Foto: Erika Garrida
“É uma aglutinação de linguagens, o que sempre resulta em novidade, não é? A situação não permite previsões, tédio e invenção andam de mãos dadas e nos puxam”, me explica por email Tulipa Ruiz quando lhe pergunto se Tulipa Noire, que ela apresenta neste sábado às 21h (mais informações aqui), é uma evolução do conceito de shows transmitidos pela internet. O concerto acontece na Casa de Francisca e é o primeiro show dirigido pela cineasta Laís Bodanzky, diretora do filme Bicho de Sete Cabeças, que foi convidada pelo capo da mágica casa, Rubens Amatto, para assumir a curadoria de cinema do local em tempos de pandemia, elevando as lives a outro patamar.
A cantora conta que estava esperando o momento certo para trabalhar neste formato. “Nossa proximidade com o Rubão e a Casa de Francisca é antiga e sabíamos que a qualquer momento ia acontecer alguma coisa entre a gente nesse momento live. Quando o nome da Laís entrou na jogada, tudo ficou mais saboroso. Vivo com a Tulipa Noire, o filme do Delon, marcado na alma. A associação era inevitável, noir-noire-cinema-Laís. Mesmo assim uma associação solar – o filme original era colorido!”, conta, fazendo referência ao filme que inspirou seu pai, o mestre guitarrista Luiz Chagas, a batizá-la com este nome.
Pouquíssimas pessoas estarão presentes no evento, apenas a cantora, seu irmão Gustavo Ruiz no violão, a diretora Laís e a fotógrafa Thaís Taverna. A única certeza é que será em preto e branco. Tulipa nem sabe o que fará com o show depois de ele ter acontecido. “É algo a ser pensar. Será meu primeiro registro cinematográfico. Vou decupar essa ideia”, conta.
Pergunto como ela está atravessando a quarentena e ela tasca que “como a maioria das pessoas que tem a oportunidade de ficar em suas casas, esse negócio de ‘tempo livre’ é bobagem. Nunca estive tão ocupada em minha vida, nem que seja para não fazer nada ou dormir. Isso te ocupa muito”. Ela também menciona lives que a emocionaram: “Várias, a começar pelo João Donato que introduziu muita vida na dele; Teresa Cristina, maravilhosa; o Gil, divino; o Curumim e a Anelis fazem umas aqui na esquina de casa, mas que parecem vindas da Lua. “
O trio instrumental paulistano de jazz rock Atønito lança nesta sexta-feira seu segundo disco, Aqui, e antecipa em primeira mão para o Trabalho Sujo o clipe de uma faixa que mostra a disposição do grupo para trilhar novos rumos: “Sentido”, com clipe assinado pelo casal Francisco Porto e Luiza Queiroz, traz Luiza Lian como convidada e é a primeira faixa cantada da história do trio formado por Cuca Ferreira no sax barítono, Rô Fonseca no baixo e synth e Loco Sosa na bateria e synth. “Eu havia conhecido a Luiza por conta do Música de Selvagem, e havia ficado absolutamente impressionado com sua energia, potência, capacidade de improvisação, características que normalmente se encontram em grandes instrumentistas”, lembra Cuca, em entrevista por email. Incluir vocal num trabalho que levanta a bandeira do instrumental não foi por oportunidade: “O Atønito é um grupo instrumental e como tal valorizamos a livre interpretação da nossa música”, continua o saxofonista. “Mas nesse disco tínhamos uma mensagem que havia sido escrita em palavras antes do próprio som.”
Ele se aprofunda nessa questão: “O Atønito nasceu em 2016, naquele que acreditávamos ser um dos piores momentos da nossa história, ano da concretização do golpe”, explica Cuca, lembrando que voltaram a pensar em novo disco depois das eleições para presidente. “quando nos juntamos pra começar a trabalhar pro segundo disco, decidimos que dedicaríamos nossa música para refletir e atacar os caminhos que nosso país havia tomado, marcado pelo crescimento do fundamentalismo religioso e pela tentativa de destruição da identidade nacional, que vinha sendo tão arduamente construída. Após algumas conversas iniciais, coloquei esses pensamentos em um texto, que funcionou como uma espécie de roteiro, de narrativa, a partir da qual compusemos e criamos as músicas que viraram o disco” – o texto citado está no final deste post.
“Nesse texto, concluíamos que o problema fundamental vem da nossa incapacidade de resolver o conflito entre indivíduo e espécie, nossa incapacidade de encontrar equilíbrio entre necessidades e desejos coletivos e individuais. Somos cada vez mais empurrados para um confinamento solitário digital, desconectando-nos da percepção que só a coletividade garante a existência dos indivíduos. Fizemos o disco para debater isso. Ou seja, um disco instrumental, mas cuja inspiração veio da palavra”, conclui o líder da banda, lembrando que o disco já havia sido gravado antes de entrarmos em quarentena. “A quarentena afetou o lançamento, que estava previsto para maio. E nos fez questionar o quanto ainda fazia sentido, mas revisitamos nossos pensamentos originais e percebemos que as questões que nos motivaram só ganharam mais força. Do ponto de vista do nosso discurso, a quarentena só deu mais significado ao que queríamos dizer.”
“Luiza é a única convidada do disco, mas gosto de dizer que para esse disco tivemos entre nós três um processo criativo muito mais coletivo”, relembra. “No primeiro disco, as composições partiram praticamente de ideias minhas. Em Aqui não, tudo foi criado e executado coletivamente, ou seja com muito mais participação do Ro Fonseca e do Loco Sosa”, segue Cuca, lembrando de como Luiza registrou sua parte: “Ela foi pro estúdio, discutimos o texto e ela acabou por dar palavras finais à letra. E a melodia ela criou em poucos takes já valendo.”
Sobre lançar um disco durante a pandemia, tudo é experimentação, mas já está mexendo até na formação do grupo. “Eu particularmente sempre fui do ao vivo e é muito complicado não poder contar com esse caminho para manter o projeto ativo, mas o caminho que encontramos até agora foi esse, de trazer a arte visual para junto da música. Já havíamos feito isso com o Paulinho Fluxus, que é praticamente um quarto integrante do Atønito nos nossos shows. Os clipes que estamos fazendo são uma forma de fazer isso virtualmente. É como se agora a banda fosse baixo, sax, bateria e câmera. Esse disco tem 10 músicas, cinco já viraram imagem. Nos próximos meses teremos mais dois que já estão sendo criados.”
Atønito – Disco 2
AT / NITO
ATONITO
ATˆNITO
ATXNITO
Atønito nasceu e desenvolveu seu som a partir de um momento histórico marcado pela frustração,
pelo pessimismo e pela incredulidade.
Era 2016.
Com a tomada do poder por um grupo que não havia sido eleito, o Brasil soltava o freio e descia
de costas uma ladeira que vinha subindo a duras penas havia pelo menos 2 décadas.
Durante 20 anos, acreditamos que tínhamos encontrado nosso trilho, que aos poucos o futuro do
“país do futuro” chegava. Vivíamos sob a perspectiva da melhora, do otimismo, da confiança.
Para uma geração como a nossa, que nasceu no auge da ditadura militar e ficou adulta nas
décadas perdidas de 80/90, era a certeza de que construíamos um país com personalidade
própria, que finalmente começávamos a tirar o nariz da lama, como gerações anteriores não
haviam sequer imaginado.
Mas o Brasil provou que estávamos errados.
A completa falta de capacidade de manter o país no trilho seguida pelo completo atropelo aos
princípios que formam um Estado fez com que tudo que havia sido construído começasse a erodir
rapidamente.
É sob esse sentimento de perda, de desespero, de angústia, de incredulidade que nasce o
primeiro disco do Atønito.
Um disco do Grito. Expressão musical da raiva, dessa rasteira que tomamos do país. Do ódio que
é ter que dar a razão aos que sempre disseram que “o Brasil é isso aí mesmo”.
Isso foi no agora distante ano de 2017.
De lá pra cá as coisas pioraram muito.
O desastre saiu do plano institucional para o plano humano. Voltamos atrás não mais 20 anos de
desenvolvimento do país, mas séculos de conquistas e conclusões da espécie.
Celebra-se a ignorância. Escolhe-se o “olho por olho” como valor válido. Princípios que nortearam
a evolução da humanidade desde o século 16 agora passam a ser desprezados. Não se acredita
mais na busca do conhecimento, na busca da liberdade, na busca da convivência harmônica.
E o Brasil passa a trilhar um novo caminho, busca um novo modelo, que aparenta ser uma
espécie de mistura entre Porto Rico e Irã; por um lado mergulhando em uma subserviência
incondicional e sem nenhum orgulho próprio ao pior dos EUA, ao mesmo tempo que se apoia na
perpetuação da ignorância da populacão controlada pelo fundamentalismo religioso de pastores
da pior espécie.
Como reagir artisticamente a tudo isso? Como conseguir uma expressão artística – que pressupõe
sentimentos e sensibilidade – que reflita esse novo momento histórico?Descemos.
Do Grito fomos à Implosão.
A jornada agora é em busca do problema fundamental e essencial, chegar no “pré-sal” do que
vemos na superfície; fonte de todos os conflitos atuais:
A relação entre o indivíduo e a coletividade.
Entre o individual e o coletivo.
Entre o ser único e sua espécie.
Por um lado, a associação coletiva nos fez a espécie dominante no planeta. Por outro, implica em
consciência e aceitação de limitações individuais.
Ao longo da história humana, a nossa organização coletiva propiciou o desenvolvimento da
espécie. Mais recentemente, conforme esse desenvolvimento se exacerbou, se transformou na
própria ameaça à existência humana.
Esse é o conflito fundamental.
E é a inspiração e provocação para esse trabalho.
O disco discorre sobre a relação entre o homem e seu ambiente. Como a associação coletiva
propiciou o domínio desse ambiente, e como essa associação coletiva se transformou em fonte de
tensão insustentável para os indivíduos que a formam.
Como existir como indivíduo num modelo que é totalmente dependente da associação coletiva
para a própria subsistência dos seus indivíduos.
Que paradoxalmente dedica cada vez menos espaço físico para seus indivíduos, pressionando
para uma proximidade física cada vez maior, ao mesmo tempo que empurra para o isolamento
atraindo para o confinamento digital, que mais paradoxalmente ainda legitima a existência
individual a partir da validação coletiva.
Reflexões e lembretes sobre cada música:
1. UNO (Vinheta Manifesto)
Da tensão inerente ao uníssono. Um som formado por três.
Somos um? One love? Somos mesmo a mesma energia que vibra em uníssono? Quando
passamos a ser muitos? E mesmo sendo muitos continuamos sendo apenas um?
2.
Quando éramos menores que nosso ambiente.
Quando surge a vida humana? Quando nos percebemos como indivíduo? Quando nos
percebemos como espécie?
Quando tínhamos mais recursos que necessidades?
Quando percebemos que o ambiente podia ser hostil? Quando percebemos que individualmente
éramos inferiores ao ambiente?
A melodia era maior, fica menor e acaba diminuta.
Manifestações de vida que começam a eclodir e aos poucos vão se reconhecendo.
3.Quando percebemos que a espécie tinha mais chances se seus indivíduos se organizassem
coletivamente. Começam as conquistas. A vida melhora. O coletivo prova ser melhor que o
indivíduo. A vida coletiva se prova melhor que a vida individual.
A construção da vida social.
A crença num futuro mais positivo a partir das conquistas coletivas.
4.
Trabalho.
Competição.
O interesse coletivo impõe novas regras à sobrevivência do indivíduo.
A velocidade aumenta, na mesma proporção que a consciência diminui.
5.
Começamos a buscar subterfúgios.
Válvulas de escape. Auto-alienação.
Felicidade artificial, plástico, vaidade, consumismo, “mascando clichê”, terra da fantasia do
pinochio, tá tudo aqui.
6.
“Tá tudo ótimo”
Essa música é uma homenagem direta ao principal artista do movimento “Realismo Cínico”, que
apareceu na China nos anos 90. Uma tentativa de transformar em música os quadros de Yue
Minjun, o “pintor das gargalhadas”, que melhor traduziu o conceito de realismo cínico. A angústia
por trás da gargalhada.
Qual o limite entre a gargalhada e o choro.
O clichê do palhaço desiludido e triste.
7.
A gargalhada quebrou o verniz. Cai o cenário e vemos a realidade atrás.
Vemos a prisão que vivemos. Celas cada vez menores. O indivíduo reduzido ao seu mínimo
espaço.
Fazendas humanas do Matrix. Marcel Marceau. Paredes se fechando, tipo cena de seriado de
ação antigo.8.
Só nos resta o mergulho interior. Reflexão.
Há uma luz no fim do túnel?
Há um túnel no fim da luz?9.
Seguimos! Vai dar trabalho. Ladeira acima. Sensação que sobe, sobe e nunca chega.
Areia, cimento, tijolo.
Cenas de trabalhos forçados.Texto para o último trecho da última música:
Mas não faz sentido.
Por que evitar de cruzar o olhar
Evitar de dirigir a palavra
fingir que não escuta
Se tudo que eu preciso para viver
foi feito pelo outro
tudo que eu como
tudo que eu visto
passou por tantas outras mãos antes de chegar às minhas
por que agir como se só eu existisse
como se aquela pessoa que está ao alcance do meu braço
simplesmente não estivesse ali
então agora é assim?
só existe o outro se for desse jeito?
Reificado
Coisificado
desmontado
desintegrado
fragmentado
em
giga
mega
kilo
bytes
de
bits
binários
Binários.
não mais bípedes
mas binários
só sim ou não
noite ou dia
par ou ímpar
certo ou errado
zero ou um
Binários como os bits
que reconstituídos
nos dão propósito
nos justificam
e nos validam
em forma de um polegar levantado
ou de um coração estilizado
Depois da live de oito horas e de ter aproveitado a brecha no Faustão para mandar a real, Emicida deu mais um passo na escalada que escolheu subir durante este período de quarentena. Se não pode fazer shows, aproveitou o período para consolidar-se de pensador e provocador de discussões. Em mais uma oportunidade, nesta semana, no Roda Viva da TV Cultura, ele foi bem direto em relação aos pontos que prega.
E, na boa? Ele tá certo. Vai longe, esse Leandro.
Depois de anos tocando em bandas e apresentando programas sozinho, Luiz Thunderbird finalmente sai solo em um disco. Este Pequena Minoria de Vândalos ainda não tem data para ser lançado, mas foi idealizado quando Thunder juntou músicas para um novo disco e viu que suas duas outras bandas estavam em momentos opostos: enquanto o Devotos de Nossa Senhora Aparecida completa 35 anos no ano que vem, o Tarântulas, que agora chama-se Elektromotoren, viu-se confrontado com a agenda de lançamento do primeiro disco solo de seu outro integrante, o guitarrista Guilherme Held. Assim, Thunder resolveu partir para este álbum, que vem lançando no contagotas. Começou fazendo uma versão para “A Obra“, do grupo pós-punk mineiro Sexo Explícito, e agora vem com “Insuportável”, com sua guitarra ruidosa emulando a de Andy Gill, falecido guitarrista do Gang of Four, cujo clipe estreia em primeira mão no Trabalho Sujo.
“As minhas várias bandas sempre tomaram muito do meu tempo e energia”, ele me explica quando pergunto sobre este primeiro disco. “Eu tinha essa vontade há muito tempo e dei inicio à pré-produção no final de 2019, gravações começando em novembro”, mas como todos em 2020, teve seus planos atropelados pela quarentena. “Estava no meio do processo de gravações e composições”, ele diz, contando que já tem sete músicas prontas e quatro em processo. “Creio que a melhor coisa a fazer é lançar singles, mostrando aos poucos parte do disco. Por enquanto estamos indo bem nessa estratégia. A cada single, produzo um videoclipe. Estou curtindo esse trampo de, após gravar a música, partir pra videografia dela. É muito prazeroso e abriu uma nova frente de trabalho pra mim. Desde sempre dirigi meus programas na internet, desde 2008, pelo menos. Ano passado dirigi, ao lado do Zé Mazzei, um doc sobre a Lucinha Turnbull. Curti estar do outro lado da câmera!”
Os ecos pós-punk dos primeiros singles não vêm por acaso. “Tenho uma relação muito íntima, desde os anos 80, com o gênero e minhas bandas preferidas vêm desse período: Gang of Four, Pixies, James Chance and the Contortions, mais experimental. Eu curto disco-punk do ESG, do Liquid Liquid e até reconheci similaridades do single “Insuportável”com o som do Speedtwins da Holanda.” Mas o disco vai para além do pós-punk e flerta com a poesia concreta, em parceria com Held, com o rock psicodélico, em parceria com a banda Bike, e com o rock clássico, ao lado de Odair José.
Enquanto a quarentena não acaba, Thunder segue lançando o disco aos poucos. “Aguardo com tremenda ansiedade uma vacina para poder voltar aos palcos, adoro ensaiar, arranjar as músicas, pensar no setlist, fazer shows com platéia, excursionar, isso me faz muita falta.” Ele compensa essa falta, como todos, usando a internet. “Tenho me divertido com lives no instagram, faço todas as terças, às 21h, a live do meu podcast Thunder Radio Show, onde entrevisto convidados. Já faz sete anos que faço esse podcast e achei que as lives seriam a continuação desse trabalho, que depois publico no IGTV. Todo domingo, às 19h, eu faço a live Dedo Mingo, tocando violão e cantando. Nunca toquei tanto violão na minha vida. Isso tem me ajudado a encarar essa quarentena.”
Ele acaba de lançar sua autobiografia (Contos de Thunder) e já tem mais dois livros engatilhados. “No mais, eu queria poder passear com minha bicicleta com mais segurança. Eu, às vezes, dou uma volta, mas pareço um astronauta paramentado. É o mínimo que eu posso fazer nesse caso. Responsabilidade comigo e com o próximo.”
Que prazer ser amigo de um mestre – e poder aprender em papos deliciosos que podem durar horas. Qualquer conversa com o mister Pena Schmidt é uma viagem no tempo e no espaço e começamos falando do mercado da música em plena quarentena, falando de experiências interessantes em transmissões ao vivo e experiências bizarras como o show drive-in em que o buzinaço vira aplauso, mas daí depois deixei ele falar do livro novo do William Gibson, de outras dimensões, de ler ficção científica a luz de velas no sítio da Cantareira quando ele morava com os Mutantes e outras histórias deliciosas. Chega mais.
O Bom Saber é meu programa semanal de entrevistas que chega primeiro para quem colabora com meu trabalho, como uma das recompensas do Clube Trabalho Sujo (pergunte-me sobre como colaborar pelo email trabalhosujoporemail@gmail.com). Além do Pena, já conversei com Fernando Catatau, Mancha, André Czarnobai, Larissa Conforto, Ian Black, Bruno Torturra, Roberta Martinelli, Dodô Azevedo, Negro Leo, Janara Lopes, João Paulo Cuenca e Alessandra Leão – todas as entrevistas podem ser assistidas aqui ou no meu canal no YouTube, assina lá.
Mancha é mestre. Na raça, ele levantou um dos principais templos da música independente do Brasil neste século, além de inspirar inúmeras iniciativas do tipo em todo o Brasil. A Casa do Mancha é um laboratório de experimentação sonora, palco de shows memoráveis e ponto de encontro de gente fina, elegante e sincera, além de ter sido estúdio de gravação para dezenas de discos. Sem shows, ele pensa o que fazer nos próximos passos e eu aproveito para relembrar sua trajetória frente nossa querida Casinha, que nos deixa tão saudosos daqueles momentos memoráveis, tresloucados e aconchegantes.
O Bom Saber é meu programa semanal de entrevistas que chega primeiro para quem colabora com meu trabalho, como uma das recompensas do Clube Trabalho Sujo (pergunte-me como no trabalhosujoporemail@gmail.com). Além do Mancha, já conversei com Bruno Torturra, Roberta Martinelli, Dodô Azevedo, Larissa Conforto, Ian Black, Negro Leo, Janara Lopes, João Paulo Cuenca, Fernando Catatau, André Czarnobai e Alessandra Leão – todas as entrevistas podem ser assistidas aqui ou no meu canal no YouTube.
“Não adianta negar as esferas do sistema solar”, canta Betina no refrão de ótima “Onda Errada”, canção psicodélica de protesto que lança nesta sexta-feira nas plataformas digitais e que antecipa aqui no Trabalho Sujo. Gravada antes da quarentena, a canção reúne o boogarin Dinho Almeida, que gravou guitarras e beats, além de assinar a canção com a cantora curitibana, o ex-supercordas Diogo Valentino no baixo e o trumpete do applegate Rafael Penna (o único a gravar depois da quarentena, à distância). O clipe foi feito por Betina, que aprendeu técnicas de animação 3D durante a quarentena.
“A idéia de escrever algo sobre o negacionismo usando o terraplanismo pra ilustrar o conceito começou quando essas posturas chegaram como pauta no governo”, ela me explica por email. “Mas principalmente frente à pandemia ela ganha muita força, se percebe claramente como esse pensamento acaba sendo nocivo para o coletivo e tendo resultados desastrosos. Quis fazer essa música justamente para compor essa memória social e registrar ‘o que pensamos’ para a história que vai ser contada no futuro.”
O novo single faz parte do sucessor de Hotel Vülcânia, que ela lançou em 2018, embora ela ainda não entenda como acontecerá este novo lançamento. “Eu tinha planos para um novo disco esse ano ainda, mas frente a tudo que vivemos, tenho levado mais tranquilamente esse processo. Vou lançar várias músicas esse ano, mas como elas vão se apresentar, se vão vir em formato de disco ou EP ou só como single eu ainda não sei, tô deixando fluir, sem muita pressão”, ela explica. “Encontrei um canal de expressão entre a criação do material visual que tem me encantado muito. O lyric video de ‘Onda Errada’ foi um dos resultados desse canal criativo”, explica, antecipando que não será o último destes experimentos.
Janara Lopes é dessas pessoas fantásticas que a internet me apresentou. Não bastasse a verve fodona tanto na condução de projetos quanto na execução estética, ela ainda é uma fonte de inspiração, que dispara provocações e cutuca brechas que ou abrem portais interdimensionais ou acendem luzes no fim do túnel, sempre erguendo a bandeira da arte. À frente do coletivo de designers Ideafixa, ela usou a quarentena com desculpa para voltar à sua pequena cidade-natal no cerrado para repensar vários pontos de sua vida e de seu trabalho. E o papo foi por aí, usando o momento que estamos atravessando para tentar vislumbrar um futuro mais otimista para nós – como profissionais de humanas, cidadãos brasileiros e habitantes do planeta Terra.
Vocês conhecem a entrevistada do Bom Saber desta edição, minha querida amiga Larissa Conforto. Ex-baterista da banda Ventre, ela concluiu o processo de transformação musical ao assumir o nome Àiyé e lançar seu primeiro disco (Gratitrevas) bem no início da quarentena, o que interrompeu seus planos imediatos bem como ressignificou seu trabalho, que visto sob o prisma dos dias que estamos passando ganha uma conjuntura bem mais aprofundada. Falamos sobre isso e sobre todo seu processo de transformação artístico, bem como o impacto que o Brasil e a pandemia têm feito em nosso dia-a-dia e como podemos sair dessa. Sempre uma ótima conversa.
O Bom Saber é meu programa semanal de entrevistas que chega primeiro para quem colabora com meu trabalho, como uma das recompensas do Clube Trabalho Sujo (pergunte-me como no email trabalhosujoporemail@gmail.com). Além de Dodô, já conversei com Bruno Torturra, Roberta Martinelli, Dodô Azevedo, Ian Black, Negro Leo, João Paulo Cuenca, Fernando Catatau, André Czarnobai e Alessandra Leão – todas as entrevistas podem ser assistidas aqui ou no meu canal no YouTube, assina lá.
“Lançar um disco pra mim é como lançar uma garrafa ao mar com uma mensagem dentro: quem vai achar, quem vai ler, é um mistério, um pouco obra do acaso mesmo. Deixo um pouco à mercê das magias e imantações”, ri Joana Queiroz, clarinetista e saxofonista carioca que integra o grupo Quartabê e lança nesta sexta-feira, seu quarto álbum solo, Tempo Sem Tempo. “Os retornos sempre vêm, mesmo que demore, e isto já me dá a sensação de completar um ciclo. Mas acho que desta vez estou um pouco mais disposta a compartilhar, falar sobre, tentar fazer chegar um pouco mais. No geral faço discos porque sinto que tenho que fazer, pra estar neste estado de criação, mas não sei me colocar muito em estado de ‘divulgação’. Por outro lado é algo importante, comunicar, dialogar, partilhar. Também tem a ver com vento né.”
Gravado ao lado do irmão Bruno Qual, que também produz o disco, Tempo Sem Tempo está pronto desde o ano passado, conta com participações dos bateristas e percussionistas Sergio Krakowski, Domenico Lancellotti e Mariá Portugal (esta última também integrante do Quartabê) e ressalta um lado intimista e introspectivo de sua musicalidade, ai mesmo tempo angular e doce, principalmente por colocar-se quase sozinha em primeiro plano, como dá pra perceber na faixa dupla “Beira de Rio, Beira de Mar””/”Jóia” (esta última de Caetano Veloso), que ela antecipa em primeira mão para o Trabalho Sujo. E não estranha quando comparo o disco com o momento que estamos atravessando nesta estranha quarentena.
“Acho que por ser um álbum intimista, que tem algo bem etéreo, quase místico, ele talvez faça mais sentido neste momento em que todes estamos olhando pra dentro, com mais calma e atenção, do que na correria desenfreada em que estávamos há pouco tempo atrás”, ela explica. “A música pra mim é sempre esta tentativa de sair do caos e olhar pra dentro, respirar – embora o caos também seja bem vindo. Ir pra outros lugares. É um disco que pode trazer calma, acolhimento, como uma meditação. Quis mergulhar mesmo nesta intimidade, é um disco bem pessoal, tem a ver com solidão sim, ou talvez mais com solitude. Isto foi intencional na forma, as músicas e arranjos foram pensados para que eu pudesse apresentá-las sozinha, mas o conteúdo não, foi o que surgiu naturalmente.”
O trabalho também aproximou-a do irmão, velho parceiro que trouxe pela primeira vez para disco seu. “Já fizemos várias coisas juntes ao vivo, e ele trouxe muitas referências deste universo pra mim, lá desde a nossa adolescência”, ela continua. “Mas nunca tínhamos trabalhado juntes num disco e foi uma experiência muito legal. Nos entendemos rápido em relação ao que as músicas precisavam, e ele foi muito assertivo nas suas contribuições. Fluiu super bem. E estamos fazendo um outro disco juntos já, de duo, baseado em sessões de improvisação que fizemos no início deste ano.”
Aproveito para perguntar como tem sido sua quarentena e ela começou justamente bem introspectiva. “Nas primeiras semanas da quarentena mergulhei totalmente pra dentro, foi uma fase intensa e bem importante pra processar este momento do mundo, e conseguir me situar nele. Apesar de todos os lados trágicos, acho que estava mesmo precisando desse respiro, poder rever e resgatar muita coisa.”
“Depois comecei um ciclo bem interessante de conexões, fazendo muita aula de Kinomichi pelo zoom – o que me salva muito – e dando aulas também, o que tem sido surpreendentemente incrível pra mim. Há muito tempo não dava aulas porque não parava de viajar, mas estava sentindo muito esta necessidade de compartilhar, de pensar junto sobre os processos de aprendizagem”, continua Joana. Ela não tem nada marcado sobre shows por enquanto, mas não quer deixar o assunto de lado, mesmo que online. “O disco foi justamente pensado para me apresentar sozinha e é um formato que se encaixa bem nesta possibilidade atual de lives caseiras”, conclui.
Mas não é só isso: Joana ainda tem planejado coisas com o Quartabê, às vésperas de completar seis anos. “Já tínhamos começado a criar nosso próximo projeto, que é o EP com canções do Dorival, vamos ver se achamos uma maneira de retornar a isto”, lembra. “Mas não estamos com pressa não, cada uma está nos seus processos individuais também, mexendo em muita coisa.” E conclui apontando para outros trabalhos futuros: “Uma coisa legal é que tive uma proposta de fazer mais um disco pro selo japonês com o qual trabalho, Spiral, só de canções. Então até o fim do ano vou estar bem dedicada a isto também. Tenho um duo com o Rafael Martini que estamos tentando manter na ativa à distância, e estou compondo em parceria com outro amigo pianista, o argentino Sebastian Macchi. A gente vai reinventando as conexões, é difícil não ter a presença física, não tocar, abraçar, ouvir ali de pertinho, receber os amigos, sentir o público junto. Mas tem muita coisa acontecendo, e muitas revoluções internas também.”