se no Centro da Terra, ele aproveitou para repassar suas mais de três décadas dedicadas à música. Liderando seu quarteto Balanço da Manipueira, composto pelas percussões e vozes de Thalita Gava e Rafaella Nepomuceno e pela voz e sax de Júnior Kaboco, ele recebeu compadres de diferentes gerações, desde velhos parceiros como o violonista Edinho Almeida e os sopros de Gil Duarte quanto novos compadres como o guitarrista Lello Bezerra e Bb Jupteriano, que distorce, em fita de rolo, sons gravados previamente. Este material está sendo depurado para tornar-se o primeiro disco solo de Nico. E terça-feira que vem tem mais…
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Muitos conhecem o trabalho do Mestre Nico a partir do trabalho que vem desenvolvendo com Siba há quase uma década, segurando o ritmo e a segunda voz do trabalho do pernambucano desde que este passou da rabeca para a guitarra, mas este percussionista conta com um trabalho solo que aos poucos começa a ser revelado. É esta nova faceta que dá as caras em duas terças-feiras no Centro da Terra, quando Nico traz propõe, ao lado de sua banda O Balanço da Manipueira (formada por Thalita Gava, Rafaella Nepomuceno e Júnior Kaboco), o início do que pode ser seu primeiro álbum autoral na minitemporada chamada De Andada no Tempo. E para estas duas apresentações reuniu compadres para abrir novas fronteiras de sua arte, como o guitarrista Lello Bezerra, Bb Jupteriano, que distorce fitas de rolo, o violão 7 cordas de Edinho Almeida e o trombone e o pífano de Gil Duarte. O espetáculo começa pontualmente às 20h e os ingressos podem ser comprados neste link.
Mais uma noite com Ná Ozzetti no Centro da Terra e a viagem desta segunda-feira foi entre voz e sopro, com a cantora sendo conduzida pelos saxes e clarinetes de Fernando Sagawa. Juntos, desbravaram canções de Tom Zé, Beatles, Hermínio Bello de Carvalho, Déa Trancoso, Chico Buarque e Geraldo Filme e Luiz Tatit – Fernando superpondo seus sopros com arranjos minimalistas e a voz resplandecente de Ná abrindo luzes claras na escuridão do teatro. Muita doçura pra uma noite só.
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Cátia de França ao vivo, com seus setenta e tantos anos, é ainda mais forte que em disco, quase cinquenta anos mais nova, quando gravou alguns dos álbuns mais subestimados da música brasileira (entre eles o obrigatório 20 Palavras Ao Redor do Sol – se você não conhece esse disco, pare tudo que está fazendo e ouça agora!). Apresentando-se no Sesc Pinheiros neste domingo para celebrar seu cinquentenário nos palcos, ela mostrou que a presença de sua música é equivalente à de outros monstros sagrados que ergueram a bandeira da psicodelia no nordeste brasileiro nos anos 70, com o agravante de ser mulher e ter saído de João Pessoa, na Paraíba, cidade que não tem a tradição de capitais mais populosas da região.
Ela é um dos nomes mais importantes desta cena e embora não seja tão celebrada quanto nomes como Ave Sangria, Zé Ramalho, Robertinho do Recife e Alceu Valença, a paraibana orbitou a cena que circulava ao redor da casa de Lula Côrtes e Kátia Mesel e que viu surgir outros monstros sagrados que também não são mais reconhecidos, como Marconi Notaro, Flaviola e a banda Phetus. Só que Cátia continua viva, na ativa, produzindo, compondo e tocando e a apresentação que fez neste domingo mostrou o tamanho de sua importância.
Acompanhada de Alessandra Leão, pupila confessa e visivelmente emocionada por dividir o palco com sua musa, ela poderia apenas desfilar as canções de seu álbum mais conhecido – como fez, disparando hinos como a faixa-título, “Sustenta a Pisada”, “O Bonde”, “Coito das Araras” e “Estilhaços”, mas não deixou de lado outras fases da carreira, menos festejadas mas igualmente ousada, em músicas como “Avatar” e “Trator/As Águas Que Correram Dos Meus Óio” (que usou para abrir o show acompanhada apenas de Leão), “Não Há Guarda-Chuva”, “Espelho de Oloxá”, “Minha Vida É uma Rede” e “Geração”. Fez questão de celebrar sua espiritualidade, saudando Exu, de quem é filha, e puxando outras saudações ao Caboclo Boiadeiro.
Dividindo-se entre o violão, o pandeiro, o agogô e o triângulo, ela contava com uma banda tinindo, que a acompanhava para onde fosse – e o baixista dirigia a apresentação que equilibrava o duelo entre a viola e a guitarra, achando aquele ponto comum preciso no meio do rock e do baião que abre as possibilidades psicodélicas necessárias. Cátia ainda saudou a aluna ao tocar duas de Alessandra (“Não vou nem fala muito porque eu tô na beira do choro, mas quero dizer que uma parte grande do fato de eu ser artista, de eu escrever, de ser compositora e cantora, se deve à Cátia de França”, disse a compositora pernambucana), “Campo de Batalha” e “Corpo de Lã”, antes de encerrar com a inevitável “Kukukaya”. Uma noite mágica, de bruxaria pesada.
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Bem antes do rap nascer no final dos anos 70, um grupo de ativistas e poetas negros se reuniu no aniversário de Malcolm X três anos depois de seu assassinato para lembrar o líder com um novo movimento. O trio formado por Abiodun Oyewole, Dahveed Nelson e Gylan Kain apresentou um novo tipo de manifestação cultural que consistia em improvisar poemas sobre uma base rítmica, misturando a então recente novidade de recitar poesia sobre música que ficou conhecida como spoken-word e a ancestral roda de percussão que precede a vinda dos africanos que vieram escravizados para o outro lado do Atlântico. Dez anos antes da disco music se despedaçar criando os elementos para gangues nova-iorquinas se reinventarem a partir da música usando apenas toca-discos e microfones, os autodenominados Last Poets começavam a abrir um caminho que facilitou o início da cultura hip hop. E lá estavam dois de seus fundadores no palco do Sesc Pompeia, encerrando as atividades do Festival Zunido. No lugar de Gylan Kain estava Felipe Luciano, que nasceu no ano seguinte à fundação do grupo em 1968 e viaja com eles desde o final do século passado. Devido à idade avançada dos sobreviventes da banda (Abiodun Oyewole tem 75 anos e Dahveed Nelson, 89!), o show começou com uma longa (e tediosa) introdução de Luciano rimando sobre um violão tocado de forma quase vacilante, abrindo o território para a chegada dos tataravós do rap. Depois de Luciano, quem subiu ao palco foi o percussionista Baba Don Babatunde, que lentamente começou a esquentar a noite. Um vídeo curto apresentou a história da banda para o público antes que os poetas originais Abiodun e Dahveed entrassem em cena e conquistassem o público. Não era uma apresentação de rap, mas em pouco tempo os dois anciãos mostraram porque estão neste ponto tão central na genealogia de toda esta cultura, rimando sobre o ritmo dos tambores enquanto puxavam o público para a apresentação, pedindo para que este terminasse algumas rimas, repetisse palavras de ordem e se juntasse aos versos que vinham do palco. Mesmo com a idade avançada e sem um beat mais incisivo, foram lentamente conquistando o público, mostrando que a fama que os precede faz jus. Histórico!
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