Entrevista

foradacasinha2018

Mais uma primavera, mais um Fora da Casinha. A tradição aos poucos se estabelece quando o velho compadre Mancha – o dono da Casa do Mancha, reduto infalível da música independente em São Paulo – fecha a escalação de seu festival em mais um novo lugar, desta vez na Casa Híbrida, pertinho do metrô Sumaré (depois de passar pelo Centro Cultural Rio Verde, pela Unibes Cultural e pelo Largo da Batata). E, mais uma vez, ele anuncia as atrações da edição do ano em primeira mão aqui no Trabalho Sujo: dia 6 de outubro, véspera da eleição, ele reúne em três palcos diferentes novíssimos nomes, como Goldenloki, Yma, Dingo Bells, Molho Negro, Juliano Gauche, Terno Rei, Garotas Suecas, Betina, Bruno Bruni, Laura Lavieri, OZU, Strobo, além do paraninfo Mauricio Pereira. A discotecagem desta vez não fica apenas comigo e com o Danilo Cabral (que, tradicionalmente, abrimos o festival) e ainda conta com as presenças de Joyce Guillarducci (Cansei do Mainstream), Rafael Chioccarello (Hits Perdidos) e Alex Corrêa (Caverna).

“Mesmo relativamente novo, o festival me faz perceber melhor onde nosso trabalho deságua”, me explica Mancha por email. “Artistas que tocaram no primeiro ano como Boogarins, O Terno, Carne Doce são nomes que hoje se fortaleceram no mainstream, alicerçados por uma estrutura independente/alternativa de mercado da qual faço parte. Ou seja, nosso caminho tem uma coerência mercadológica, está crescendo e com isso ajudando a solidificar um nicho de economia criativa extremamente importante. E o melhor de tudo, sem perder suas características iniciais ou precisar fazer concessões incompatíveis. Uma renovada da fé no poder de transformação da arte, imprescindível pro momento que vivemos.”

Os ingressos já estão à venda e o primeiro lote custa 50 reais. A arte do poster é da Sefora Rios.

Ozu na manha

Foto: Mariana Harder (divulgação)

Foto: Mariana Harder (divulgação)

Se a volta dos anos 90 já aconteceu ou ainda vai acontecer é uma discussão em aberto, uma vez que a última década do século passado não apenas abrigou diversos nichos estéticos como começou a misturá-los – e as tentativas de ressuscitar a vibe daquele período em inúmeros acontecimentos artísticos (discos, filmes, festas, livros, programas de TV, quadrinhos e até na própria internet, revisitada como um fim e não um meio) não criaram volume a ponto de mexer com o inconsciente coletivo de forma considerável como aconteceu com os anos 70 durante os anos 90 ou os anos 80 na primeira década do século. O grupo paulistano Ozu é um destes inúmeros novos acontecimentos culturais que bebem diretamente daquele período – e não está muito interessado propriamente em soar retrô.

Lançando seu primeiro álbum na próxima quarta no Sesc Pinheiros (mais informações aqui), Inner sucede dois outros trabalhos que pavimentaram sua jornada de forma bem precisa. Tanto The DownBeat Sessions Vol. 1, lançado no ano passado, quanto The Lo-Fi Sessions, no início do ano, apontavam para o trip hop e soul eletrônico inglês do fim do século passado, embora o líder da banda, o tecladista Francisco Cabral, aponte para a corrente oriental do gênero. “Acho que DJ Krush, DJ Kensei, DJ Yas e Kemuri Productions são as influências mais marcantes”, ele explica por email, reforçando outros nomes influenciados por esta cena, “existe um pessoal por aí que vem seguindo essa onda noventista também que gostamos muito como Nymano, Eevee, Unseen Village…”

O grupo é um sexteto mas a origem de suas canções começa nos samples. “São a primeira idéia pra uma música nova”, continua Cabral. “Geralmente, se já não for o caso do sample a bateria e o baixo vem em seguida. O processo básico é construir bases ou beats para adicionar melodias e linhas de voz no final. Isso tudo feito, a banda toca a composição para os ajustes finais”. E faz o contraponto com a banda ao vivo: “O show foge um pouco das repetições do hip hop e abre mais espaço para variações e improvisos criando uma atmosfera um pouco mais pro jazz. Apenas alguns timbres bem pontuais são sampleados, o resto fica bem orgânico mesmo.”

Mahmundi astral

mahmundi

Depois de um dos discos de estreias mais festejados desta década, a cantora e compositora carioca Mahmundi conseguiu dar uma continuidade à altura de seu primeiro disco ao lançar o ótimo Para Dias Ruins no inicio do semestre. Mantendo o clima pra cima do primeiro disco, ela conseguiu melhorar ainda mais o astral e deixar o sol entrar neste turbulento 2018 com um disco delicado e dançante, sensível e pop, suave e com uma ótima vibe. É um processo natural do trabalho dela, que começou fora dos palcos, trabalhando como técnica no Circo Voador, e aos poucos foi mostrando seu pop eletrônico quase timidamente no Soundcloud há seis anos, quando a chamei para participar do elenco de 2012 do saudoso Prata da Casa do Sesc Pompeia, quando fui curador daquela programação. É neste mesmo palco que ela se apresenta nesta sexta-feira, mostrando o novo disco pela primeira vez ao vivo, e aproveitei para trocar uma ideia com ela sobre os processos que a trouxeram até aqui.

Como foi o processo de composição e gravação deste disco?

O que veio primeiro: a vibe das canções ou o título do disco?

Faz sentido se pensar em álbum ainda em 2018?

Como mudou sua carreira do disco anterior até este?

Como é este disco ao vivo?

Este ano perdemos o Miranda. Queria que você falasse da influência dele no seu trabalho.

Você acompanhou a evolução da cena independente brasileira bem de perto. O que melhorou bastante e o que ainda pode melhorar?

Quais são seus próximos passos, uma vez que este disco foi lançado?

Foto: Gal Oppido (Divulgação)

Foto: Gal Oppido (Divulgação)

Quatro anos separam o lançamento dos discos mais recentes do percussionista Guilherme Kastrup – quatro discos e uma Elza. Quando lançou Kastrupismo, em 2014, ele era um nome conhecido principalmente entre músicos e instrumentistas, mas a partir do ano seguinte, quando dirigiu o disco Mulher do Fim do Mundo, que reativou a carreira de Elza Soares, ele tornou-se um nome mais conhecido, fazendo com que seu próximo disco ficasse num futuro distante. Desde então, excursionou com a musa do samba pelo Brasil e no exterior, gravou um novo álbum de Elza reunindo jovens artistas mais uma vez e finalmente teve tempo para lançar seu novo trabalho, Ponto de Mutação, que começa a existir a partir desta sexta, quando o primeiro single, “Reaction”, chega às plataformas digitais. Mas o músico antecipou a faixa, que, como o disco, tem fortes conotações políticas (além de samples de Noam Chomksy e Malcolm X), em primeira mão para o Trabalho Sujo – o disco será lançado dia 12 de outubro e ele apresenta o show de lançamento dia 17 de outubro, no Sesc Pompéia.

“É um disco bem diferente do Kastrupismo – talvez eles se assemelhem pela busca da construção de uma música imagética, que provoque a construção de um filme na cabeça do ouvinte. Mas as cenas que Ponto de Mutação evoca já tem outro espírito”, ele me explica por email. “Como reflexo dos nossos tempos turbulentos, a sonoridade é muito mais densa e intensa. É majoritariamente instrumental, como o anterior, mas usa muito mais a palavra, seja ela cantada, falada ou sampleada.”

“O princípio do processo criativo foram sessões de improviso livre, sem nenhuma regra ou briefing, com alguns grandes parceiros como Kiko Dinucci, Marcelo Cabral e Rodrigo Coelho. Música livre e espontânea. Somente depois dessa fase é que peguei esse material bruto e comecei a selecionar e editar”, ele continua. “Em meio a esse processo, ganhei de presente da Arícia Mess o livro O Ponto de Mutação, do físico Fritjof Capra, que mexeu muito comigo, e me abriu uma nova forma de olhar para tudo isso que estamos vivendo. Como gosto muito da ideia de que um álbum seja como um filme, com enredo, princípio meio e fim, usei a inspiração do livro para desenhar um ‘mapa’ que ilustra o caos social de nossos dias e a curva de ascensão para uma nova era. Esse mapa serviu de esqueleto para que eu esculpisse as composições a partir desse roteiro. Nesse sentido, é um álbum temático. O tema é a transformação da nossa civilização e a prece esperançosa para que essa seja uma virada para fase mais iluminada. Que a força do feminino nos ajude a sair dessa decadência do sistema capitalista, machista-branco e hétero-dominante… Axé!”, ora o percussionista, antes de citar o I-Ching: “Ao termino de um período de decadência, sobrevém o ponto de mutação. A luz que fora banida ressurge…”

“Reaction é a primeira faixa do disco, e dentro do roteiro que falei acima, retrata esse momento de caos e decadência do sistema capitalista atual – na voz do pensador Noam Chomsky sampleada do filme Réquiem para o Sonho Americano”, ele continua. “Ela foi naturalmente escolhida como single pois, além de ser a introdução para o nosso enredo, tem uma sonoridade intensa gerada pelos modulares do pernambucano Rodrigo Coelho e os violoncelos de Jonas Moncaio.” A capa do disco, abaixo, também em primeira mão para o Trabalho Sujo, foi feita em conjunto´pelo diretor de arte do disco, Vinicius Leonel.

kastrup-pontodemutacao

Ele continua falando sobre o single, desta vez com ênfase no clipe. “Foi o resultado do feliz encontro com o cineasta carioca Christian Caselli, que concebeu e editou minuciosamente o clipe a partir de imagens de arquivo, muitas delas de nosso jornalismo alternativo e ativista, além das imagens do próprio filme, cedidas gentilmente pela produtora PFPictures e pelo próprio Chomsky – que me respondeu pessoalmente ao e-mail em menos de 24 horas, confirmando a lenda de que responde a todos os e-mails que recebe! O trecho que escolhi foi um que Chomsky fala dos ciclos viciosos de poder, onde as grandes corporações financiam os políticos que, por sua vez, criam leis que guinam o fluxo financeiro todo de volta às corporações, e conclui com o recado importantíssimo: ‘Se não houver reação popular, é isso que vai continuar acontecendo’. Penso que esse trecho tem uma ligação direta com os últimos fatos políticos no Brasil, e qualquer semelhança com o golpe de 2016, de contornos fascistas em 2018, não são mera coincidência! Achei que era importante trazer esse recado para a nossa realidade.”

Peço para ele me contar sobre a importância de seu trabalho com Elza Soares durante a realização deste novo disco. “A Mulher do Fim do Mundo foi uma experiência espiritual. Me senti o tempo todo envolto e empurrado por energias poderosas. Costumo dizer que eu entrei no furacão Elza – e nada é igual ao que era antes! Foi muito especial conviver com ela, como artista gigante e pessoa maravilhosa que é, e ainda ter a oportunidade de aprofundar a relação com esse grupo do Rômulo Fróes, Rodrigo Campos, Marcelo Cabral e Kiko Dinucci, especialmente, com quem fizemos também o Deus é Mulher, e que considero alguns dos maiores artistas dos nossos tempos. Além de tudo isso, adentrei muito mais de perto às questões dos movimentos negro e feminista, que Elza é uma grande porta-voz. Toda essa pororoca artística desse encontro provocou um turbilhão que virou minha vida de ponta a cabeça.”

Aproveito para lhe perguntar sobre o mercado independente brasileiro de música: “É um dos maiores do mundo. A produção é gigantesca e nós ainda somos um dos povos que mais consomem a própria música. As grandes questões ainda são a formação de público e o repasse do rendimento que essa música gera. Acho que estamos crescendo e nos profissionalizando em nossas redes, e temos bons exemplos disso como a Tulipa Ruiz, a Liniker e o Criolo, entre tantos outros que formaram e consolidaram seus públicos sem o suporte das grandes gravadoras. Ainda temos muito a crescer, pois o mercado é enorme, mas entendo que estamos caminhando bem nesse setor. Talvez o maior desafio seja contornar novamente o intermédio usurpador das majors, que migraram para as redes de streaming, e agora repassam ainda menos do que repassavam pela vendagem de discos. Acredito que havendo repasse justo de dividendos, a música independente é totalmente autossustentável.”

Outra questão específica relacionada ao seu trabalho é o fato de ele ser majoritariamente instrumental. “O Brasil é muito concentrado na canção. A canção aqui é uma entidade soberana! Novamente o problema maior é a formação de público. É conseguir furar o bloqueio das grandes mídias, das rádios e TVs, e chegar a quem tem real interesse, e formar um público novo que não consegue o acesso – se antes por falta de informação, agora por excesso dela. Já houve épocas em que atenção a música instrumental no Brasil foi muito grande. Na minha adolescência, Hermeto Pascoal, Naná Vasconcelos e Egberto Gismonti, por exemplo, lotavam grandes palcos como o Parque Lage e o Circo Voador. Agora, temos bandas como o Bixiga 70 que rejuvenesceram o seu público e abrem novas picadas nesse caminho. Esse mundo é dos persistentes e apaixonados. Continuamos seguindo. Persistentes e apaixonados.”

vitoraraujo

Recém-saído de sua temporada no Centro da Terra – Mercúrio, quando começou a transitar entre nomes da música experimental brasileira, Vítor Araújo leva seu disco Levaguiã para o palco do Sesc Pompéia nesta sexta-feira (mais informações aqui), traçando paralelos entre o álbum e o processo que atravessou durante a temporada. Pedi para ele explicar as transformações que vem passando e como elas se refletem no show desta noite:

“Já estou a 2 anos na campanha do Levaguiã, e é o primeiro trabalho onde me apresento com banda. Primeiro houve o trabalho de adaptar e recriar os arranjos que originalmente foram escritor pra orquestra de formação sinfônica, que foi árduo porém interessante. E justamente por eu vir na música erudita mas dialogar – principalmente nesse show – com o meio mais pop-alternativo, acabou que o show circulou por vários tipos de espaço diferentes. Desde festival – como o Rec-Beat e o Coma -, até teatros como o Santa Isabel, e salas de concerto como o Ibirapuera. E agora, passados esses dois anos e rodado por esses diferentes lugares onde o show acaba se comportando de maneiras muito diferentes, decidi trazer pro show alguns elementos novos.”

“Aqui, torna-se muito importante a experiência de residência artística que foi construída no Mercúrio, onde pude fazer, ao vivo, experimentos de formação instrumental, de relação entre eletrônico e orgânico e, principalmente, de redundância sonora – tendo redundância aqui uma boa conotação. Trouxe de lá a vontade de ampliar a banda gerando um jogo de redundâncias instrumentais. Por isso: duas baterias, duas guitarras, dois percussionistas. “

“E, além disso, vamos poder retomar uma coisa que foi feita no início do lançamento do Levaguiã: em vez de uma audição do disco, como geralmente é feito pelos artistas em vias de lançar um novo trabalho, eu, Raul e Bruno Giorgi fizemos uma performance numa galeria de arte aqui de São Paulo onde Bruno remixava ao vivo o disco, que estava tendo a primeira audição pelos convidados. E ele mixava quadrifônicamente, em vez do padrão estéreo de L/R. Enquanto isso, Raul também remixava num projetor as peças gráficas que ele fez pro disco, construindo uma narrativa de animação ali na hora. No show do Pompéia vamos retomar essa idéia da quadrifonia, o show vai ser mixado na hora por Bruno em 4.1, dando uma ‘visão’ mais 360graus do show.”

“Isso tudo parece entrar num contexto pessoal meu onde sinto que me aproximo cada vez mais da música experimental e do ambiente de hibridismo entre o acústico e o eletrônico. Não sei ainda onde isso vai dar, mas acho que o Mercúrio e as alterações que ele gerou agora no show do Levaguiã apontam pra isso…”

inutero

“Há tempos não estava vendo muito sentido em prosseguir no rolê da música”, desabafa Rodrigo Lemos, um dos fundadores da Banda Mais Bonita da Cidade que passou a lançar seus trabalhos com o nome solo Lemonskine e o grupo Naked Girls and Aeroplanes. “Rolou depressão mesmo após o meu último lançamento. Ainda sem saber como proceder, fui cavoucar o que tinha acontecido comigo ao longo dos anos, tipo terapia mesmo! Passei por um monte de coisa desde o meio da década passada e as coisas vão mudando. O panorama atual não é meu lugar de fala.”

Foi pensando nisso que optou por o que ele chama de “regressão” ao seu primeiro contato com o rock, o trio Nirvana. “Eu devia ter em torno de 12 anos; já havia mudado do Rio de Janeiro para Curitiba e lembro de ter comprado meu primeiro disco com dinheiro economizado de “mesadas” nessa época, o acústico da MTV americana, que aqui no Brasil chegou quase junto com a notícia da morte do Kurt”, lembra. “Foi um período em que eu vivi isso muito intensamente. Como adolescente, não conseguia exatamente compreender o sentido daquilo tudo, mas encontrava ecos internos já apontando pro interesse em música, em formar uma banda… Aí, me aprofundando no Nirvana, naturalmente cheguei ao In Utero e não larguei mais. Foi, com absoluta certeza, o disco que mais ouvi durante a juventude.”

rodrigolemos

Ao se deparar com o início de sua educação musical e o momento de sair de cena para dar voz a outras vozes (“por hora, prefiro participar do momento como produtor musical, e me coloco numa posição de empatia e apoio às novas vozes que realmente importarem, ainda mais no contexto do Brasil”, completa), Lemos capitaneou uma versão cheia de soul justamente para o disco-epitáfio de Kurt Cobain – lançado meses antes do suicídio de seu autor, Kurt Cobain. “A princípio, não houve um grande planejamento em torno do In Utero especificamente, mas sempre tive curiosidade com essas versões que buscam outro sentido na obra original”, continua Lemos. “Aí fui arranjando as versões em casa e em estúdio, dando os pontos de partida e convocando pessoas que eu admiro e que, já sabia, teriam alguma identificação com essa obra.”

“Inevitavelmente, tenho como referência projetos como Easy-Star All Stars, por exemplo – que já lançou releituras dub e reggae para Michael Jackson, Radiohead, Pink Floyd… Recentemente, tocando em casa, achei que estivesse compondo uma progressão de acordes bem funkeada, quando comecei a cantar uma melodia que, minutos depois percebi, era igual à de ‘Heart-Shaped Box’. Foi quando veio o clique”, lembra da origem soul do projeto.

O resultado é um disco bonito, com momentos inspirados e contrapontos interessantes, que às vezes desliza para o clichê, mas sempre mantém uma linha de raciocínio que nunca desanda, no máximo se repete. Heart-Shaped Tracks – A soulful tribute to Nirvana’s In Utero, primeiro lançamento do selo de Lemos Mezcla Viva Records reúne nomes como Blubell, Francisco El Hombre, Tuyo, Michele Mara, Letrux e os projetos autorais do idealizador num tributo essencialmente coeso e bem executado.

“A vida colocou um monte de fãs de Nirvana em volta de mim”, brinca. “Eu não pedi, mas quando vi já sabia quem poderia me ajudar a tornar isso realidade. Acho que o fato de ser um remake cantado majoritariamente por vozes femininas foi a maior surpresa. E ir encontrando a universalidade das letras do álbum, sobretudo. Pisei em ovos, por exemplo, pra convidar a Michele Mara para interpretar a versão de ‘Rape Me’. Por outro lado, fiquei muito à vontade com ela enquanto gravávamos!”

“Cada encontro foi muito especial à sua maneira, até os encontros à distância, como foi o caso da Leticia Novaes, do Letrux, que tem toda uma relação pessoal com Nirvana também, e encontrou tempo em meio à sua correria para transbordar em ‘All Apologies'”, continua.Um destaque que observo com carinho, foi o debut da Isabela Cafefortesemaçúcar. Ela participa em ‘Tourette’s’, que é uma música bem menos popular no álbum original mas, aqui, foi uma surpresa entre a equipe que a conhecia pessoalmente sem nunca ter ouvido sua voz cantante.”

É o primeiro projeto do selo, que Rodrigo imagina como ponto de partida para o envolvimento de seu trabalho com algumas das pessoas que participaram do projeto, mas por enquanto seu foco é mostrar o disco fora do Brasil. “Esse foi um projeto piloto pra sacar qual a substância disso em vendas digitais – que é só o que estou licenciado para fazer. Sacar se as pessoas estão interessadas nesse tipo de lançamento. Mas a idéia é que o selo possa lançar um remake por semestre, então o próximo já vai entrar no forno”, diz, sem contar quais nomes tem especulado.

HeartShapedTracks

Raissa Fayet + Bananeira Brass Band – “Serve the Servants”
Yuri Lemos + Igor Amatuzzi – “Scentless Apprentice”
Lemoskine – “Heart-Shaped Box”
Michele Mara – “Rape Me”
Francisco El Hombre + Bananeira Brass Band – “Frances Farmer Will Have Her Revenge On Seattle”
Jan & Machete Bomb – “Dumb”
The Shorts – “Very Ape”
Blubell + Dopler Beatz – “Milk It”
Tuyo + Bananeira Brass Band – “Pennyroyal Tea”
Naked Girls and Aeroplanes + Bananeira Brass Band – “Radio Friendly Unit Shifter”
Isa Caféfortesemaçúcar – “Tourette’s”
Letrux + Bananeira Brass Band – “All Apologies”

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“É o começo de algo sólido. Nosso primeiro disco de fato. A idéia de Fundação vem desse conceito de erguer algo a partir de uma estrutura firme”, explica a banda paulistana E a Terra Nunca Me Pareceu Tão Distante sobre o título de seu novo disco, Fundação, em entrevista por email. Formado por Lucas Theodoro (guitarra, synth e programações), Luccas Villela (baixo e guitarra), Luden Viana (guitarra e synth), e Rafael Jonke (bateria e MPD), o EATNMPTD está prestes a lançar seu novo álbum, no próximo dia 14, e antecipa tanto a capa (acima) quanto um curta sobre as gravações do disco (abaixo) em primeira mão para o Trabalho Sujo.

“Não seguimos um conceito, as ideias foram propostas e construídas de forma natural durante nossos ensaios. São músicas em que todos exploramos mais os ritmos e novas sonoridades, até trocando de instrumentos, saindo de uma zona de conforto do que se espera de um quarteto de baixo, guitarras e bateria”, explicam coletivamente, sem dizer quem responde qual pergunta. O grupo existe há cinco anos e já lançou alguns EPs, mas desde o início de 2016 não lançou mais nada, adiando o lançamento de seu primeiro álbum por mais de dois anos. “Na maior parte desse tempo entre um lançamento e outro nós tivemos um grande período em que mais fizemos shows, rodamos por festivais e novas cidades no Brasil. E quando achamos que havia chegado a hora, nos concentramos em produzir novas músicas, experimentar e fazer algo novo. Ao mesmo tempo que o disco tem uma sonoridade diferente, é uma mudança natural considerando todo esse processo e tempo que tivemos acumulando e absorvendo novas inspirações.”

Lucas Theodoro, Luden Viana,  Rafael Jonke e  Luccas Villela (foto: Larissa Zaidan)

Lucas Theodoro, Luden Viana, Rafael Jonke e Luccas Villela (foto: Larissa Zaidan)

A espera valeu à pena. Fugindo do guarda-chuva genérico chamado pós-rock, a banda vai para além da sonoridade épica, esparsas e barulhenta que a fez ganhar fama no circuito independente brasileiro. “Só tivemos vontade de entregar uma nova proposta sonora. O pós-rock de uma certa forma ainda está la, é perceptível, mas quisemos sair da fórmula mais notória do estilo, formar algo que fale por nós, pela nossa vivência musical, e consequentemente isso veio naturalmente nas composições”, explicam. O resultado pode ser conferido nas duas músicas que o grupo já lançou, “Daiane” e “Como Aquilo Que Não Se Repete”.

“Fundação se deu por conta de um processo muito específico e novo para nós. Pela primeira vez tivemos a oportunidade de ensaiar mais regularmente em um espaço nosso. Ter todos nossos equipamentos sempre montados em uma mesma sala e não ter restrição de horário foi um privilégio muito grande e afetou diretamente esse processo. Foram seis meses criando em um ambiente que nos deixou mais livres para experimentar estruturas de música, testar novas formas de compor e incorporar momentos espontâneos que acabaram por virar músicas inteiras. No final das contas, esse processo todo influenciou o resultado final muito mais do que referências musicais pontuais”, continuam. O disco foi gravado em duas fases, a primeira num estúdio em Araraquara e o restante na casa do guitarrista Lucas Theodoro. A produção ficou a cargo de Gabriel Arbex. “A escolha desses lugares foi para preservar uma relação mais íntima com o processo. O Sunrise (em Araraquara) tem uma estrutura de casa mesmo. Nós dormimos lá todos os dias, cozinhamos, fizemos churrasco… É um processo bem imersivo estar em outra cidade. Em São Paulo no tempo em que ficamos no Theodoro também teve um clima diferente de poder parar pra fazer um café, sentar no quintal pra conversar, etc. Enfim, o processo foi todo um pouco mais leve e pessoal/humano nesse sentido.”

Além de novas sonoridades, os quatro testaram novos instrumentos. “Quase todos gravamos synth e o disco tem baterias eletrônicas, sequencer, congas, músicas com várias guitarras…”, prosseguem. “A participação mesmo foi a de Vini Rodrigues, de apenas 20 anos, que gravou saxofone em uma das faixas. O Arbex não chegou a tocar nenhum instrumento no disco, mas adicionou muitas camadas na hora da mixagem que abriram bastante o ambiente sonoro do disco.”

Há inclusive uma faixa com vocais (“Se a resposta gera dúvida, então não é a solução”, que também contém vocais do produtor e de Fernando Dotta, capo da gravadora do grupo, a Balaclava), mas seguem firmes como uma banda instrumental, o que está longe de ser uma questão para a banda. “Desde o começo sempre nos adaptamos muito bem nos ambientes pelos quais passamos, inclusive, sempre estivemos muito mais em meio a bandas não-instrumentais, o que foi positivo para o nosso desenvolvimento por não estarmos completamente atrelados a apenas um nicho. Hoje, cinco anos após o início da banda, seguimos com a mesma mentalidade, que é a que não segrega, e sim ajuda a somar na cena em que estamos inseridos. Além de tudo, é importante ter noção que temos muito privilégio por sermos uma banda que está localizada em São Paulo.”

rodrigobrandao

Rodrigo Brandão está mudando de pele de novo. Depois de reconhecido como VJ do saudoso Yo! MTV Raps e ter conseguido se transformar no MC Gorila Urbano à frente do também saudoso Mamelo Soundsystem, ele agora assume o próprio nome ao lançar seu primeiro disco solo, expandindo as fronteiras de seu canto falado para além do hip hop. É um processo que ele vem maturando há uma década a partir de uma série de colaborações que tem feito com alguns broders do Hurtmold e outros nomes de peso como Del The Funky Homosapien, Mike Ladd, Prince Paul, Lúcio Maia, Naná Vasconcelos, entre outros, em projetos como Ekundayo, Zulumbi, 3rd World Vision e Brookzill.

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No entanto, o recém-lançado Outros Barato, produzido por Thiago França, é o primeiro disco que assina com seu próprio nome – e que mostra que partiu para o spoken word como uma continuação de seu trabalho como MC de hip hop. No novo disco, ele juntou bambas como Guizado, Rodrigo Carneiro, Richard Ribeiro, Tulipa Ruiz, Victor Vieira-Branco, Marcelo Cabral, Thomas Rohrer, Pupillo, Juçara Marçal e os suspeitos de sempre do Hutmold (Maurício Takara, Marcos Gerez, Rogério Martins e Guilherme Granado) para três sessões de descarrego verbal e instrumental. Conversei com ele sobre este seu disco de estreia, lançado quase décadas depois de sua estreia no mundo fonográfico.

Como surgiu a idéia de Outros Barato?

Como você começou a se envolver com o canto falado?

Fale sobre as sessões que deram origem ao disco.

O quanto o disco foi improvisado?

Como surgiu o título do disco?

Você definia os temas que ia falar a partir dos convidados?

Como serão os shows deste disco?

Como você vê a cena de spoken word no Brasil?

Teve alguém que você quis registrar que não conseguiu?

O que mais você anda fazendo desde que o Mamelo acabou?

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Tássia Reis é MC mas começou dançando e canta muito – e começa a explorar novas possibilidades de sua musicalidade na temporada que assume nas terças-feiras de setembro no Centro da Terra. Chamada de Estive Pensando, ela aproveita a série de quatro shows para mergulhar em uma transição de carreira que vai muito além da preparação de um próximo disco. Estabelecida como rapper tanto em carreira solo quanto no grupo Rimas e Melodias, ela quer reinventar sua apresentação para além dos limites que já conhece de espetáculo – e com isso, se reinventar. Conversei com ela sobre o que ela esteve pensando para esta nova fase de sua carreira.

O que significa esta temporada em sua carreira?

Como você pensou na formação que vai trazer para o palco?

Os shows vão mudar de um dia para o outro?

Sobre o que você “esteve pensando”? Como chegou neste título?

É um show de rap?

Fazer um show pensado para um teatro é uma novidade em sua carreira?

Consegue sintetizar o que você quer com esta temporada?

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Tatá Aeroplano acabou de se mudar do bairro de Santa Cecília para a Vila Romana e a mudança de paisagem está completamente refletida em seu novo disco, o recém-lançado Alma de Gato, que traz o cantor e compositor paulista longe do fervo do centro, onde morava desde que se mudou para São Paulo, e mais entre as árvores e sob a luz do sol que bate na zona oeste paulistana – o disco é batizado a partir do nome de um pássaro. É seu quarto disco solo e o quinto que grava ao lado da banda formada por Bruno Buarque, Júnior Boca e Dustan Gallas (o outro disco foi o que dividiu com Bárbara Eugenia no ano passado). A química entre os músicos é perfeita, mas o que mais impressiona no disco é perceber como Tatá está cada vez mais à vontade em sua própria sonoridade, longe do humor corrosivo dos grupos que o consagraram no início da carreira (o Jumbo Eletro e o Cérebro Eletrônico). A cada novo disco ele ergue um pequeno monumento à vida comunitária numa cidade gigantesca como São Paulo, percorrendo suas avenidas e multidões com o espírito andarilho de garoto do interior que ele sempre foi. Conversei com ele sobre o novo álbum e sobre a carreira que construiu até aqui, além de pedir para que ele, mais uma vez, dissecasse o disco faixa a faixa (que, como todos seus discos, está para download em seu site).

Vida de Gato é reflexo de sua mudança entre dois bairros de São Paulo. Fale sobre a inspiração do disco.

É um disco mais bucólico?

Essa sua mudança de bairro tem a ver com a gentrificação de São Paulo? Como você vê essas mudanças?

É o quinto disco que você grava com a mesma banda. Fale sobre o processo de criação, composição e gravação com eles.

É seu quarto disco solo, lançado totalmente às próprias custas. Você acha que esse é um modelo de negócios viável para outros artistas?

Você assistiu à transformação da cena independente brasileira com a chegada da internet. O que mudou e o que ainda falta mudar?

Como esta autonomia de carreira permite que você crie mais livremente? Fale sobre a relação entre ser independente e o processo de criação.

Quais os próximos projetos?

almadegato

Alma de Gato – Faixa a faixa